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Programme Doctoral «Sciences, Sciences Humaines et Management»

Vous êtes jeune diplômé, titulaire d’un master, et vous vous orientez vers un doctorat ? Découvrez le Programme Doctoral « Sciences, Sciences Humaines & Management » en partenariat avec le Collège des Ingénieurs.

Le programme s’adresse aux futur.es doctorant.es, quelle que soit la discipline. Il propose une formation à double compétence en recherche et en management débouchant sur un double diplôme : un doctorat et un MBA. Les étudiant.es retenu.es par le Collège des Ingénieurs bénéficieront d’un contrat doctoral d’une durée de 3 ans et de l’opportunité de travailler comme consultant junior en entreprise ou dans un organisme public.

Cette formation de haut niveau, à la fois théorique et pratique, a pour but de permettre aux diplômés d’intégrer des postes à responsabilité dans des entreprises privées ou des organismes publics, en France et à l’international.

Renseignez-vous auprès de votre école doctorale pour connaître les modalités pour postuler. Les candidat.es pourront bénéficier d’un suivi personnalisé de la part de Mr Pascal Aquien – Vice-doyen Recherche de la commission de la recherche et de Mme Axelle Ferraille – conseillère au SCUIOIP pour les aider dans le processus de recrutement.

Les étapes de votre candidature :

 

  1. Candidature auprès de l’école doctorale de votre choix, selon modalités propres
  2. Envoi du dossier de candidature au CDI avant le 21 juin 2020
  3. Présélection des dossiers par un jury Faculté des lettres-CDI, après avis des écoles doctorales
  4. Jury d’admission commun Faculté des Lettres-CDI juillet 2020
  5. Les candidats de l’ED 124 doivent prendre contact très rapidement avec Axelle Feraille et Marie Planchot (marie.planchot@sorbonne-universite.fr), si possible avant le 25 mai.

Retrouvez les témoignages de  Mathieu Caron et Ferdinand Breffi, recrutés dans le cadre de ce programme.

Plus d’information :

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Contactez le SCUIOIP : axelle.ferraille@sorbonne-universite.fr

Informations sur les financements doctoraux – campagne 2020

Vous pouvez consulter ci-dessous plusieurs offres de contrats doctoraux modifiées en raison de l’épidémie actuelle.

Contrats doctoraux annuels de l’ED 124 (actualisé)

Contrats doctoraux flèches vers les EFE – Campagne 2020

Appel à projets doctoraux de Sorbonne Université « Programme doctoral SCAI – Sorbonne Center for Artificial Intelligence »

Contrats Cifre de la ville de Paris

Campagne 2020 d’attribution de contrats Doctoraux des Instituts et Initiatives de Sorbonne Université (Actualisé le 18 mars)

Appel à candidatures – Chargés d’études et de recherche 2020

Programme Doctoral «Sciences, Sciences Humaines et Management»

Éléments islamiques dans la porcelaine impériale chinoise du début de la dynastie Ming (1368-1435)

Valentina Bruccoleri

 

Communication présentée le 18 janvier 2019

Article publié le 13 avril 2020

La porcelaine impériale produite à Jingdezhen sous les cinq premiers règnes Ming de la dynastie Ming (Hongwu 1368-1398, Jianwen 1398-1402, Yongle 1402-1424, Hongxi 1425 et Xuande 1425-1435) peut être considérée comme une production relativement homogène en ce qui concerne les formes, les techniques et les décors, qui se distingue selon plusieurs aspects des productions des autres règnes de la dynastie Ming (1368-1644). Parmi ces productions, seulement celles d’époque Hongwu, Yongle et Xuande sont identifiables, les deux autres règnes (Jianwen et Hongxi) étant trop courts pour y associer une production artistique précise. Les pièces impériales du début des Ming sont de très haute qualité, destinées à usage de l’empereur ou pour la cour selon les types d’objets. De façon générale, les pièces monochromes étaient les plus prisées, souvent utilisées pour des rituels d’État et probablement par l’empereur lui-même. Si les porcelaines monochromes et celles à décor rouge de cuivre sous couverte étaient destinées uniquement à usage de la cour, des nombreuses porcelaines à décor bleu de cobalt sous couverte, appelées généralement « bleu et blanc », et certains monochromes blancs, font partie aujourd’hui des grandes collections d’Ardebil au musée de Téhéran et du palais de Topkapi à Istanbul  ; d’autres pièces de ce type ont aussi été retrouvées dans des collections syriennes. Cela a pendant longtemps poussé les chercheurs à penser que ces pièces n’avaient été réalisées que pour l’exportation dans les pays du Proche et Moyen-Orient, mais de nombreux exemples de pièces identiques dans les collections impériales et les découvertes plus récentes dans les fouilles du site des fours impériaux de Jingdezhen suggèrent une problématique  plus complexe. 

Le début de la dynastie Ming est généralement considéré comme une période de fermeture politique et économique de l’Empire chinois : après un siècle de domination mongole de la part de la dynastie Yuan (1279-1368), qui avait favorisé les échanges entre les différentes zones de l’espace eurasiatique, le premier empereur des Ming, Hongwu (r. 1368-1398) referme les frontières terrestres et maritimes et interdit tout commerce avec l’extérieur. Cette interdiction officielle du commerce avec l’extérieur ne signifie pas une absence totale des contacts avec les régions voisines et lointaines : en plus des célèbres voyages maritimes de l’amiral Zheng He, qui emmènent la flotte chinoise entre 1405 et 1433 jusqu’aux côtes de la Péninsule arabique et d’Afrique de l’Est, les envois d’ambassades terrestres vers les royaumes d’Asie Centrale continuent. Ces voyages n’avaient officiellement pas un but commercial, et les objets apportés par les ambassades chinoises (thé, textiles et céramiques) étaient principalement des dons pour s’assurer la continuité du système tributaire avec ces régions. Toutefois, en plus de la recherche d’une certaine stabilité des frontières et une sécurité des routes, l’intérêt économique chinois de ces missions était bien présent et concernait particulièrement l’approvisionnement de chevaux provenant des régions occidentales. Sur la base des études sur la politique commerciale de cette période, ainsi que les études récentes sur la porcelaine Ming à usage impérial, il est possible d’avancer l’hypothèse que la porcelaine bleu et blanc issue des fours de Jingdezhen au début de la dynastie Ming ne se limitait pas à une production exclusive pour le marché centrasiatique. Cette hypothèse est confortée aussi par les dernières publications scientifiques, dont les actes du colloque Ming China: Courts and Contacts 1400-1450 tenus au British Museum en 2016, où Jessica Harrison-Hall a réexaminé le statut de la porcelaine bleu et blanc en Chine dans la première moitié du XVe siècle : s’il est vrai qu’elles n’étaient pas estimées comme des objets de luxe destinés uniquement à un usage royal, comme c’était le cas en Occident, ces pièces étaient bien présentes dans la vie de cour en Chine. Un autre point qui appuierait cette hypothèse est le fait que les premières porcelaines bleu et blanc d’époque Ming, datées du règne de Hongwu, sont aujourd’hui extrêmement rares dans les collections du Proche-Orient, et se trouvent pour la plupart sur le territoire chinois, soit dans les collections impériales, soit comme découvertes archéologiques du site des fours impériaux de Jingdezhen.

La porcelaine bleu et blanc est le type de céramique qui, sous les trois premiers empereurs Ming, présente le plus d’éléments provenant du monde musulman, même s’il existe des pièces monochromes blanches d’époque Yongle qui reproduisent des formes provenant du répertoire islamique. La question des éléments islamiques en porcelaine chinoise n’est pas nouvelle : depuis l’étude pionnière de Basil Gray dans les années 1940, de nombreux chercheurs s’y sont intéressés. Traiter de la réinterprétation, dans un objet, d’éléments provenant d’un monde autre que celui qui le produit, porte à réfléchir sur la question délicate des « influences ». Si la problématique est certainement utile, lorsqu’il s’agit de traiter de ces questions il est nécessaire d’être prudent et de ne pas tomber dans des jugements rapides et qui seraient forcément limités. Les formes et les motifs, en effet, circulent non seulement à travers les zones géographiques, mais aussi à travers les époques et les différents milieux sociaux, en apparaissant sur des supports différents. Dans notre cas, il est difficile de déterminer de façon précise si un élément est typiquement « chinois », « islamique », « persan », « mongol », ou encore « centrasiatique » et dans quelle mesure le monde chinois a « influencé » le monde islamique ou vice-versa. Par exemple, si le dragon est considéré comme un des symboles chinois par excellence, il est présent dans l’art persan, de la peinture aux objets en métal, au moins depuis l’époque ilkhanide (1256-1335), et il avait peut-être été intégré dans le répertoire décoratif persan bien avant le XVe siècle. De la même façon, si l’utilisation du cobalt pour obtenir la couleur bleue pour les verres, mais aussi en céramique, dérive du Moyen-Orient, il serait impropre de considérer la production de porcelaine bleu et blanc en Chine comme une invention persane.

Cette communication ne vise pas à déterminer la provenance géographique des éléments décoratifs sur la porcelaine chinoise impériale du début de la dynastie Ming. Elle propose, dans le cadre du thème de la journée doctorale « Exô-tikos. Penser l’Autre et l’Ailleurs en histoire de l’art » des éléments de réflexion sur la question de la réinterprétation, dans les supports et techniques disponibles à une certaine époque, dans un certain lieu et dans un certain milieu, d’éléments issus d’un monde différent. L’utilisation ici du terme « éléments islamiques », bien que très général, englobe les caractéristiques étrangères au répertoire décoratif chinois et intégrées dans celui-ci après les contacts de la Chine avec le « monde musulman », en particulier le monde persan et l’Asie Centrale. Pour ce propos, il est nécessaire de s’appuyer sur des exemples précis pour analyser les éléments islamiques qui ont eu un impact sur la forme, la couleur et les décors d’un certain type de porcelaine chinoise.

L’élément qui probablement ressent le plus de l’influence de l’art islamique sur la porcelaine du début des Ming est la forme des pièces. Il s’agit probablement de la caractéristique la plus visible, puisque de nombreux objets en porcelaine bleu et blanc reprenaient les formes sur des objets en métal provenant du monde islamique. De nombreuses formes nouvelles s’introduisent dans le répertoire chinois déjà au cours du XIVe siècle, à partir de la domination mongole sous la dynastie Yuan. La plus courante est le plat de grandes dimensions, d’un diamètre de plus de 30 cm pouvant aller jusqu’à 60 cm, à lèvre ronde ou festonnée [Fig. 1]. Ces plats ont souvent été considérés comme une forme réalisée en Chine exclusivement pour l’exportation vers le Proche et Moyen-Orient. Les habitudes alimentaires chinoises ne nécessitaient pas, en effet, de grands plats, mais plutôt des coupes et bols de dimensions petites et moyennes. L’épaisseur considérable de ces plats, en opposition à la finesse des céramiques produites sous la dynastie Song, a aussi conforté l’idée que ces objets devaient être résistants pour réduire le risque d’être cassés pendant le long trajet. Comme dernier point, en outre, la présence de nombreux œuvres de ce type dans les collections d’Ardebil et Topkapi semblait confirmer cette hypothèse. Toutefois, considérer les porcelaines chinoises qui s’inspirent de formes islamiques comme des pièces produites dans le seul but d’être exportées, serait ne considérer qu’un aspect de la production. S’il est vrai que l’épaisseur des pièces les rendait plus résistantes aux voyages, ce n’est pas la seule raison pour laquelle celles-ci étaient réalisées avec une pâte plus robuste par rapport aux porcelaines d’époque Song : ceci permettait à des pièces de si grandes dimensions une majeure résistance lors du séchage et de la cuisson. En outre, en ce qui concerne la présence de ces porcelaines dans les deux grandes collections du Proche et Moyen-Orient, celle-ci ne garantit pas le fait qu’elles aient été commanditées par les souverains ottomans ou persans.  

Fig. 1. Plat à lèvre festonnée en porcelaine avec décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Yuan (1271-1368), D.: 35 cm, Freer & Sackler Gallery, Washington (inv. F1974.32a-f). Photo : Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery, Smithsonian Institution.

Au début de la dynastie Ming, il n’existait pas un marché d’exportation aussi développé qu’il le sera à partir de la fin du XVe siècle, et les voyages entre la Chine et l’Asie Centrale ou le Proche-Orient se situaient, comme nous l’avons mentionné, dans une démarche de maintien de relations tributaires avec l’extérieur plutôt que par une volonté systématique de commerce. Par conséquent, il n’est pas à exclure par que les grands plats, utilisés par les dirigeants de la dynastie mongole, aient ensuite été intégrés par la dynastie suivante en se figeant par conséquent dans le répertoire des formes de la porcelaine Ming. 

D’autres formes provenant du répertoire islamique sont reprises dans la porcelaine bleu et blanc en Chine, en particulier à partir du règne de Yongle, par exemple les bocaux à panse arrondie [Fig. 3], les gourdes [Fig. 15], les chandeliers [Fig. 5], les aiguières au long col fin [Fig. 7] et panse les boîtes à pinceau (qalamdân). Il y a peu de doute que ces formes furent produites en Chine à partir d’objets en métal provenant du monde musulman : en particulier, les formes rappellent celles des objets produites dans deux des villes principales du Grand Khorassan, Hérat et Ghazni [Fig. 6 et 8] ou du sultanat mamelouk. Ces formes seront produites même après le XIIIe siècle : par exemple, il est possible de voir des nombreux parallèles entre les formes des porcelaines bleu et blanc du début des Ming et les objets du métal de l’empire timouride (1405-1507). Le bocal à panse arrondie est une forme assez fréquente des pièces bleu et blanc des règnes de Yongle et Xuande [Fig. 3], et probablement la forme la plus courante parmi les objets en métaux d’époque timouride. Il s’agit d’un objet intéressant pour notre propos puisqu’il témoigne du possible échange d’éléments décoratifs chinois et islamiques. Les potiers de Jingdezhen se sont sûrement basés sur un objet islamique pour réaliser cette nouvelle forme, inconnue auparavant dans l’art chinois. Toutefois, il n’est pas à exclure que sa version timouride [Fig. 4], très courante au XVe mais aussi au XVIe siècle, se soit à son tour inspirée de la version chinoise en porcelaine, par exemple avec l’introduction du dragon, qui aurait pu arriver à Herat grâce aux ambassades chinoises sous les règnes de Hongwu et Yongle. S’il est difficile de trouver une réponse sûre à cette question, il est certainement intéressant se demander comment une forme ou un motif ne sont pas forcément représentatifs d’une culture précise, mais peuvent circuler dans le temps, l’espace et d’un milieu à l’autre et changer de type de support.

Fig. 3. Bocal à panse arrondie en porcelaine avec décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Ming, règne de Xuande (1425-1435), H.: 14 cm, Metropolitan Museum of Art, New York (inv. 2004.163). Photo : Metropolitan Museum of Art.
Figure 15 : Gourde en porcelaine avec décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Ming, règne de Yongle (1402-1424), H.: 24,3 cm, Musée du Palais de Pékin. Photo : Musée du Palais de Pékin
Figure 5 : Chandelier en porcelaine avec décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Ming, règne de Yongle (1402-1424), H.: 38,5 cm, Musée du Palais de Pékin. Photo : Musée du Palais de Pékin.
Figure 7 : Aiguière en porcelaine avec décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Ming, règne de Yongle (1402-1424), H.: 38,8 cm, Musée du Palais de Pékin. Photo : Musée du Palais de Pékin.
Figure 6 : Chandelier en laiton incrusté en argent, Iran, époque Seldjoukide, XIIIe siècle, H.: 16, 3 cm, Freer and Sackler Gallery, Washington (inv. F1954.128). Photo : Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery, Smithsonian Institution.
Figure 8 : Aiguière en laiton incrusté en argent, Iran ou Afghanistan, 1180–1210 env., H.: 40 cm, Metropolitan Museum of Art, New York (inv. 44.15). Photo : Metropolitan Museum of Art.
Figure 4 : Bocal à panse arrondie en laiton incrusté en argent et or, Afghanistan (prob. Herat), fin du XVesiècle, H.: 14,3 cm, Metropolitan Museum of Art, New York (inv. 91.1.607).  Photo : Metropolitan Museum of Art.

L’arrivée de la couleur bleue fabriquée à partir du cobalt en porcelaine chinoise pourrait aussi être dérivée d’une utilisation moyen-orientale du bleu dans les objets en verre, mais aussi en céramique, en imitation de la couleur du lapis-lazuli. Les recherches récentes effectuées à Jingdezhen sur l’origine des porcelaines à décor bleu sous couverte témoignent des échanges technologiques entre la Chine et le monde islamique. Des études se sont intéressées aux liens entre les premières céramiques à décor bleu de cobalt sur fond blanc produites dans les fours de Gongxian sous la dynastie Tang (618-907) [Fig. 9] et celles produites dans la région de Basra (Irak) au IXe siècle [Fig. 10]. Si l’origine du développement du décor bleu sous couverte en porcelaine ne peut pas être déterminée avec certitude, on est sûr est la provenance persane du pigment utilisé à Jingdezhen pour la réalisation de ces objets à partir des années 1320. Les noms utilisés par les Chinois sumali 蘇麻离 ou sumani 蘇麻泥 ou encore suboni 蘇渤泥, seraient des formes dérivées du persan solaymānī, terme qui apparaît dans un texte sur la technique céramique écrit au XIVe siècle par l’historien et céramiste Abu al-Qasim Kashani : 

« Le sixième élément est la pierre lâjvard, que les artisans appellent solaymânî. Sa source est dans le village de Qamsar, dans les montagnes proches de Kashan […]. Il ressemble à de l’argent blanc brillant dans une gangue de pierre noire. On en tire la couleur lapis, comme celle des céramiques émaillées de cette couleur. »

Fig. 9. Assiette en céramique à décor bleu de cobalt provenant de l’épave Belitung, fours de Gongxian, IXe siècle, D.: 22 cm, Musée de Singapour. Source : http://www.koh-antique.com/lyc/belitung_shipwreck.htm

Fig. 10. Bol en faïence, Irak, probablement Basra, IXe siècle, D.: 20 cm, Freer and Sackler Gallery, Washington (inv. 63.159.4). Photo : Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery, Smithsonian Institution.

Après la dynastie Yuan, un type de cobalt chinois sera aussi utilisé pour obtenir la couleur bleue en porcelaine, parfois mélangé au cobalt importé, qui était très cher. Tout en tenant compte du fait que la réussite d’une couleur sur porcelaine ne dépend pas seulement de la qualité du pigment, il semble que ce cobalt local, avec des proportions différentes en fer et manganèse par rapport au cobalt importé, ne donnait pas la même brillance et profondeur de couleurs si caractéristiques de l’époque Yuan [Fig. 11]. 

Fig. 11. Détail de vase meiping en porcelaine, décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Yuan (1271-1368), H.: 42 cm, Musée de la céramique de Jingdezhen. Photo de l’auteur.

Au delà de la technique du bleu et blanc, il n’est pas à exclure que la technique des pièces à couverte monochrome bleue produites sous la dynastie Yuan, dont celles à décor d’or, soit liée à celle des lajvârdina du XIIIe siècle [Fig. 12]. Tout en s’agissant seulement d’une hypothèse, il est connu que les souverains Mongols avaient facilité les voyages à travers le continent eurasiatique : ceci avait, par conséquent, favori aussi les échanges d’artisans ainsi que la circulation des savoirs et des techniques dans l’ensemble des khanats de l’empire mongol. Les pièces monochromes bleues décorées avec une feuille d’or fixée au feu d’époque Yuan sont extrêmement rares. Aujourd’hui, quatre pièces de ce type, découvertes dans des fouilles archéologiques, sont connues : un bol et une coupe yi 匜 [Fig. 13 et 14], provenant des fouilles de Baoding dans la province du Hebei, et deux coupes jue  爵 provenant respectivement d’un site à Hangzhou (Zhejiang) et à Shexian (Anhui). Au delà des pièces de provenance archéologique, il est possible d’ajouter une coupe avec sa soucoupe conservée au musée du palais de Taipei et une bouteille vendue chez Sotheby’s Hong Kong, le 28 novembre 2018 (lot 2903). Leur rareté pourrait s’expliquer avec l’édit de Kubilai Khan de la huitième année de l’ère Zhiyuan (1271) qui interdisait l’utilisation de l’or sur les objets en porcelaine.


Fig. 12. Carreau de céramique avec glaçure lajvârdina, Iran, deuxième moitié du XIIIe siècle – XIVe siècle, H.: 20 cm, Metropolitan Museum of Art, New York (inv. 20.120.73). Photo : Metropolitan Museum of Art
Fig. 13 et 14. Bol et coupe yi en porcelaine à couverte monochrome bleue et émaux dorés, découverte dans les fouilles de Baoding (Hebei), dynastie Yuan (1271-1368), Musée du Hebei, Photo : thepaper.cn.

En ce qui concerne les décors, il est plus difficile de rapprocher des éléments de comparaison précis comme pour les formes. En effet, si le décor islamique a eu une influence sur les porcelaines bleu et blanc, surtout en ce qui concerne la répartition du décor en registres et l’usage de formes géométriques, des motifs précis n’étaient pas fréquemment copiés. Ceci est dû probablement à la difficulté d’adaptation des motifs islamiques, très géométriques, qui n’étaient pas familiers aux potiers chinois, habitués de leur côté à des décors traités avec des lignes plus sinueuses. Certains exemples semblent toutefois être des représentations assez fidèles du motif original, comme le décor géométrique visible sur la panse d’une gourde en porcelaine du musée du palais de Pékin [Fig. 15], qui copie un décor semblable à celui d’un Coran de provenance persane, daté de 1313, conservé à la Bibliothèque Nationale du Caire. Il est intéressant de remarquer comment les artisans chinois ont adapté un motif destiné à une surface plane à la surface bombée de la gourde et structuré l’espace en essayant de reproduire la précision géométrique islamique. Moins proche, mais avec la même structure hexagonale entourant une fleur est le décor d’une tuile de céramique architecturale conservée au Musée du Palais de Pékin [Fig. 16]. 

Fig. 15. Gourde en porcelaine avec décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Ming, règne de Yongle (1402-1424), H.: 24,3 cm, Musée du Palais de Pékin. Photo : Musée du Palais de Pékin.
Fig. 16. Carreau de céramique architecturale, décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Ming, règne de Xuande (1425-1435), L.: 28 cm, Musée du Palais de Pékin. Photo avec la permission du Musée du Palais de Pékin.

En plus des décors géométriques, les inscriptions en arabe ou en persan furent aussi reproduites sur des pièces bleu et blanc d’époque Yongle et Xuande. Toutefois  dans la plupart des cas, il ne s’agissait pas de vraies inscriptions, mais plutôt d’imitations illisibles de l’écriture arabo-persane, comme sur le piédestal conservé au musée de Pékin [Fig. 17]. Sur d’autres exemples, comme un bol conservé au musée de Xi’an [Fig. 18], daté du règne de Yongle, l’inscription, illisible aussi dans ce cas, est appliquée sur des pièces qui imitaient une répartition du décor déjà connue sur des pièces islamiques. Le parallèle le plus proche issu du monde islamique est un bol qui, bien que daté du tout début du XVIe siècle, présente la même répartition en registres, en conservant celui du rebord pour l’inscription [Fig. 19].

Fig. 17. Piédestal en porcelaine avec décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Ming, règne de Yongle (1402-1424), H.: 17,5 cm, Musée du Palais de Pékin. Photo avec la permission du Musée du Palais de Pékin.
Fig. 18. Bol en porcelaine avec décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Ming, règne de Yongle (1402-1424), D.: 13,5 cm, Musée de Xi’an.
Fig. 19. Bol en argent incrusté d’or et de nielle, Iran, 1500-1510, D.: 11,2 cm, Freer and Sackler Gallery, Washington (inv. F.1954.115). Photo avec la permission de Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery, Smithsonian Institution.

Le dernier exemple présenté par cette communication est une œuvre qui résume les aspects que nous avons abordés, c’est-à-dire la forme, la couleur et les décors de certaines porcelaines bleu et blanc du début des Ming qui ont intégré des caractéristiques « exotiques » aux yeux du potier chinois des fours impériaux. Un grand plat à lèvre festonnée, à décor bleu de cobalt sous couverte avec motif central de raisin, est concerné par ces trois aspects. [Fig. 2] La forme, comme nous l’avons vu, était une forme étrangère aux artisans chinois avant le XIVe siècle, du moins avec ces grandes dimensions, et elle a été intégrée progressivement dans le répertoire chinois. La couleur, bleu brillant avec les typiques points noirs dus aux concentrations du cobalt, est aussi une mise au point chinoise d’un pigment venu du Moyen-Orient. Enfin le raisin, décor principal de la pièce, est un fruit qui, malgré sa présence en Chine depuis l’époque Han, a longtemps été associé par les Chinois à son lieu de provenance, le Dayuan 大宛 (la vallée du Ferghana). De nombreux exemples de ce plat existent dans le monde, que ce soit dans les collections chinoises ou dans les collections d’Istanbul et de Téhéran, et certains sont arrivés, plus récemment, dans les collections européennes et américaines. L’exemple le plus célèbre est probablement le plat dit « Mahin Banu », qui se trouvait dans la collection de la fille de Shah Ismail (r. 1501-1524) des Safavides, puis dans celle de Shah Jahan (r. 1628-1658) des Moghols et fait partie, depuis 2015, de la collection Al Thani. Ce plat témoigne non seulement de la circulation des techniques et motifs entre Chine et monde islamique, mais aussi des objets eux-mêmes, qui ont voyagé parmi certaines des plus grandes collections mondiales. 

Fig. 2. Plat en porcelaine avec décor bleu de cobalt sous couverte, dynastie Ming, règne de Yongle (1402-1424), D.: 44,7 cm, Freer & Sackler Gallery, Washington (inv. F1953.77). Photo avec la permission de Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery, Smithsonian Institution.

La production impériale du début de la dynastie Ming marque probablement l’apogée de l’intégration d’éléments islamiques en porcelaine chinoise. D’un côté, la dynastie Yuan avait introduit des éléments mongols tout à fait nouveaux aux yeux des artisans chinois ; de l’autre côté, la circulation des formes et motifs entre monde chinois et monde islamique sur des supports tels que les métaux et les textiles avait permis aux potiers chinois la création d’objets inédits qui réunissaient des caractéristiques provenant de ces deux mondes. 

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GRAY, Basil, « The influence of Near Eastern Metalwork on Chinese Ceramics », Transactions of the Oriental Ceramic Society, vol. 18, 1940-41, p. 47-60.

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GUO Xuelei 郭学雷, « Baoding Yuandai jiaocang zhuren ji xiangguan wenti de tansuo 保定元代窖藏主人及相关问题的探索 (Investigation sur le propriétaire du trésor de Baoding d’époque Yuan et les questions rélatives) », in LI Zhongmou, CHEN Kelun, CHEN Xiejun, LU Minghua (éds.), Splendors in Smalt: Art of Yuan Blue-and-white Porcelain Proceedings Volume II, actes du colloque (Shanghai, Musée de Shanghai, 2012), Shanghai : Guji chubanshe, 2012, p. 170-193.

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JIANG Jianxin 江建新, Jingdezhen taoci kaogu yanjiu 景德鎮陶瓷考古研究 (Recherches archéologiques sur la céramique de Jingdezhen), Pékin : Kexue chubanshe, 2013.

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JIANG Jianxin 江建新, Ming Hongwu guanyao yanjiu 明洪武官窑研究 (Étude sur les fours officiels du règne de Hongwu des Ming), Pékin, Wenwu chubanshe, 2018.

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Mingdai Xuande yuyao ciqi: Jingdezhen yuyao yizhi chutu yu gugong bowuyuan cang chuanshi ciqi duibi 明代洪武永乐御窑瓷器: 景德镇御窑遗址出土与故宫博物院藏传世瓷器对比 (La porcelaine impériale d’époque Xuande : comparaison entre les porcelaines découvertes dans les fouilles sur le site des fours impériaux de Jingdezhen et celles de la collection impériale du Musée du Palais), Pékin, Musée du Palais, juin-septembre 2015 (Pékin : Gugong chubanshe, 2015). 

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Pourquoi un prince luthérien doit-il collectionner les gravures ? Les conseils de Gabriel Kaltemarckt à Christian Ier de Saxe (1587)

Nastasia Gallian 

 

Communication présentée le 28 janvier 2016

Article publié le 13 avril 2020

Résumé : 

En 1587, Gabriel Kaltemarckt rédige un mémoire pour guider l’Électeur de Saxe dans ses achats d’œuvres d’art. En proposant à Christian Ier, entre autres, une liste de graveurs à collectionner pour sa gloire et celle de Dieu, il cherche à l’inciter à rassembler des estampes de grande qualité, qui seront considérées, au sein de la Kunstkammer, à la fois comme des œuvres d’art à part entière et comme des substituts à d’autres œuvres d’art.

Le 2 juin 1587, l’érudit Gabriel Kaltemarckt adresse à l’Électeur Christian Ier de Saxe (1560-1591) un mémoire contenant ses recommandations en matière de collections artistiques. Ce document manuscrit d’une cinquantaine de pages, intitulé Bedencken, wie eine kunst-cammer aufzu richten seyn mochte, est aujourd’hui conservé aux Archives de Saxe à Dresde. On ignore tout des circonstances de sa rédaction : il peut s’agir d’une initiative spontanée de la part de Gabriel Kaltemarckt ou, plus vraisemblablement compte tenu de l’absence de justification de la démarche dans le texte, de la réponse à une demande formulée par Christian Ier, fraîchement arrivé à la tête de l’État après la mort de son père en février 1586. 

La biographie de l’auteur du mémoire est mal établie. D’origine autrichienne, Kaltemarckt est connu à Dresde entre 1579 et 1611, année probable de sa mort. En 1605, il publie son unique livre, Paradiswasser. On conserve également six dessins de sa main, principalement des copies d’œuvres italiennes (Michel-Ange, Titien, Pordenone). La dédicace de l’un d’entre eux à Christian, encore prince héritier, a laissé supposer qu’il avait pu être son maître de dessin, mais aucun document d’archive ne vient corroborer cette hypothèse. 

C’est en tout cas en véritable connaisseur des arts que se présente Kaltemarckt dans son mémoire de 1587, où il disserte de l’histoire de la sculpture, de la peinture, de la gravure et du collectionnisme avec beaucoup d’assurance et en présentant des jugements tranchés. Il rédige ce texte, comme nous l’apprend un passage, au retour d’un voyage en Italie au cours duquel il a eu l’occasion de se familiariser avec les usages italiens en matière de pratique artistique, de recherches esthétiques, de discours sur l’art, mais aussi de collectionnisme : à Florence, il a ainsi consulté le fonds de dessins de l’Accademia del Disegno, discuté avec des marchands d’art et étudié les collections des Médicis. Son texte témoigne aussi d’une connaissance fine des Vies de Vasari, auxquelles il emprunte, dans son mémoire, la hiérarchie des arts, des époques, et, en partie, des artistes. 

I. Un plaidoyer pour la création d’une Kunstkammer à Dresde

Plus qu’un compte-rendu de voyage, le manuscrit de Kaltemarckt est avant tout une argumentation visant à démontrer à Christian Ier l’intérêt de créer une collection d’art à Dresde, tout en lui proposant des solutions pratiques pour la mise en œuvre de cette entreprise. En bon courtisan, il débute son texte en définissant les traits qui rendent un souverain illustre et son nom mémorable. Selon lui, plus que les batailles et les conquêtes militaires, plus que l’établissement d’une paix durable et d’une administration juste, ce sont la protection et l’encouragement de tous les arts qui assurent la pérennité de la gloire du prince. La fondation de bibliothèques pour conserver les œuvres littéraires et historiques consignant et louant les hauts faits du souverain ainsi que la création de collections d’art seraient donc des instruments essentiels au service du souverain, qui lui permettraient de se faire l’égal des grands rois de l’Antiquité (les bibliophiles Ptolémée et Attale par exemple) et des illustres princes de la Renaissance (les Médicis, François Ier, Maximilien Ier et Henri VIII notamment). 

Après avoir cité ces figures d’autorité, Gabriel Kaltemarckt s’attache à circonscrire le champ des objets qui doivent constituer une Kunstkammer d’une qualité équivalente aux grandes collections d’art européennes contemporaines. Selon lui, doivent y être rassemblés, dans cet ordre de préséance, des sculptures, des peintures, des objets de curiosité et des médailles. Dans la suite du texte, il s’intéresse principalement aux statues et aux tableaux, avant d’aborder un autre type d’œuvres : les gravures. Pour chaque médium, il propose une liste d’artistes dont les œuvres sont à posséder et entreprend d’établir des normes pour la collection. Les noms des sculpteurs et des peintres sont répartis par époque, selon la partition vasarienne : le bel âge de l’Antiquité, le renouveau de la fin du Moyen Âge et enfin l’époque de la perfection de l’art à la Renaissance. Dans cette dernière période (qui est la seule concernée pour la gravure), il procède volontiers par écoles géographiques, en plaçant en avant l’Italie, puis en poursuivant avec les pays au nord des Alpes (anciens Pays-Bas espagnols et Allemagne). 

Après avoir identifié les artistes qui doivent être représentés dans la Kunstkammer, Kaltemarckt s’intéresse aux modalités pratiques de la fondation d’une telle collection. Il compare alors les différents moyens de transporter les objets jusqu’à Dresde et, surtout, donne des conseils pour limiter le budget nécessaire aux acquisitions : il avance ainsi l’idée d’un recours général aux copies et moulages afin d’obtenir des pièces de qualité, dont les originaux sont souvent déjà immobilisés dans des collections prestigieuses ou coûtent des sommes beaucoup trop importantes pour le prince d’un État connaissant des difficultés financières. Pour mener à bien les acquisitions et gérer la collection, Kaltemarckt propose de nommer deux gardes de la Kunstkammer, choisis pour leur érudition, leur savoir sur les trois périodes définies précédemment et pour leurs connaissances en peinture, gravure, sculpture et moulage – autant de qualités que Kaltemarckt s’attribue dans son texte, ce qui laisse à penser que son mémoire était avant tout une tentative d’obtenir une charge à la cour de Saxe. 

L’auteur conclut son texte en stipulant que son mémoire n’est que la première étape d’une démarche qui reste à poursuivre (par lui-même, peut-on sous-entendre), et qu’il faudra réfléchir à l’ordonnancement des objets, une fois qu’on en aura rassemblé suffisamment. Il en profite néanmoins pour indiquer que les outils et instruments scientifiques (c’est-à-dire des pièces qui peuvent éventuellement servir à produire les œuvres d’art sans en être elles-mêmes), doivent être conservés hors de la Kunstkammer et hors de la bibliothèque, dans un espace qui leur serait spécialement dévolu. 

II. La critique d’un type de Kunstkammer inadéquat : état des collections en 1587

Cette dernière remarque, qui semble mal articulée avec le texte qu’elle clôt, est particulièrement importante parce qu’elle fonctionne comme une pointe venant éclairer a posteriori la lecture du mémoire.  En effet, même si Kaltemarckt passe le fait sous silence, il existe en réalité une Kunstkammer à Dresde depuis 1560, et sous cette appellation même. Fondée par le père de Christian Ier, l’Électeur Auguste Ier de Saxe (1526-1586), elle comporte plus de neuf mille cinq cents items, ce qui en fait l’une des collections les plus importantes au nord des Alpes avec celle de Munich. En 1587, c’est-à-dire un an après la mort d’Auguste et alors même que Kaltemarckt est en train de rédiger les Bedencken, cette collection est en cours d’inventaire, ce que l’auteur ne peut ignorer. La liste qui est établie à ce moment-là nous apprend qu’il s’agit d’une collection très largement dominée par les outils d’artisanat en bois ou en métal richement ornés. Joachim Menzhausen évalue la part de ces objets à 75 % des items consignés (soit sept mille trois cent cinquante-trois pièces), quand les tableaux, cartes accrochées au mur et sculptures ne représentent que 1,5 % du total (cent trente-cinq œuvres) ; les livres, parmi lesquels se trouvent des livres à figures et des suites d’estampes reliées, constituent quant à eux 3% (deux cent quatre-vingt-huit entrées) de la Kunstkammer. 

Ce que critique ici à mots voilés Kaltemarckt, c’est donc le fait que les collections électorales laissées en patrimoine à Christian Ier soient dévolues aux arts et métiers et non aux beaux-arts, autrement dit qu’elles aient une vocation utilitaire (technique et scientifique) quand elles devraient avant tout revêtir une valeur esthétique. Cette volonté de réorienter et de redéfinir la Kunstkammer transparaît dans tout le mémoire de 1587, et se ressent aussi dans les réflexions dédiées aux gravures, qui sont particulièrement symptomatiques des infléchissements drastiques envisagés par l’auteur. 

Des estampes sont en effet bien présentes dans les collections d’Auguste Ier, où elles revêtent différentes formes : cartes géographiques accrochées aux murs ou roulées sur des tables, livres à figures, recueils d’estampes, albums, gravures en feuilles. À une très large majorité, il s’agit d’œuvres en taille-douce, souvent conservées en regard de dessins. L’inventaire après décès indique que les estampes ponctuent les sept sections de la Kunstkammer. Dans la première salle (la Reiskammer dévolue aux œuvres d’art et objets rares et précieux en lien avec l’étranger), se trouvent des cartes, des paysages, des portraits (dont une matrice de cuivre doré montrant Charles Quint) et quelques scènes religieuses. Le deuxième espace, dédié aux arts et techniques, fait voisiner la collection d’outils avec la bibliothèque interne de la Kunstkammer (distincte de la Librerey, déployée dans un espace qui lui est propre), où se trouve rassemblée la majeure partie du fonds d’arts graphiques. Dans les autres salles, sont principalement conservées des cartes, des vues de villes ou des représentations d’événements princiers. La plupart de ces œuvres sont liées au goût personnel de l’Électeur pour les sciences et techniques et sont présentées à proximité immédiate des outils (de maçon, tourneur, médecin, imprimeur, jardinier, etc.) et des instruments scientifiques (compas, horloges, sphères, etc.), dont elles constituent des compléments figurés essentiels, d’autant plus appréciés qu’ils sont facilement cumulables en grand nombre du fait de leur faible encombrement. Les nombreuses cartes, dessinées ou gravées, sont ainsi à mettre en rapport avec la passion d’Auguste Ier pour la métrologie et la géographie, et les instruments scientifiques gravés sur papier, tels que l’astrolabe de Leonhard Thurneysser zum Thurn, devaient être utilisés au cours des recherches menées par l’Électeur dans la Kunstkammer. On trouve aussi dans la bibliothèque de deux cent quatre-vingt-huit volumes aménagée dans la deuxième salle des traités de cosmographie (Ortelius, Gemma Frisius), d’astronomie, d’ethnologie (Bertelli, Damman), d’architecture (Vitruve, Alberti, Serlio), de perspective et de géométrie (Jamnitzer, Dürer, Sebald, Hirschvogel). Les côtoient, au sein de cet espace consacré aux sciences appliquées, des suites de gravures religieuses (Virgil Solis), antiquaires (Cock) et ornementales (Cock d’après Cornelis Floris) ainsi que des recueils de portraits (Philips Galle) et de variations architecturales (d’après Vredemann de Vries). 

Par la diversité des sujets qu’elles abordent, les gravures d’Auguste Ier participent donc de fait à la tentative d’englober et de refléter le monde dans sa totalité au sein de la Kunstkammer : elles sont là pour documenter, compléter et mettre en valeur les collections et, comme les autres objets qu’elles recèlent, sont destinées à être manipulées et utilisées comme sources. L’éclatement des collections graphiques à Dresde répond du reste bien aux préceptes en matière d’ordonnancement édictés par Samuel Quiccheberg à Munich en 1565. Selon lui, il faut en effet recourir aux estampes dans toutes les « classes » et « inscriptions » (c’est-à-dire dans tous les sous-ensembles du théâtre de la mémoire qu’est la collection) : aussi en trouvera-t-on aussi bien avec les instruments mathématiques, les objets exotiques, les curiosités naturelles ou les outils d’artisanat qu’avec les statues antiques ou les médailles. Si elles sont donc pensées avant tout comme des objets à valeur documentaire dont l’intérêt est d’éclairer et de compléter le reste des collections, une inscription entière leur est néanmoins réservée dans la cinquième classe : une bibliothèque interne à la Kunstkammer est ainsi prévue pour abriter les suites reliées, recueils ou albums de gravures – exactement comme ce qui est mis en place à Dresde par Auguste Ier. 

III. Propositions pour réformer les collections d’estampes de la Kunstkammer

A. Redéfinition des fonctions de la Kunstkammer

La place réservée aux estampes par Gabriel Kaltemarckt est bien différente du programme de Quiccheberg. Dans les Bedencken, les gravures dignes d’être conservées sont considérées, au même titre que les peintures et les sculptures, avant tout comme des œuvres d’art, fruits du génie de personnalités renommées et choisies parmi les meilleures de l’histoire de l’art. C’est à cette seule condition que les estampes peuvent être mises au service de trois causes : la gloire du prince, la morale et Dieu, qui sont les finalités de toute collection d’art authentique selon Kaltemarckt. 

Comme toutes les œuvres d’art, les gravures ont un rôle à jouer dans la conservation de la mémoire du nom du prince. Si Christian Ier veut que la postérité de ses hauts faits soit assurée, comme l’a été celle de Ptolémée en Égypte ou comme l’est celle des Médicis à Florence, s’il veut rivaliser avec eux sur le plan de la mémoire, il doit s’intéresser davantage aux arts. De manière surprenante, Kaltemarckt détourne très rapidement cette équation de la question du mécénat pour la porter sur le terrain de la collection, envisagée comme « sterckung der gedechtnus », autrement dit comme un moyen efficace d’acquérir une forme d’immortalité tant auprès de ses alliés que de ses ennemis.  Kaltemarckt ne développe pas davantage cette idée, mais on peut penser qu’il fait dériver ici le champ du « théâtre de la mémoire » du macrocosme vers le prince, qui est désigné comme seul véritable principe de la Kunstkammer. Dans le nouvel ordre ainsi esquissé, Kaltemarckt ne semble ménager aucune place à des œuvres de commande qui célébreraient explicitement l’Électeur de Saxe, leur préférant, sans avancer la moindre justification, des œuvres préexistant au prince ou dont l’exécution contemporaine ne dépendrait pas de lui, mais sur lesquelles il pourrait néanmoins faire acte de propriété. 

De cette ambition politique et historique, Kaltemarckt passe à des considérations morales : collectionner les œuvres d’art inciterait à vivre selon des préceptes justes (« dem guten nachzufolgen, und das bose zumeiden »). Rassembler des peintures, des gravures ou des sculptures aurait ainsi pour intérêt de former le public (notamment la jeunesse) à la vertu en lui mettant sous les yeux des figures exemplaires de l’histoire sainte, antique ou contemporaine, parmi lesquelles, évidemment, celle de Christian Ier. Le plaisir de la vue serait donc mis au service d’une juste cause, celle de l’édification de la jeunesse, formée en même temps à la moralité et au bon goût. 

Cette formation morale et esthétique par la fréquentation des collections d’art est enfin portée à un troisième niveau par Kaltemarckt : celui de la foi. Parce qu’il est capable de provoquer chez l’homme une honnête joie (« geburlich[e] eerlich[e] freude »), l’art doit être regardé comme un don de Dieu. Accorder sa juste place à l’œuvre d’art, en faire un objet de collection à la fois esthétique et éthique, revient donc à accepter de manière authentique ce don. Le prince luthérien est donc celui qui ne s’adonne pas à un usage hérétique des images : il rejette non seulement l’idolâtrie pratiquée par les peuples antiques et les papistes, mais aussi l’iconoclasme prôné par les calvinistes et les musulmans. Alors que tous les exemples de collectionneurs de la Renaissance qu’il cite sont catholiques (à l’exception de Henri VIII), Kaltemarckt cherche donc à définir une pratique du collectionnisme qui serait proprement luthérienne et la singularise davantage par ses intentions que par les moyens de son application, qui ne diffèrent en rien de ceux employés par ses modèles papistes. Comme il s’agit d’un texte rédigé dans un contexte courtisan, qui est destiné à plaire à son destinataire et qui n’a aucune ambition théologique, Kaltemarckt ne développe pas davantage l’argument de l’œuvre d’art comme juste moyen d’honorer Dieu. Rappelons simplement que nous sommes en Saxe, terre d’origine de la Réforme luthérienne et que, malgré des réserves, le nouveau culte reconnaît volontiers à l’image des fonctions pédagogiques, un rôle dans les loisirs et une place dans l’exercice de la foi. Kaltemarckt prend néanmoins soin de mentionner ces points dans son mémoire afin de convaincre le nouveau prince de ne pas céder à son conseiller principal, le calviniste Nikolaus Krell, sur la question des œuvres d’art. 

B. Une collection des meilleurs graveurs

Les trois ambitions définies par Kaltemarckt pour la Kunstkammer de Dresde, qui appliquent dans un cadre temporel les fonctions dévolues à l’image par le luthéranisme, ne peuvent se réaliser que par l’accumulation d’œuvres d’excellente qualité, réalisées par les meilleures maîtres des grandes disciplines artistiques. Aussi l’auteur s’attache-t-il à proposer de longues listes d’artistes devant nécessairement être représentés dans toute Kunstkammer authentique. 

Pour ce qui concerne la gravure, il cite quarante-trois noms [figures 1 et 2].  La liste s’ouvre avec Albrecht Dürer (1471-1528), peintre-graveur dont la renommée est si considérable au XVIe siècle que toute collection graphique de qualité se doit d’en posséder les gravures sur cuivre et sur bois. La préséance semble lui être accordée du fait de son excellence technique, de la valeur reconnue à ses œuvres par le marché de l’art, mais sans doute aussi du fait de sa germanité. Le choix de placer Albrecht Dürer immédiatement devant l’Italien Marcantonio Raimondi (v. 1480-v. 1534), graveur mis en avant par Giorgio Vasari (source évidente des Bedencken) ne peut en effet qu’être significatif : cela vise à signaler le point de vue septentrional de l’entreprise de Kaltemarckt et témoigne de sa volonté de rééquilibrer une histoire de l’art écrite par des Italiens en y faisant entrer largement les grandes figures artistiques du nord des Alpes. 

Fig. 1 et 2 : liste des meilleurs graveurs selon Gabriel Kaltemarckt (Sächsisches Staatsarchiv, Hauptstaatsarchiv Dresden, 10024 Geheimer Rat (Geheimes Archiv), Loc. 9835/12, Bl. 40v-42r. Original et reproduction : tous droits réservés © Sächsisches Staatsarchiv, Hauptstaatsarchiv Dresden).

Le patronage de Dürer est d’autant plus visible que, juste après son nom, débute une série de quatorze graveurs italiens : outre Marcantonio Raimondi, interprète de Raphaël déjà cité, on y trouve, dans cet ordre d’apparition : Enea Vico (1523-1563), Agostino Veneziano (v. 1490-v. 1540), Marco Dente da Ravenna (v. 1490-1527), Battista del Moro (v. 1512-1573), Ugo da Carpi (1480-1532, désigné comme l’inventeur de la gravure sur bois en chiaroscuro), Antonio da Trento (1500-v. 1550), Giovanni Battista Montano (1534-1621), Giorgio Ghisi (1512-1582), Giovanni Battista de Cavalieri (v. 1525-1601), les deux Français installés à Rome Antoine Lafréry (v. 1512-1577) et Nicolas Béatrizet (1510 /1515-1565/1577), l’architecte Antonio Labacco (1495-1567) et un « Jacobus Barzo » qui est sans doute Vignole (1507-1573). Suivent trois figures françaises de l’École de Fontainebleau : Jean Cousin Père (v. 1490/1500-1560/1562), René Boyvin (1525-1625 ?) et Etienne Delaune (1518/1519-1583), puis Kaltemarckt revient aux graveurs italiens avec Giulio Bonasone (v. 1500-1574), Battista Franco (1498-1561), Luca Penni (v. 1500-1556), Antonio Salamanca (1500-1562), Mario Cartaro (v. 1560-1623), Martino Rota (1520-1583) et enfin Gaspare ab Avibus (1536-1580). La seconde partie de la liste est entièrement consacrée aux graveurs issus des États allemands ou des anciens Pays-Bas : Hans Sebald Beham (1500-1550), Georg Pencz (v. 1500-1550), Virgil Solis (1514-1562), Lucas de Leyde (1494-1533), Dirck Volckertsz. Coornhert (1522-1590), Cornelis Bos (1506/1510-1556), Lambert Suavius (1510-v. 1567), un certain « Jacobus Pinckart », Heinrich Aldregraver (1502-1561), Melchior Lorck (1527-1583), Philips Galle (1537-1612), Hieronymus Wierix (v. 1553-1619), les frères Jan (1550-1600) et Raphael Sadeler (1560-1628). L’énumération se conclut avec les romanistes Lodewijk Toeput (actif en Italie sous le nom de Pozzoserrato jusqu’en 1603), Hendrick Goltzius (1558-1617), Melchior Meier (actif 1572-1582) et Cornelis Cort (1533-1578). À cette liste, il faut aussi ajouter le nom de Jost Amman (1539-1591), cité avec les peintres allemands vivants, mais également désigné comme graveur.

Ce document constitue sans conteste l’une des énumérations de graveurs et d’éditeurs d’estampes les plus complètes existant au XVIe siècle dans un texte théorique. Si on la compare avec la « Vie de Marcantonio Raimondi », on constate qu’elle comporte une vingtaine de noms ignorés par Vasari, tous choisis parmi les artistes nordiques. Cela s’explique certes par l’origine géographique de Kaltemarckt déjà évoquée, mais aussi par l’enrichissement considérable que connaît l’offre d’estampes en Europe du Nord dans la seconde moitié du siècle. La grande originalité de Kaltemarckt est donc de prendre acte des développements récents du marché de l’estampe, notamment de la fondation à Anvers des dynamiques maisons d’édition de Hieronymus Cock, Hieronymus Wierix et Philips Galle. Il intègre également au recensement initié par Vasari les graveurs maniéristes flamands, en particulier Hendrick Goltzius et Cornelis Cort, qui portent la modernité artistique au nord des Alpes au moment de la rédaction du mémoire. 

S’il est plus complet que ses contemporains, le panorama de l’histoire de la gravure que dresse ici Kaltemarckt présente néanmoins des limites. Il exclut notamment les origines de cet art, qu’il ne fait pas remonter en deçà des années 1490, période où le jeune Dürer (artiste le plus ancien de sa liste) réalise ses premières gravures : ne l’intéressent donc pas les premiers burins rhénans ou italiens, et encore moins les gravures sur bois des premières décennies, souvent réalisées par des artistes anonymes ou auxquels il ne prête que peu d’intérêt. D’autre part, Kaltemarckt se contente d’énumérer des noms, sans apporter aucune indication (hormis pour Ugo da Carpi et Cornelis Cort) ni commentaire esthétique ; de même, aucune œuvre n’est singularisée dans cette liste, qui fait la part belle à des individualités plus qu’à des productions. Encore une fois, dans le contexte courtisan qui est celui de la rédaction du texte, il est probable que l’auteur se soit imposé une certaine concision afin de ne pas lasser son lecteur princier, tout en laissant entendre qu’il en sait davantage sur le sujet et que, à la demande de son protecteur, il pourrait développer plus avant son propos : son but est ici seulement de suggérer sa fine connaissance des graveurs du XVIe siècle (ce qui, rappelons-le, est un des traits que tout bon garde des collections doit posséder) afin d’obtenir une charge à la cour.

C. Le rôle des gravures d’interprétation

Dans sa liste de graveurs fameux, Gabriel Kaltemarckt prend en compte aussi bien les peintres-graveurs que les interprètes d’autres artistes : dans la Kunstkammer peuvent donc se côtoyer, sans aucune frontière, les estampes d’invention et les gravures reproduisant des œuvres d’art réalisées dans d’autres media, notamment des tableaux et des statues.

C’est cette seconde catégorie d’estampes qu’évoque plus particulièrement la fin du mémoire. Les gravures sont envisagées par l’auteur comme des moyens de copier des œuvres d’art qui ne peuvent appartenir à l’Électeur, soit parce qu’elles sont beaucoup trop chères, soit parce qu’elles ont déjà un propriétaire. Avec les moulages en plâtre et les copies peintes de tableaux, les estampes peuvent donc servir d’expédients tout à fait acceptables pour remplir les collections saxonnes d’œuvres d’excellente qualité. Leur coût relativement faible à l’achat, la facilité avec laquelle elles peuvent être transportées jusqu’à Dresde et stockées dans la Kunstkammer ainsi que l’existence de structures de distribution bien organisées sont autant d’atouts favorisant l’entrée en masse des gravures dans les collections.

Lorsqu’il évoque les reproductions d’œuvres réalisées dans d’autres media, on peut imaginer que Kaltemarckt a en tête des estampes comme celles gravées par Marcantonio Raimondi d’après Raphaël, les Jugements derniers de Giorgio Ghisi et Nicolas Béatrizet d’après Michel-Ange, le Laocoon de Marco Dente ou bien encore les planches montrant des statues antiques éditées par Antoine Lafréri dans le Speculum Romanae Magnificientiae. Puisque figurent dans la liste deux contrefacteurs de Dürer, les graveurs Hieronymus Wierix et Marcantonio Raimondi, il est également possible qu’il envisage le cas des copies gravées d’après des estampes originales. Cela est même d’autant plus probable que la notion d’authenticité des estampes n’est que rarement prise en considération par les collectionneurs de la Renaissance.

Toujours est-il que l’estampe est envisagée par Kaltemarckt comme un substitut, une représentation faisant signe vers un original absent, dont elle enregistre les traits pour les transmettre au spectateur. À ce titre, elle ressort donc de l’imago contrafacta, dont un large usage est fait dans les Kunstkammern à vocation universelle, telles que celle d’Albert V de Bavière. Ici néanmoins, son champ d’application est restreint uniquement à la représentation d’œuvres d’art et il ne lui est pas demandé d’offrir un aperçu de la diversité de la nature. Chez Kaltemarckt, les gravures fonctionnent comme les instruments privilégiés d’une appropriation symbolique opérée par le collectionneur sur des œuvres d’art qui sont à la fois présentes physiquement dans la Kunstkammer (les estampes comme œuvres d’art à part entière), mais qui peuvent aussi n’y être qu’en puissance (les estampes en tant que représentations d’objets hors de la portée du prince, comme des tableaux des grands maîtres ou des statues antiques célèbres). Cette équivocité de la nature de l’estampe, telle qu’elle est pensée par l’érudit, est mise au service de l’enrichissement réel et virtuel des collections et contribue à les démultiplier jusqu’à y intégrer, par simulacres, des objets appartenant à d’autres collections pour les subordonner symboliquement à Christian Ier.

Conclusion. Un texte suivi d’effets ?

Au terme de notre analyse, la question d’une éventuelle application du programme de Gabriel Kaltemarckt se pose évidemment. Le fait est que, malgré son caractère fortement prescriptif, ce mémoire est resté pendant plusieurs décennies lettre morte. La tentative même de son auteur d’obtenir une charge de conseiller artistique ou de garde des collections à la cour de Saxe semble avoir été un échec, puisque son nom ne figure dans aucun registre du personnel princier. L’audience de son texte a, selon toute vraisemblance, également dû être fort restreinte, dans la mesure où il n’a été publié qu’au XXe siècle : sans doute n’a-t-elle pas dépassé la cour et le cercle des connaisseurs et des artistes de Dresde où, selon l’usage du temps, le manuscrit a néanmoins pu circuler. Le principal destinataire du mémoire, Christian Ier, n’en fit en tout cas que peu d’usage puisque, durant son court règne (1586-1591), la Kunstkammer ne changea pas radicalement de visage. Il semblerait même que le souverain ait eu à cœur de la conserver telle qu’il l’avait trouvée lors de son accession au trône en mémoire de son père.

Un infléchissement est tout de même à noter, et il concerne les gravures : plusieurs artistes cités par Kaltemarckt font leur entrée dans la Kunstkammer durant cette courte période. En 1588 et 1591, Christian Ier fait en effet l’achat, pour une somme inconnue, d’un œuvre complet d’Albrecht Dürer auprès d’Endres Cranach, fils du peintre Lucas Cranach le Jeune. Il ajoute ainsi à la collection électorale, déjà pourvue des traités de géométrie du peintre-graveur, soixante-quinze gravures sur cuivre et cent-trente gravures sur bois : entrent alors dans la Kunstkammer des estampes en feuilles, les grandes suites (l’Apocalypse, la Grande Passion) et des œuvres monumentales comme le Grand char triomphal et l’Arc de triomphe de Maximilien Ier. Cette acquisition marque véritablement l’entrée de la gravure sur bois artistique dans les collections. Sous Christian Ier, la collection de gravures s’enrichit également d’une suite de la Passion du Christ gravée par Adriaen Collaert (d’après des dessins de Stradanus) et éditée par Philips Galle, cadeau du Hofmarshall Christof von Loß.

Mais la véritable conversion de la Kunstkammer se fait une trentaine d’années après la mort de Christian Ier, à partir de 1624. Sous l’impulsion du garde des collections Lucas Brunn, qui connaît vraisemblablement le mémoire de Kaltemarckt, soigneusement conservé dans les archives électorales, la disposition des collections est totalement remaniée et les œuvres d’art sont alors réparties par médium. À partir de ce moment-là, les gravures sont rassemblées avec les dessins, et non plus éclatées entre différents lieux de la collection.

Table des illustrations

Fig. 1 et 2 : liste des meilleurs graveurs selon Gabriel Kaltemarckt (Sächsisches Staatsarchiv, Hauptstaatsarchiv Dresden, 10024 Geheimer Rat (Geheimes Archiv), Loc. 9835/12, Bl. 40v-42r. Original et reproduction : tous droits réservés © Sächsisches Staatsarchiv, Hauptstaatsarchiv Dresden).

Sources

Sources manuscrites :

Sächsisches Staatsarchiv, Hauptstaatsarchiv Dresden, 10009 Kunstkammer, Sammlungen und Galerien, Nr. 001 : inventaire de la Kunstkammer (1587).

Sächsisches Staatsarchiv, Hauptstaatsarchiv Dresden, 10009 Kunstkammer, Sammlungen und Galerien, Nr. 003 : inventaire de la Kunstkammer (1595).

Sächsisches Staatsarchiv, Hauptstaatsarchiv Dresden, 10024 Geheimer Rat (Geheimes Archiv), Loc. 9835/12 : KALTEMARCKT, Gabriel, Bedencken, wie eine kunst-cammer aufzurichten seyn mochte (1587).

Éditions des sources manuscrites :

DÄMMIG Matthias, « Gabriel Kaltemarckts Bedencken, wie eine kunst-cammer aufzu richten seyn mochte von 1587 mit einer Einleintung » in SYNDRAM Dirk et MINNING Martina (éds.), Die kurfürstlich-sächsische Kunstkammer in Dresden. Geschichte einer Sammlung, Dresde : Sandstein Verlag, 2012, p. 46-61.

GUTFLEISCH Barbara et MENZHAUSEN Joachim, « How a Kunstkammer Should Be Formed: Gabriel Kaltemarckt’s Advice to Christian I of Saxony on the Formation of an Art Collection, 1587 », Journal of the History of Collections, 1, 1, 1989, p. 3-32.

KALTEMARCKT Gabriel, Paradiswasser, Das ist Beschreibung der vier Wasser, Pison, Gihon, Hidekel und Phrath […], Leipzig : Henning Grossen, 1605.

SYNDRAM Dirk, MINNING Martina et VÖTSCH Jochen, Die Inventare der kurfürstlich-sächsischen Kunstkammer in Dresden, vol. I, Das Inventar von 1587, Dresde : Sandstein Verlag/Staatliche Kunstsammlungen Dresden, 2010. 

Sources imprimées :

CHASTEL André (dir.), Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, vol. VII, Paris, Berger-Levrault, 1984.

QUICCHEBERG Samuel, Inscriptiones vel Tituli Theatri Amplissimi, Munich : Adam Berg, 1565.

VASARI Giorgio, Le Vite de’ più eccellenti architetti, pittori et scultori italiani, V, 2e éd., Florence : Filippo et Jacopo Giunti, 1568.

Bibliographie

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BUBENIK Andrea, Reframing Albrecht Dürer. The Appropriation of Art, 1528-1700, Farnham ; Burlington : Ashgate, 2013.

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MELZER Christien, « Zur Theorie der Druckgraphik in Gabriel Kaltemarckts Bedencken, wie eine Kunst Cammer aufzurichten sein möchte (1587) » in CASTOR Markus (dir.), Druckgraphik zwischen Reproduktion und Invention, Berlin et Munich : Deutscher Kunstverlag, 2010, p. 223-240.

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PILASKI KALIARDOS Katharina, The Munich Kunstkammer. Art, Nature, and the Representation of Knowledge in Courtly Contexts, Tubingen : Mohr Siebeck, 2013.

SYNDRAM, 2012A

SYNDRAM Dirk, « Die Anfänge der Dresdner Kunstkammer » in SYNDRAM Dirk et MINNING Martina (éds.), Die kurfürstlich-sächsische Kunstkammer in Dresden. Geschichte einer Sammlung, Dresde : Sandstein Verlag, 2012, p. 15-45.

SYNDRAM, 2012B

SYNDRAM Dirk et MINNING Martina (éds.), Die kurfürstlich-sächsische Kunstkammer in Dresden. Geschichte einer Sammlung, Dresde : Sandstein Verlag, 2012.

Catalogue d’exposition :

Princely Splendor: The Dresden Court, 1580-1620, Hambourg, Museum für Kunst und Gewerbe, 10 juin – 26 septembre 2004 ; New York, The Metropolitan Museum of Art, 26 octobre 2004 – 30 janvier 2005 ; Rome, Fondazione Memmo – Palazzo Ruspoli, 1er mars – 29 avril 2005(Dirk SYNDRAM et Antje SCHERNER, Milan : Electa, 2004).

Japonisme et collectionneurs : Réseaux d’amateurs dans le Paris de la seconde moitié du XIXe siècle

Angélique Saadoun 

 

 

Communication présentée le 16 janvier 2020

Article publié le 5 avril 2020

Résumé :

Cette communication se proposera d’aborder le japonisme sous un angle habituellement peu privilégié : celui des collectionneurs. Il s’agira de rappeler que le mouvement du japonisme dans la seconde moitié du XIXe siècle a avant tout été initié par des amateurs : qu’il s’agisse d’artistes, hommes de lettres, marchands, politiciens ou banquiers, tous ont été unis par une passion commune pour l’art japonais. Ce goût partagé et cette affinité artistique les ont amenés à se côtoyer et à échanger au cours de réunions formelles ou informelles. De la société du Jing-Lar à la fin des années 1860 à la fondation de la Société franco-japonaise de Paris à l’occasion de l’Exposition universelle de 1900, nous aborderons les réseaux de collectionneurs qui se constituèrent au cours de ce demi-siècle et la manière dont ils illustrent les différentes phases du japonisme.

S’étendant sur environ un demi-siècle, le mouvement du japonisme voit se succéder plusieurs générations d’amateurs. Si la plupart des collectionneurs d’art japonais ont prétendu être les initiateurs de cette mode, au milieu des années 1860, seule une poignée d’intellectuels se sont intéressés à la culture et à l’artisanat du Japon. Ces pionniers sont les frères Goncourt, le critique Philippe Burty, Emile Guimet, Henri Cernuschi, le peintre Félix Régamey, l’écrivain et critique Théodore Duret, ou encore l’historien de l’art Louis Gonse. Suivent les amateurs de la fin des années 1880 tels le joaillier Henri Vever, l’historien d’art Gaston Migeon, les collectionneurs Raymond Koechlin et Georges Marteau, génération plus savante que la précédente car ayant bénéficié des études publiées sur l’art japonais. Enfin, une troisième et dernière génération émerge au tournant du XXe siècle, avec le couturier Jacques Doucet, les graveurs japonisants Henri Rivière, Prosper-Alphonse Isaac, George Auriol, Jules Chadel, les représentants de l’Art nouveau Charles Haviland, Louis Majorelle, René Lalique, Lucien Gaillard, Hector Guimard.
 
Dans ses « Chroniques », Saint-Juirs donne sa propre version de la découverte de l‘estampe japonaise par les amateurs parisiens – une version parmi d’autres : « Théophile Gautier a, le premier, découvert le Japon et l’Extrême-Orient, auquel il n’a pas voulu donner son nom. Le premier, il a appelé notre attention sur les trésors d’art du pays du Levant. Mais il a eu raison trop tôt. […] Quelques années après, notre ami Bracquemond entra par hasard chez un emballeur de la place du Château d’Eau. […] pour protéger ses marchandises contre les heurts du voyage, il les séparait au moyen d’albums populaires japonais qui avaient déjà calé je ne sais quels produits importés de Yokohama. Bracquemond, avec son goût d’artiste si sûr, si éprouvé, tombe en arrêt devant ces images. […] Ces feuilles qui servaient de bourre n’étaient autre que des pages détachées des albums d’Oksaï, ou pour être plus correct, – de Fokusaï [sic : Hokusai]. C’était tout simplement un trésor d’art que Bracquemond venait de découvrir, un trésor fécond, qu’il allait étudier et fouiller. […] La découverte de l’artiste fit un bruit énorme dans quatre ou cinq ateliers, chez notre pauvre Jacquemart, chez Astruc ; puis les lettrés s’en emparèrent. Les frères de Goncourt, après avoir épuisé le XVIIIe siècle, se mirent au Japon, et Philippe Burty aussi. Bientôt après ce fut le tour des amateurs : MM. Le Libon, Cernuschi, Guimet ; puis enfin des grands marchands : MM. Sichel, et Bing, qui achevèrent le déménagement du Japon. »
 
En définitive, il serait stérile d’initier un débat sur la primauté de la découverte de l’art japonais, puisqu’à partir de la signature des traités commerciaux entre l’archipel et les pays occidentaux au cours des années 1850 et l’arrivée d’articles japonais sur le marché, nombreux ont été les amateurs à s’y intéresser simultanément. D’autre part, bien qu’animés par une certaine rivalité, la plupart des collectionneurs se connaissaient voire entretenaient de véritables liens d’amitié, se retrouvant régulièrement au cours de réunions et de dîners.

La société du Jing-Lar

L’une des premières sociétés informelles de japonisants apparut en 1868, l’année suivant la première participation du Japon à l’Exposition universelle de Paris. Il s’agit de la « Société du Jing-Lar » fondée par l’historien d’art Léonce Bénédite, les critiques Zacharie Astruc et Philippe Burty, le graveur Jules Jacquemart, les peintres Henri Fantin-Latour, Carolus-Duran et Alphonse Hirsch, les peintres et céramistes Félix Bracquemond et Marc-Louis Solon. Ce groupe d’amis républicains et amateurs d’art extrême-oriental se réunissait chez Solon (alors directeur de la manufacture de Sèvres) un dimanche par mois, entre août 1868 et mars 1869, au cours de dîners conviviaux. 

Dans l’article « Le Japon à Paris », Ernest Chesneau relate la naissance de cette société : « En 1867, l’Exposition universelle acheva de mettre le Japon à la mode. Peu de temps après, un petit groupe d’artistes et de critiques fondait à Sèvres le dîner mensuel de la Société japonaise du Jinglar. L’on n’y mangeait pas avec des bâtonnets et l’on y buvait d’autre boisson que le saki national comme en témoigne le titre même de la société, le Jinglar étant le nom familier donné à un petit vin de pays que Zacharie Astruc célébra en un sonnet accompagné de charmantes illustrations à l’aquarelle : “Salut, vin des mystérieux !” Chacun des membres reçut un spirituel brevet gravé à l’eau-forte et enluminé par M. Solon. »

Les dîners de japonisants 


  A partir de 1892, le marchand d’art Siegfried Bing lança à son tour ses « Dîners de japonisants », organisés environ une fois par mois au restaurant le Grand Véfour, au Café Riche ou chez Marc-Louis Solon (comme auparavant pour la Société du Jing-Lar). Louis Godefroy raconte que l’initiative de ces dîners serait née à la suite de l’Exposition de l’Estampe japonaise à l’Ecole des Beaux-Arts en 1890 : « Cette exposition avait été organisée par S. Bing, et pour témoigner sa reconnaissance aux amateurs qui y avaient participé ou qui s’en étaient personnellement occupés, il les réunit en un dîner intime au restaurant Larue. Il y avait là notamment : George Auriol, Georges Clemenceau […], Isaac, Raymond Koechlin, Gaston Migeon, Marcel Morot, Henri Rivière et Henri Vever. » Cette liste de noms nous montre que les participants étaient pour la plupart des personnalités renommées, politiciens, hommes d’affaires, journalistes ou artistes confirmés. Louis Godefroy poursuit : « L’intérêt de ce dîner, où tant d’enthousiastes compétences se trouvaient réunies en dehors de tout protocole et avec le seul souci de mettre en commun le fruit de leurs recherches individuelles, fut si grand qu’on décida de le renouveler régulièrement à la manière du fameux Dîner Magny. Les réunions de ce petit cénacle se transportèrent alors au Palais-Royal, où le noyau de ces premiers japonisants s’augmenta rapidement d’écrivains ou d’artistes […] ».


Raymond Koechlin laisse également un témoignage de ces dîners dans Souvenirs d’un vieil amateur d’art de l’Extrême-Orient, soulignant leur caractère informel pour ne pas dire amical : « Bing s’entendait à merveille à entretenir cet état de grâce. C’est lui qui avait eu l’idée de ces « dîners japonais » qui réunissaient chaque mois les amateurs au cabaret ; on n’y parlait qu’estampe et l’habitude était prise que chacun en apportât quelques unes pour les soumettre à l’admiration de ses collègues ; […] A tous, ces réunions ont laissé des souvenirs inoubliables ; portefeuille après portefeuille, nous regardions, nous extasiant, poussant des cris d’enthousiasme, et quand après minuit il fallait partir, l’entretien se prolongeait dans les rues où nous déambulions. […] C’est en dehors de ces séances que se traitaient les affaires ; on y était entre amateurs et jamais la question d’argent n’y intervint. »

Le marchand d’art Hayashi Tadamasa lui-même, pourtant souvent présenté comme le rival de Siegfried Bing, était un habitué de ces dîners : « Hayashi […] ne le cachait pas, à ces dîners qui réunissaient tous les mois les Amis de l’Art japonais et où on causait librement de sujets également chers à tous les convives ; il y parlait volontiers estampes, et, se souvenant qu’il avait été imprimeur, donnait souvent de ces renseignements techniques précis dont chacun appréciait l’utilité ; une fois même, en sortant d’un de ces dîners, il ramena tous les convives chez lui, et, entre deux tasses de saké, leur fit les honneurs de ces extraordinaires séries de primitifs, qu’il avait acquises de Wakaï […] »

Ainsi, si les négociations se déroulaient en dehors de ces dîners, ceux-ci n’étaient pour autant pas dépourvus d’enjeux commerciaux et financiers, puisqu’ils permettaient aux deux principaux marchands d’art japonais de l’époque, Bing et Hayashi, d’y faire la promotion de leur collection et donc d’attirer à eux une clientèle déjà conquise. 

La Société des Amis de l’art japonais

Fig. 2. Carton d’invitation des Amis de l’art japonais, gravure sur bois en couleurs, Paris, BnF

Les dîners de japonisants donnèrent bientôt lieu à la création de la « Société des Amis de l’art japonais », fondée par Bing dès 1892 et qu’il dirigea durant treize ans jusqu’à son décès en 1905. En 1906, il fut remplacé par Henri Vever, joaillier et grand collectionneur. Les membres des Amis de l’art japonais continuèrent de se rassembler jusque dans les années 1930 – avec une interruption durant la Première Guerre Mondiale. Se maintenant sur plusieurs décennies, cette Société est particulièrement intéressante, puisqu’elle illustre plusieurs phases du japonisme, allant de son apogée à sa disparition.
 
Avec la Société des Amis de l’art japonais, Bing désirait faciliter les rencontres et échanges entre ses camarades, habitués de ses galeries-boutiques et pour certains collaborateurs de sa revue « Le Japon artistique ». Si tous avaient déjà eu de nombreuses occasions de se réunir de manière informelle au cours de dîners, ce n’est qu’à partir de la fondation de la Société que leurs rassemblements devinrent réguliers. Bing incarnait ainsi une figure de fédérateur, faisant le lien entre les différents artistes et collectionneurs. Ces réceptions conviviales, où l’on ne parlait jamais affaires, étaient avant tout l’occasion de partager ses savoirs et dernières acquisitions d’œuvres d’art japonais.

 

Fig. 3. George Auriol, Carton d’invitation des Amis de l’art japonais :
dîner le lundi 22 avril 1912, gravure sur bois en couleurs, Paris, BnF

La première phase de la Société (1892-1905) est matériellement moins documentée : elle ne donna lieu qu’à un seul carton d’invitation daté de 1905, et les archives Bing ont presque intégralement disparu. Correspondant à l’acmé du japonisme, elle est en revanche riche en témoignages divers, les amateurs de l’époque évoquant avec enthousiasme les dîners organisés par Bing. Mentionnons par exemple le Journal des Goncourt, la correspondance de Hayashi Tadamasa, les Souvenirs de Raymond Koechlin ou encore les mémoires de Henri Rivière. Si jusque 1905 il est impossible de fixer la fréquence et la localisation des dîners, faute de cartons d’invitations, certaines sources évoquent néanmoins le nom de cafés cossus du IIe arrondissement, tels le Grand Véfour, le Café Riche, ou le restaurant Cardinal.

Fig. 4. Jules Chadel, Carton d’invitation des Amis de l’art japonais : dîner le 18 novembre 1912, gravure sur bois en couleurs, Paris, BnF

La deuxième période d’activité de la Société (1906-1930), à l’inverse, est immortalisée par de nombreux cartons d’invitation, illustrés d’estampes « à la manière japonaise » réalisées par treize artistes contemporains, en majorité par les graveurs membres de la Société, comme George Auriol (fig. 3), Prosper-Alphonse Isaac ou encore Jules Chadel (fig. 4). S’élevant à soixante-dix au total, ces estampes représentent une source précieuse d’information, étant pour la plupart signées et faisant mention des personnes ayant pris part au dîner. Paradoxalement, cette seconde phase est presque totalement tombée dans l’oubli, au moment où la vogue du japonisme connaissait ses derniers feux, et que nombre d’amateurs de la première heure avaient disparu.

A l’instigation de certains membres de la Société, tels Raymond Koechlin, Louis et Bernard Memann (tous trois membres de l’Union centrale des arts décoratifs), une quarantaine de cartons d’invitation des Amis de l’art japonais furent confiés à Jules Maciet pour l’iconothèque qu’il constituait aux Arts décoratifs. En 2006, une trentaine de cartons fut acquise par l’Institut National d’Histoire de l’Art lors de la vente d’une collection privée qui se tint à Bayeux. A ces deux fonds principaux – qui se complètent presque parfaitement – s’ajoutent des cartons conservés à la Bibliothèque nationale de France et dans des collections privées.

La Société franco-japonaise de Paris

Fig. 5. Prosper-Alphonse Isaac, Société franco-japonaise de Paris, gravure sur bois en couleurs, Paris, BnF

Au tournant du siècle, des sociétés plus institutionnelles se mettent en place. La plus célèbre d’entre elles est la « Société franco-japonaise de Paris », fondée le 16 septembre 1900 au moment de l’Exposition universelle, au cours d’une réunion des Amis de l’art japonais – dont elle est en quelque sorte une émanation. Cette société, qui compta jusqu’à un millier de membres sur plus de trois décennies, dont un quart de Japonais, réunissait des artistes, des collectionneurs, des universitaires, des hommes d’affaires, des diplomates ou encore des militaires. Sa présidence fut initialement assurée par l’ingénieur Louis-Émile Bertin, la vice-présidence par Émile Guimet, Siegfried Bing, Raymond Koechlin et le collectionneur Édouard Mène, le secrétariat général par Félix Régamey.
 

De 1902 à 1932, les 74 numéros du « Bulletin de la Société franco-japonaise de Paris » permirent d’éditer les conférences et de relayer les informations sur la vie de la Société. Ce bulletin comportait également des articles sur les arts plastiques, la littérature, la religion, la politique et l’économie, des comptes-rendus d’expositions ainsi qu‘une rubrique bibliographie listant les ouvrages récemment édités traitant du Japon. Dans le premier Bulletin, les « Statuts » définissent les objectifs de la Société, à savoir l’encouragement des échanges et du rapprochement entre Français et Japonais sur le plan linguistique mais aussi dans d’autres domaines variés (culture, arts, tourisme, commerce, diplomatie).
« La Société a pour but :
(a) De procurer à ceux de ses membres ayant appris ou apprenant le français, l’occasion de se réunir périodiquement pour s’entretenir ou se perfectionner dans la connaissance de cette langue, et de leur fournir des facilités pour leurs travaux de traductions ou autres ;
(b) De favoriser le développement des relations sociales entre les Français et les Japonais, et d’offrir aux résidents ou voyageurs Français au Japon l’assistance dont ils auraient besoin pour leurs recherches, leurs études ou leurs affaires ;
(c) D’assurer, dans la mesure du possible, aux Japonais voyageant en France des avantages analogues. »)

A noter qu’au même moment, des sociétés similaires naquirent au Japon, répondant aux enjeux d’ouverture et de modernisation du pays consécutifs à la Restauration de Meiji : la « Société franco-japonaise de Tokyo » fondée en 1886, la « Société franco-japonaise de Kobe » en 1900, mais aussi la « Japan-British Society » en 1908, la « Japanisch-Deutsche Verein » en 1911 ou encore l’« America-Japan Society » en 1917.

Conclusion

Cet inventaire des différentes sociétés de japonisants nées à Paris au cours de la seconde moitié du XIXe siècle met donc en évidence les liens tissés entre tous ces amateurs et collectionneurs, le milieu des japonisants constituant un microcosme au sein duquel presque tous se connaissaient et se fréquentaient. Des premières réunions informelles qui se tinrent entre la fin des années 1860 et le début des années 1890 découlent les associations plus officielles nées au tournant du XXe siècle, telles Les Amis de l’art japonais et la Société franco-japonaise de Paris. Elles annoncent par ailleurs l’apparition, au cours des années 1920, des sociétés de « japonologues », au premier rang desquelles la Maison franco-japonaise. Prônant une approche scientifique de la culture nippone – par l’étude de la langue et des textes, mais aussi par une présence sur le terrain et des échanges avec les spécialistes japonais – les japonologues de l’après-guerre se détachent ainsi du rapport essentiellement esthétique entretenu par les japonisants du siècle précédent.  

Bibliographie : 

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Catalogues d’exposition

AMSTERDAM, 2004

WEISBERG, BECKER, POSSEME, Les origines de l’art nouveau : la maison Bing (Catalogue d’exposition, Amsterdam, Musée Van Gogh, 26 novembre 2004 – 27 février 2005 ; Munich, Museum Villa Stück, 17 mars – 31 juillet 2005 ; Barcelone, CaxiaForum, septembre 2005 – janvier 2006 ; Paris, Musée des arts décoratifs, mars – juillet 2006), Stuttgart, Belser, 2004. 

LE VÉSINET, 1924

Collection de Louis Godefroy. Estampes et dessins. Catalogue, Le Vésinet, imprimerie Ch. Brande, 1924.

PARIS, 1988

Le japonisme (Catalogue d’exposition, Paris, Galeries nationales du Grand Palais 17 mai-15 août 1988, Tokyo, Musée d’art occidental, 25 septembre-11 décembre 1988), Paris, Réunion des musées nationaux, 1988.

PARIS, 2009

BOUQUILLARD Jocelyn, « Henri Rivière, un graveur à l’âme japonisante », Henri Rivière : entre impressionnisme et japonisme (catalogue d’exposition, Paris, Bibliothèque nationale de France, site Richelieu, 7 avril – 5 juillet 2009), Paris, Bibliothèque nationale de France, 2009.

Table des illustrations :

Figure 1 (bandeau d’illustration) : Carton d’invitation des Amis de l’art japonais, gravure sur bois en couleurs, Paris, BnF

Figure 2 : Carton d’invitation des Amis de l’art japonais, gravure sur bois en couleurs, Paris, BnF

Figure 3 : George Auriol, Carton d’invitation des Amis de l’art japonais : 

dîner le lundi 22 avril 1912, gravure sur bois en couleurs, Paris, BnF

Figure 4 : Jules Chadel, Carton d’invitation des Amis de l’art japonais : 

dîner le 18 novembre 1912, gravure sur bois en couleurs, Paris, BnF

Figure 5 : Prosper-Alphonse Isaac, Société franco-japonaise de Paris, 

gravure sur bois en couleurs, Paris, BnF

Admission en doctorat et HDR.

Le calendrier et la procédure sont modifiés le 17 mars 2020 en raison de l’épidémie actuelle. 

1/ Admission en doctorat (session de printemps 2020)

  • date limite de dépôt des dossiers : le jeudi 23 avril 2020 (date modifiée)
  • procédure de dépôt des dossiers 

Les candidats doivent

  •  envoyer leur dossier complet par mail à la responsable administrative de leur école doctorale ET à la gestionnaire du service des études doctorales.

Pour l’ED 124 “Histoire de l’art et archéologie” (ED VI), merci d’envoyer le dossier à Maris Planchot, responsable administrative de l’ED : marie.planchot@sorbonne-universite.fr ET au gestionnaire du service des études doctorales en charge de cette ED (pour l’ED 124 “Histoire de l’art et archéologie” (ED VI) : lettres-doctorat@sorbonne-universite.fr  en précisant bien l’objet du message.

  • demander un accusé de réception.

2/ Inscription à l’HDR pour l’ED 124 (ED VI) « Histoire de l’art et archéologie » de la Faculté des Lettres de Sorbonne Université  

– date limite de dépôt des dossiers : le jeudi 23 avril (date modifiée) avec proposition de fixer les rendez-vous de dépôt à partir du 20 avril, pas avant.

Les candidats à l’HDR de l’ED 124 (ED VI) « Histoire de l’art et archéologie » peuvent contacter directement odile.cortinovis@sorbonne-universite.fr en précisant bien l’objet du message.

Veuillez noter que les soutenances ne pourront dans ce cas avoir lieu avant la première semaine de juillet.

Campagne 2020 d’attribution de contrats Doctoraux des Instituts et Initiatives de Sorbonne Université (Actualisé le 18 mars)

En raison de la pandémie actuelle le calendrier de l’appel à projets 2020 « Instituts & Initiatives » a été modifié : la date limite d’envoi des projets a été reportée au 17 avril. 

 

Présentation et objectifs

L’Alliance Sorbonne Université promeut la recherche interdisciplinaire et la structuration de la formation par la recherche avec les instituts Sorbonne Université, auxquels s’ajoutent des initiatives structurantes. Instituts et Initiatives unissent les communautés de chercheurs et d’enseignants-chercheurs de l’Alliance autour d’un enjeu commun.

Les instituts répondent aux enjeux sociétaux et ont vocation à faire travailler ensemble plusieurs disciplines permettant ainsi de donner aux chercheurs d’horizons différents l’opportunité de confronter leurs savoirs et leurs expériences. Les initiatives explorent les opportunités de collaboration transdisciplinaire dans d’autres domaines.

Les Instituts et initiatives proposés par le comité des membres de l’Alliance bénéficieront en 2020 de contrats doctoraux financés par l’Initiative d’excellence. Le présent appel à projets décrit le cadre et le processus d’attribution de ces contrats doctoraux pour les  Instituts et Initiatives suivantes * : Collegium Musicae ; Institut des sciences du calcul et des données (ISCD) ; Institut universitaire d’ingénierie en santé (IUIS) ; Institut de la transition environnementale (SU-ITE) ; Observatoire des Patrimoines de SU (OPUS) ; Instituts des Matériaux ; Institut de la Mer ; Initiative Centre d’information quantique ; Initiative Biodiversité, Evolution, Ecologie, Société (IBEES) ; Initiative Créations artistiques ; Initiative Economie de la Santé ; Initiative Genre ; Initiative Interculturalités et Europe ; Initiative Sciences de l’antiquité ; Initiative Physique des infinis ; Initiative Sciences et ingénierie moléculaires ; Initiatives Humanités bio-médicales ; Initiative Maîtrise des systèmes technologiques durables ; Initiatives Sciences du vivant et ses interfaces

* L’institut SCAI, ayant établi un programme doctoral en 2019, il fait l’objet d’un appel d’offre distinct. 

Une brève présentation des  périmètres scientifiques de ces Instituts et Initiatives est présentée en fin de document.

La campagne se déroule en plusieurs phases:

1-            un appel à projets de recherche doctoraux (PRD) ouvert aux chercheurs et enseignants-chercheurs des membres de l’Alliance Sorbonne Université.

2-            Une pré-sélection de projets de recherche doctoraux par l’Institut/l’initiative

3-            Candidature des étudiants sur les projets de recherche doctoraux pré-sélectionnés

4-            Sélection des candidats (audition) qui bénéficieront des contrats doctoraux

Conditions d’éligibilité

Cet appel à projets est ouvert à tous les laboratoires des membres de l’Alliance Sorbonne Université. Le projet de recherche doctoral (PRD) doit être porté par une directrice ou un directeur de thèse affilié(e) à l’une des Écoles Doctorales de l’Alliance Sorbonne Université et rattaché(e) à une unité de recherche ayant pour tutelle un établissement de l’Alliance. Les doctorantes et doctorants recrutés seront rattachés à l’Ecole Doctorale de leur directeur ou directrice de thèse, qui les gère comme tous ses doctorants et doctorantes (inscriptions, plan individuel de formation, soutenance, etc.). Afin de favoriser au mieux la synergie entre disciplines, les co-encadrements sont vivement encouragés, voire obligatoires pour certains Instituts ou Initiatives.

Modalités de soumission des projets de recherche doctoraux

Les formulaires de candidatures de projet de recherche doctoral (PRD) (cf. Formulaire ci-joint)  doivent être transmis par le porteur de projet à son école doctorale de rattachement ainsi qu’à l’adresse suivante :  cd_instituts_et_initiatives@listes.upmc.fr

Pré-Sélection des projets de recherche doctoraux (PRD)

Un comité de chercheurs et d’enseignants-chercheurs constitué et présidé  par le directeur d’Institut ou le porteur d’Initiative pré-sélectionne des projets de recherche doctoraux en prenant en compte la qualité scientifique du projet et son adéquation avec la thématique du programme. Le nombre de projets pré-sélectionnés sera au minimum le double du nombre de contrats doctoraux disponibles.

Seuls les projets validés par l’école doctorale de rattachement du porteur de projet seront examinés par le comité. Le rôle de l’école doctorale est de vérifier la qualité de l’encadrement et de l’environnement du projet doctoral.

Les projets pré-sélectionnés seront diffusés largement (site web du collège doctoral de Sorbonne Université, des Ecoles doctorales, Instituts, établissements….)

Attribution des contrats doctoraux

Les candidats étudiants prendont contact avec les porteurs des projets pré-sélectionnés par le comité. Chaque porteur de projet sélectionnera un ou une candidate qui présentera sa candidature pour l’obtention d’un contrat doctoral. L’attribution des contrats doctoraux se fera sur audition des candidats par un jury dont les membres seront choisis pour leur expertise scientifique en fonction des projets retenus. Des représentants des écoles doctorales concernées seront invités à y participer. L’évaluation prendra notamment en compte la qualité du parcours académique du candidat et l’adéquation projet-candidat.

Calendrier prévisionnel

  • Date limite de l’envoi des propositions de projets doctoraux : 17 avril
  • Annonce des résultats de la phase de présélection des projets : 5 mai puis mise en ligne des sujets présélectionnés sur le site du collège doctoral.
  • Sélection des étudiants par les futurs encadrant(e)s de thèse : jusqu’à début juin
  • Date limite d’envoi des dossiers candidats : 15 juin
  • Audition des candidats : mi-juin à fin juin
  • Annonce des résultats de la phase de sélection : début juillet

Contrats doctoraux annuels de l’ED 124 (actualisé)

Les informations générales sur les contrats doctoraux sont affichées en cours d’année sur le site internet de la Faculté des Lettres de Sorbonne-Université, rubrique Recherche puis Doctorat et Financer sa thèse.

Procédure de dépôt pour l’ED 124 (ED VI) « Histoire de l’art et archéologie »  (procédure et calendrier modifiés en raison de l’épidémie actuelle):

Le dépôt des deux exemplaires du dossier doit être effectué au plus tard le mardi 21 avril 2020.

Les candidats doivent demander un accusé de réception.

COMPOSITION DU DOSSIER

Tout candidat désireux de postuler à un contrat doctoral doit constituer un dossier en DEUX EXEMPLAIRES, comme suit :

  1. Une lettre de candidature/motivation adressée au directeur de l’école doctorale
  2. Un curriculum vitae (1 page)
  3. Un projet de thèse (4 pages)
  4. L’avis détaillé du directeur de recherche (de préférence non manuscrit)

Il est préférable que les candidats à un contrat doctoral aient soutenu leur Master Recherche le plus tôt possible dans l’année civile.

Attention :
Parallèlement à votre candidature, vous pourrez retirer un dossier d’admission en thèse ou en cotutelle de thèse dont il faudra anticiper la constitution (les bénéficiaires d’un contrat doctoral devront remettre ce dossier à l’ED très rapidement après la proclamation des résultats des contrats doctoraux).

Précisions concernant les candidats agrégés ou certifiés :

  • les fonctionnaires titulaires candidats à un contrat doctoral devront obtenir une disponibilité de leur Rectorat (et non un détachement)
  • les fonctionnaires non titulaires demanderont un congé sans traitement (et non un détachement ni une disponibilité)

MODALITES SPECIFIQUES

Les modalités spécifiques (date limite des soutenances de Master 2, dates des jurys, etc.) pour l’Ecole Doctorale 124 « Histoire de l’art et archéologie » (ED VI) sont mentionnées ci-dessous.

  • Date limite de soutenance du Master 2 pour les candidats de l’ED 0124 (ED VI) Histoire de l’art et Archéologie : lundi 25 mai 2020.
  • Date limite de transmission des PV de soutenance pour les candidats de l’ED 0124 (ED VI) Histoire de l’art et Archéologie : mardi 26 mai 2020 à midi (PV à transmettre au bureau de l’ED).

Le jury de l’ED 0124 (ED VI) se réunira le mercredi 27 mai 2020 à 14h pour la présélection des dossiers et le jeudi 28 mai 2020 pour les auditions (journée entière).

Appel à projets doctoraux de Sorbonne Université « Programme doctoral SCAI – Sorbonne Center for Artificial Intelligence »

Les contrats doctoraux du programme doctoral SCAI – Sorbonne Center for Artificial Intelligence soutiendront des projets de recherche relevant du domaine de l’intelligence artificielle au sens large, notamment dans les champs des mathématiques, de l’informatique, de la robotique, de la médecine/santé, du climat, de l’environnement, de l’Univers et des humanités numériques (problèmes d’éthique et d’humanités numériques, applications à la création artistique, etc.)

Si le projet doctoral est accepté, la sélection du doctorant ou de la doctorante sera effectuée dans un second temps, après la publication d’un appel à candidatures et l’audition des candidats.

Conditions d’éligibilité

Le projet de recherche doctoral (PRD) doit être porté par une directrice ou un directeur de thèse affilié(e) à l’une des Écoles Doctorales de l’Alliance Sorbonne Université et rattaché(e) à une unité de recherche ayant pour tutelle un établissement de l’Alliance. Les projets devront être validés par l’école doctorale de rattachement du porteur de projet.

Modalités de soumission

Les formulaires de candidatures doivent être transmis par le porteur de projet à son école doctorale de rattachement ainsi qu’à l’adresse suivante avant le 22 mars : progdoc-scai@listes.upmc.fr 

Sélection des projets et audition des candidats

Seuls les projets validés par les écoles doctorales seront examinés.

Une pré-sélection des projets de recherche doctoraux sera faite par un jury composé de représentants des établissements de l’Alliance Sorbonne Université. Le jury prendra en compte la qualité scientifique du projet et son adéquation avec la thématique du programme. Les projets pré-sélectionnés seront largement diffusés par les écoles doctorales et les établissements.

L’attribution des contrats doctoraux se fera ensuite sur audition des candidats. L’adéquation projet-candidat sera évaluée par un jury dont les membres seront choisis pour leur expertise scientifique en fonction des projets retenus et des écoles doctorales concernées.

Calendrier de l’appel

  • Février 2020 : Ouverture de l’appel
  • 22 mars 2020 : Date limite de l’envoi des propositions de projets doctoraux aux écoles doctorales et à l’adresse progdoc-scai@listes.upmc.fr
  • 17 avril 2020 : Annonce des résultats de la phase de présélection des dossiers
  • 20 avril – 15 mai 2020 : Mise en ligne des sujets présélectionnés sur les sites des écoles doctorales et sur le site de SCAI. Sélection des étudiants par les futurs encadrant(e)s de thèse.
  • Fin mai 2020 : Audition des candidats
  • Début juin 2020 : Annonce des résultats de la phase de sélection

NB : ce calendrier est susceptible d’être modifié.

 

Contrats doctoraux flèches vers les EFE – Campagne 2020

Dans le cadre du soutien apporté aux actions de coopération internationale, le ministère de l’enseignement supérieur, de la recherche et de l’innovation (MESRI) flèche chaque année cinq contrats doctoraux en partenariat entre une École Doctorale et l’une des cinq Écoles françaises à l’étranger (EFE).

Vous pouvez consulter l’appel sur le site du réseau des EFE – http://resefe.fr/node/688 – et les détails et procédures de dépôt sur les sites respectifs des EFE :

  • Écoles française d’Athènes : efa.gr
  • École française de Rome : efrome.it
  • Institut français d’archéologie orientale : ifao.egnet.net
  • École française d’Extrême-Orient : efeo.fr
  • Casa de Velázquez (École des hautes études hispaniques et ibériques) : casadevelazquez.org

Les documents de candidature pourront être envoyés jusqu’au 30 avril 2020, 15h (heure de Paris), selon les modalités propres à chaque EFE.

Les dossiers de candidatures devront parvenir directement à celle des EFE concernée, sous forme d’un document au format pdf comprenant :

  • un projet de thèse de cinq pages au maximum ;
  • le CV du candidat pressenti pour entreprendre cette recherche ;
  • une lettre de présentation du ou des directeur(s) de thèse pressenti(s) ;
  • l’avis du directeur de l’ED.

Précision pour les candidats de l’ED 124 Histoire de l’art et archéologie : pour obtenir l’avis du Directeur de l’ED 124, avant la date limite fixée par le réseau des EFE, les candidats doivent envoyer leur dossier par courriel à M. Jean-Yves Monchambert au plus tard le jeudi 23 avril 2020. Contact du directeur de l’ED : jean-yves.monchambert@sorbonne-universite.fr  

Sont éligibles, les étudiants en Master 2 ou titulaires d’un Master 2 (ou équivalent) qui ne sont pas encore inscrits en thèse.  

Cette allocation vient s’ajouter au contingent dont dispose chaque École Doctorale : elle constitue donc à la fois un renforcement de l’aide aux jeunes chercheurs, un soutien à la recherche française à l’étranger et un renforcement des partenariats entre les universités françaises et les EFE. Par ailleurs, l’obtention de l’allocation n’implique pas nécessairement une résidence dans le pays hôte de l’EFE.

Sculpter grec / sculpter romain La question de l’identité dans la statuaire honorifique de Grèce à l’époque impériale

Par Guillaume Crocquevieille

Communication présentée le 19 janvier 2017

Article publié le 24 mai 2019

Résumé

L’art du portrait est emblématique de la sculpture grecque comme de la sculpture romaine. En ce qu’il est la mise en image d’une personne sociale et en ce qu’il est le produit d’un geste artistique, le portrait met en jeu deux identités : celle du portraituré et celle du praticien.  En suivant cette distinction, il s’agit d’analyser les différentes acceptions de l’identité dans la statuaire honorifique de Grèce à l’époque impériale et les difficultés inhérentes à leur interprétation.

Introduction[1]

Le 4 décembre 1876 est inauguré avec force enthousiasme le Musée des Études de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Le fleuron de cette inauguration est la présentation dans la cour centrale du Palais des Études de près de 200 moulages d’après l’antique, organisés autour des restitutions en plâtre de deux grands ordres architecturaux : le Parthénon dans la partie nord, le temple de Castor et Pollux du Forum Romain au sud. Cette présentation est, dans sa monumentalité altière, la mise en exergue de deux paradigmes esthétiques qui ont cours dans l’enseignement des beaux-arts d’alors : le modèle grec, le modèle romain. Or cette distinction entre deux esthétiques reste prégnante pour une large part dans l’historiographie du portrait antique. C’est ainsi qu’on oppose volontiers ces arts du portrait selon certains critères antithétiques. Le portrait grec se caractériserait par son idéalisme, le portrait romain par son réalisme ; le portrait grec viserait à percer la psychologie de toute une vie, le portrait romain ne s’attacherait qu’au moment présent. En somme, le portrait grec serait analytique tandis que le portrait romain serait documentaire[2]. Or l’époque impériale en Grèce est précisément le point de rencontre de ces deux cultures et celui de leur confrontation, notamment sur le plan artistique. La question de la survie des traditions culturelles et artistiques par-delà la domination politique romaine est abordée dès l’Antiquité. Horace nous livre un vers paradoxal, maintes fois commenté[3], dans une épître à Auguste sur le renouveau des arts de Rome :

Graecia capta ferum victorem cepit et artes

intulit agresti Latio[4]

La Grèce conquise a conquis son farouche vainqueur, et porta

les arts dans le Latium rustique.

Ainsi, la Grèce, qui a perdu politiquement, aurait triomphé au plan des lettres et de l’art. La question de la romanisation et du maintien de traditions grecques est encore plus prégnante pour la statuaire, et en particulier la statuaire honorifique, en vertu de son caractère éminemment politique. En effet, la sculpture de Grèce à l’époque impériale est le point de confrontation de ces deux traditions artistiques et notamment de deux conceptions du portrait. Aussi, y a-t-il eu une romanisation de l’art ? Une romanisation par l’art ? Comment l’art contribue-t-il à la constitution de l’identité dans la Grèce impériale ? En somme, s’il existe de la sculpture grecque ou de la sculpture romaine, qu’est-ce que sculpter « grec » ou sculpter « romain » ? C’est d’abord sculpter un Grec ou un Romain, c’est-à-dire constituer une identité par l’image. C’est ensuite sculpter en Grec, en Romain, c’est-à-dire admettre une identité par l’art.

   I.        Sculpter un Grec / sculpter un Romain : constituer une identité par l’image

En tant que portrait, la statue honorifique est l’image d’une personne, c’est-à-dire d’un sujet identifiable dans un corps social. Or l’époque impériale est un moment où le corps social change, en raison de la domination politique de Rome qui, dans diverses provinces comme celle d’Achaïe, intègre tant des Grecs que des Romains dans l’administration impériale. Sculpter grec ou romain revient d’abord à sculpter un Grec ou un Romain.

A – Identification et identité du portraituré

De nombreuses études sur le portrait font de l’identification du référent une question essentielle, d’autant plus patente que la masse des portraits « anonymes » est importante pour la période antique. Il faut néanmoins rappeler que cet anonymat tient aux lacunes des œuvres parvenues jusqu’à nous et qu’à cet égard l’identification constitue un problème rétrospectif qui n’était pas celui des contemporains de la statue. Ces derniers savaient qui était représenté et l’image comme le texte de l’inscription dédicatoire se chargeaient de cette fonction[5]. La pratique courante, dès l’époque hellénistique, de la réutilisation des statues suffit à prouver que la ressemblance n’était pas visée par les statues honorifiques[6].

Il est possible que cette conception faisant d’un portrait une image fidèle à son référent puise sa source dans la tradition néoplatonicienne telle que l’a formulée Plotin, en refusant qu’on fasse son portrait, comme nous le révèle Porphyre[7]. La définition de l’art du portrait comme un art de l’imitation est d’ailleurs très ancienne : Aristote déjà associe l’art du portraitiste à celui du tragédien lorsqu’il définit la μίμησις. Néanmoins, il affirme que l’un comme l’autre, quoique fidèles au réel, procèdent par idéalisation[8].

Vouloir déceler dans l’image produite une fidélité au référent est une démarche génératrice d’erreurs. Contrairement à l’opinion commune, la physionomie ne nous renseigne pas sur l’identité du portraituré : le croire reviendrait à donner une acception biologique à l’identité[9], alors qu’elle est essentiellement culturelle et sociologique. Les raisonnements circulaires peuvent apparaître quand, pour accréditer une identification liée à une origine ethnique particulière, on postule une physionomie qui procède de cette origine. Ainsi le portrait d’homme du Musée National d’Athènes trouvé dans le théâtre de Dionysos à Athènes et connu sous le nom de « Pseudo-Rhoimetaklès »[10] (figure 1) a donné lieu à des interprétations diverses des caractéristiques physiques représentées, assimilées à l’anatomie[11] ou à la race[12] de son référent, pour justifier de son identification comme un souverain d’Asie Mineure. L’identification du portrait d’un Grec ou d’un Romain s’appuie parfois sur des interprétations similaires des différences de physionomie dans certains portraits de la fin de l’époque hellénistique, notamment lorsque la présence de Romains et de Grecs est attestée dans une même cité, comme c’est le cas à Délos[13].

Figure 1: Portait d’homme, Fin du IIe s. de n.-è. Athènes- Théâtre de Dionysos. Marbre H=49 cm, Inv. 419. Musée de l’Acropole

La représentation honorifique est un art foncièrement encomiastique[14] : la statue honorifique est précisément la mise en valeur d’une personne et les traits pertinents retenus dans sa représentation procèdent de choix délibérés, c’est-à-dire de ce que l’on peut appeler un parti[15].

B. La construction identitaire par l’image

Le portrait témoigne ainsi d’une intentionnalité de la représentation et non d’une simple visée mimétique[16]. Si les altérations de la ressemblance peuvent avoir une visée axiologique, en représentant à son avantage le sujet représenté, l’altération de la représentation peut receler une visée identitaire, et donc sociologique.

1.    Les ambiguïtés du « visage d’époque » : style ou parti ?

Un premier phénomène consiste à modifier sciemment les traits ressemblant au référent pour se rapprocher de l’apparence d’un sujet connu, auquel on veut s’associer, notamment pour des raisons politiques et notamment de légitimité dynastique. Si l’on en croit Plutarque, cette pratique est d’abord attestée chez les diadoques qui ont voulu reprendre dans leur propre portrait l’inflexion du cou ou l’humidité du regard[17] caractéristiques des portraits d’Alexandre sculptés par Lysippe. À l’époque impériale, le phénomène a depuis longtemps été remarqué, notamment dans les portraits d’époque julio-claudienne, où les membres de l’entourage d’Auguste reprennent certaines caractéristiques de son visage ou de son agencement capillaire. Les portraits de Lucius et de Gaius Caesar trouvés sur l’agora de Corinthe[18] (figures 2 et 3), dans l’aile ouest de la basilique julienne témoignent de cette absence d’individualisation, au point qu’on a parfois douté de les identifier comme des portraits pour en faire des représentations des Dioscures[19]. L’altération de la ressemblance trouve ainsi une motivation claire dans le cadre d’une représentation dynastique ; il en va peut-être autrement des portraits privés où la ressemblance au souverain, sans la trace d’un réel parti de s’assimiler à lui, pourrait procéder de raisons techniques, comme nous le verrons. Ainsi, le portrait en pilier hermaïque du cosmète Sositratos[20] (figure 4) reprend bien des traits de certains portraits d’Hadrien[21], mais cette ressemblance n’est peut-être pas consciente et ne peut être interprétée à elle seule comme un signe tangible d’une revendication identitaire ou de l’adhésion à une propagande impériale[22]. En effet, la mise en évidence dans les inscriptions de plusieurs cosmètes de leur lignage prestigieux[23] semble prouver la propension explicite à célébrer un hellénisme, que le style du portrait, assimilé aux pratiques romaines, pourrait nier.

Figure 2: Portait de Lucius Caesar, 17 av- 2 de n.-è Corinthe – Basilique julienne. Marbre, S1065. Musée archéologique de Corinthe
Figure 3: Portait de Lucius Caesar, 20 av- 4 de n.-è. Corinthe – Basilique julienne. Marbre, S1080. Musée archéologique de Corinthe
Figure 4: Portait du cosmète Sosistratos, 141-142 de n.-è. Athènes. Marbre du Pentélique, H=194 cm, Inv. 365. Musée National d’Athènes

2. Le parti comme choix conscient d’une appartenance ethnique : l’exemple d’Hérode Atticus

Pour autant, le parti pris de représentation peut être manifeste, précisément quand une série de portraits d’un même individu témoigne d’une diversité iconographique qui procède de choix de représentation, selon les contextes ou les circonstances de dédicace. Les portraits d’Hérode Atticus sont révélateurs de cette pratique. En effet, le riche évergète se fait tantôt représenter selon la mode hellénistique, avec un chiton et un himation[24], tantôt selon les conventions du buste de philosophe[25]. Au sein du nymphée dédié par sa femme Regilla à Olympie, le choix de sa représentation en togatus procède d’une volonté de rappeler sa citoyenneté romaine, d’autant plus importante que l’ensemble statuaire associe la famille d’Hérode et de Regilla avec la représentation des souverains Antonins. Le père d’Hérode, Tiberius Claudius Atticus Herodes (figure 5), lui aussi citoyen romain[26], mais descendant d’une famille grecque est représenté en chiton et himation. Hérode semble vouloir ici insister sur l’hellénité de la lignée dont il est issu et sur la romanité de la famille de son épouse Regilla, dont les membres masculins sont tous représentés en togatus (figure 6).

Figure 5: Statue d’homme : T. Claudius Atticus, père d’Hérode. Marbre N°13+35. Musée archéologique d’Olympie.
Figure 6: Togatus : Ap. Annius Gallus, père de Regilla ? Marbre N°10+32. Musée archéologique d’Olympie

Soulignons que le vêtement grec n’est pas dévolu uniquement aux Grecs. Le pallium (mot latin qui désigne un manteau grec, soit le tribôn, soit l’himation[27]) ou la chlamyde n’étaient pas rejetés par les Romains : certains appréciaient de porter la chlamyde à titre privé et auraient pu aussi vouloir se faire représenter ainsi en contexte grec[28]. On signale toutefois dans la littérature d’époque impériale que le pallium est connoté ethniquement par rapport à la toge[29]. Ainsi, représenter ou se faire représenter dans un vêtement grec ou romain semble procéder d’un choix identitaire, d’une revendication ethnique (au sens étymologique de « groupe social »), qui fluctue selon les contextes.

Le nymphée d’Olympie fournit en outre plusieurs exemples de portraits féminins. De fait, soulignant dans une large part l’absence d’individualisation des visages des portraits féminins en Grèce à l’époque impériale, et la difficulté à identifier une tête isolée comme un « portrait idéalisé » ou une « tête idéale »[30], Sheila Dillon a proposé de définir « a non-portrait style »[31] caractéristique du portrait féminin en Grèce à l’époque impériale, qui puiserait ses sources dès le ive siècle avant notre ère. La dimension paradoxale de cette expression rend compte de l’impasse qu’il y a à définir le portrait selon les critères techniques de la ressemblance au référent, alors qu’il est préférable de le définir selon des critères sociologiques[32]. Pour autant, si l’écart entre la représentation et la physionomie de la femme représentée rend l’identification ardue, notamment dans le cas de portraits de groupe, le vêtement et l’équipage de ces portraits renseignent sur leur statut social. Néanmoins, la représentation féminine semble davantage touchée par les conventions immuables et l’agencement du vêtement sur le corps reprend six grands types statuaires de l’époque classique ou du début de l’époque hellénistique[33]. Ces tendances globales n’excluent cependant pas des spécificités régionales où l’on croit distinguer la prédilection pour tel ou tel type statuaire, mais les variations du vêtement féminin semblent être associées à une autre signification : leur rôle social ou familial (mariage, maternité, prospérité, fonction religieuse ou militaire), à l’imitation des variations iconographiques de l’impératrice[34].

3. Le cadre de présentation du portrait comme parti pris identitaire

Le choix du cadre de la dédicace est aussi, pour le portraituré comme pour son commanditaire, une manière de construire une identité. Ainsi, dans le cas de groupes statuaires monumentaux, l’adoption d’une architecture romaine dans un contexte grec peut être pris comme un trait de romanisation. Le nymphée d’Olympie l’illustre de nouveau. À l’époque impériale, l’installation de fontaines ou de nymphées (à Athènes[35], à Corinthe[36], à Olympie, mais aussi en Asie-Mineure, comme à Éphèse), est l’occasion d’intégrer des représentations honorifiques, notamment impériales, à une architecture. Mais ces installations comportent visiblement un contenu identitaire plus polysémique. Ainsi, on a pu insister sur la dimension théâtrale de ces installations, dans le sens d’une « autocélébration collective »[37]. De plus, un hellénisme ancestral semble se manifester tant dans le programme iconographique de ces nymphées que dans leur contexte d’installation, à proximité de structures architecturales anciennes, voire archaïques[38]. Dans le cas du nymphée d’Olympie, l’effigie impériale est ainsi associée à l’effigie double de Zeus, sans doute placée en position centrale aux deux niveaux[39]. Par ailleurs, le nymphée est situé dans un espace particulièrement important et sacré du sanctuaire : il est placé sur les flancs du Kronion et jouxte les édifices les plus anciens que sont les trésors archaïques, inscrivant sa monumentalité dans une continuité de l’histoire millénaire du sanctuaire (figure 7).

Figure 7: Plan du sancturaire d’Olympie

On vient de voir que dans la statuaire honorifique, l’identité se constitue par l’image. Celle-ci contribue ainsi à donner forme à l’identité de la personne sociale du portraituré. Et parce que le portrait est une image sociale, par la valorisation qu’il opère au sein de la cité, il contribue à affirmer et à constituer une identité plurielle dans le contexte de la romanisation. Sculpter grec, sculpter romain, c’est ainsi sculpter un Grec ou un Romain. Mais l’identité, si elle se constitue par l’image, peut aussi se constituer par l’art. Il s’agit ainsi de s’intéresser à une autre identité, incorporée dans l’œuvre d’art : l’identité artistique.

II – Sculpter en Grec / en Romain : mettre en œuvre selon son identité

Si le portrait participe d’une identité par l’image, il porte en lui, comme produit d’un geste artistique, une autre identité, celle du praticien. La statue est donc le point de convergence de plusieurs identités : l’identité de celui qu’on sculpte, mais aussi de celui qui sculpte. Sculpter grec ou romain est donc aussi sculpter en Grec ou en Romain.

A.    Un art sans artiste

Pour autant, il faut souligner que l’art de l’époque impériale, en Grèce comme à Rome, est essentiellement un art anonyme. De fait, les signatures de sculpteurs restent rares au sein du corpus de statues honorifiques conservées[40]. Ce simple fait doit nous renseigner sur le statut social du sculpteur dans la société de l’époque impériale : artisan comme un autre, exécutant d’une commande qui répond à une demande, le sculpteur n’est pas valorisé socialement pour son « œuvre » comme l’ont été les sculpteurs de l’époque classique. Les rares signatures conservées procèdent davantage de la volonté de signaler une provenance et une qualité de fabrication plutôt qu’une personnalité artistique du sculpteur : « Τις Ἀθηναῖος ἐποίησεν » équivaut à une sorte de « made in Athens ». Ceci explique que toutes les entreprises d’identification d’un « maître », à la manière du connoisseurship de l’histoire de l’art moderne, à partir d’un corpus d’œuvres présentant des ressemblances se soient révélées le plus souvent vaines[41], sans compter qu’elles n’ont que peu d’efficience sur l’analyse sociologique de la production statuaire.

Contrairement au parti qu’a le commanditaire ou le sculpteur de choisir un mode de représentation délibérément grec ou romain, si bien que la statue se constitue comme la mise en image de ce choix de représentation de la personne, le style, lui, échappe à la conscience du sculpteur[42]. Pour autant, partagé par un groupe[43], le style est essentiellement politique[44]. Ainsi, un changement politique induit-il un changement de style ? Y a-t-il eu une romanisation de la portraiture grecque ?

B. La romanisation du portrait grec ou les échanges artistiques.

La situation de l’époque impériale témoigne de ce qu’on peut appeler les « échanges d’art ». En effet, pour la production statuaire impériale, ce sont tant les procédés grecs et romains qui vont être mis en jeu que des finalités proprement grecques ou romaines. Cette distinction entre les procédés et les fins permet de rendre compte de la complexité du processus[45].

1.    Les portraits d’empereurs produits en Grèce : fin romaine et technique grecque

Une première approche des échanges peut se faire en analysant le choix de l’outil et l’usage qui en est fait entre un artiste grec et un artiste romain. Ainsi, pour aboutir à une même finalité, dans notre cas la commande d’un portrait, un artiste grec ne réalisera pas de la même manière une même œuvre. En somme, pour une même fin, on utilisera des moyens différents, définis culturellement. La réalisation des portraits impériaux reflète ces divergences d’utilisation de l’outil, car l’effigie du souverain, diffusée dans tout le territoire de l’Empire, vise à une uniformité, imposée par Rome. Mais la réalisation, elle, est le plus souvent effectuée par des praticiens locaux, procédant dans une technique culturellement circonscrite. Le buste de Marc-Aurèle trouvé à Probalinthos[46] (figure 8) dans ce qui devait être une fastueuse résidence d’Hérode Atticus[47] s’intègre dans une typologie connue des portraits de l’empereur-philosophe[48] (le type 3, diffusé entre 161 et 180). Il est ainsi possible de confronter l’œuvre grecque avec les œuvres trouvées à Rome, comme le buste conservé à Dresde[49]. Très similaires au point qu’on peut croire que les sculpteurs ont suivi un même archétype, le traitement de surface n’en est pas moins très différent. Ainsi, le sculpteur de l’œuvre grecque a fait un usage discret du trépan, contrairement à son homologue romain ; la pilosité est traitée au ciseau plat, sans creusements excessifs dans les boucles de la barbe ou des cheveux. L’épiderme de l’œuvre grecque est par ailleurs moins poli, ce qui contraste avec les portraits métropolitains de l’époque antonine. Ces spécificités techniques de l’œuvre grecque vis-à-vis de l’œuvre romaine peuvent ainsi être interprétées comme des traits stylistiques qui signalent une exécution grecque, mais pour remplir une fin romaine : la réalisation d’un buste, puisque les éléments mis en évidence pour l’exécution de ce buste ont été retrouvés sur d’autres œuvres provenant de Grèce, et en particulier d’Attique, comme le buste de la prêtresse Mélitinè, conservé au Louvre[50] (figure 9).

Figure 8: Buste de Marc-Aurèle – type 3, vers 161-180 de n.-è. Probalinthos, Attique. Marbre H=62 cm, Ma 1161. Musée du Louvre.
Figure 9: Buste de Melitine vers 163-164 de n.-è. Le Pirée. Marbre H=70 cm, Ma 3068. Musée du Louvre

2.    L’influence de la copie d’époque classique dans le portrait contemporain : fin romaine et technique grecque (bis)

Un autre aspect de l’hellénisation du portrait impérial est perceptible, dans l’influence d’un autre type de productions : les copies. En effet, dans la continuité de l’engouement des Romains pour l’art grec qui les pousse à se procurer des œuvres grecques, la Grèce de l’époque impériale est encore très active dans la production des copies[51]. Néanmoins, il est peu probable que les ateliers se soient spécialisés dans un type de production particulier, isolant des sculpteurs « copistes » et des sculpteurs « portraitistes », distinction que les contraintes techniques n’imposent pas. Il est plus vraisemblable que les sculpteurs aient été, comme à l’époque hellénistique[52], alternativement l’un ou l’autre, selon les besoins et les commandes. Pour étayer cette conjecture, on peut imaginer la porosité entre la mise en œuvre d’une copie et celle d’un portrait, qu’illustrent notamment certaines œuvres. Ainsi, une tête d’Agrippine l’Ancienne trouvée à Athènes (figure 10) correspond à la typologie habituelle des portraits trouvés à Rome[53]. Mais les différences de traitement du visage par rapport aux portraits romains du même âge conduisent à y voir des caractéristiques propres à l’art de la copie. Ainsi, le visage est plus idéalisé, il décrit un ample ovale, et les arcades sourcilières ont un aspect très linéaire. En outre, un principe de symmetria, (c’est-à-dire de reports de mesure) semble venir équilibrer la construction de ce visage : la bouche et la base du nez sont de même largeur, l’extrémité des arcades sourcilières et la pointe du menton décrivent un triangle équilatéral[54].  Ce canon qui emprunte à une harmonie mathématique correspond aux principes de composition de la statuaire divine des Ve et IVe siècle avant notre ère. On peut ainsi rapprocher la facture de cette tête avec certaines copies de l’Aphrodite de Cnide de Praxitèle, comme la tête de la collection Borghèse (figure 11) conservée au Louvre[55], qui semble issue d’un atelier grec, peut-être attique[56], actif au Ier siècle de n.-è. Pour réaliser ce portrait, le sculpteur a ainsi utilisé un principe de composition qu’il maîtrisait par ailleurs : la méthode de la copie en vigueur dans des ateliers grecs. Le phénomène semble d’ailleurs commun à d’autres cités grecques, puisqu’on a pu identifier des caractéristiques communes entre les portraits réalisés dans la cité et les copies de sculptures classiques, notamment à Corinthe[57], en vertu de son statut de capitale de la province d’Achaïe. En définitive, la distinction typologique entre art du portrait et art de la copie n’obéit pas à des contraintes stylistiques, puisque précisément en l’absence d’inscription, une tête isolée peut être prise pour une copie de statue de l’époque classique ou un portrait[58]. Les formes hybrides associant une tête portrait vériste sur un corps issu d’une reproduction de statue divine prouve la porosité des deux types statuaires, notamment dans le cas d’effigies héroïsées comme c’est le cas du Marcellus du Louvre[59] ou l’Antinoüs de Delphes[60], dont les corps sont issus de la statuaire divine de style sévère.

Figure 10: Tête portait d’Agrippine l’Ancienne, vers 37-41 de n.-è. Athènes. Marbre H=44 cm, Ma 3133. Musée du Louvre
Figure 11: Tête d’une copie de l’Aphrodite de Cnide de Praxitèle, IIe siècle de n.-è. ? Ancienne collection Borghèse. Marbre H=34 cm, Ma 421. Musée du Louvre.

3.    L’influence du portrait impérial sur le portrait privé : procédé grecs et romains pour une fin gréco-romaine

Nous avons déjà évoqué le portrait-pilier hermaïque pour la question du Zeitgesicht. Or la particularité des portraits en pilier hermaïque tient au fait précisément qu’ils n’apparaissent qu’à l’époque romaine. Dans le monde grec classique et hellénistique, depuis Alcamène, disciple athénien de Phidias, et possible inventeur de la forme avec son Hermès Propylaios[61] présenté dans les Propylées de l’Acropole, le pilier représente une effigie divine. Le type se développe au cours de l’époque hellénistique en présentant, dans des contextes de palestre, des effigies d’Hermès ou d’Héraklès. Les cas de portraits de philosophes ou d’intellectuels sur piliers hermaïques, retrouvés en abondance dans des bibliothèques, sont quant à eux des répliques d’époque romaine, pouvant dériver de modèles en pied hellénistiques[62]. On se trouverait ainsi, avec les portraits en pilier hermaïque, dans l’élaboration d’un type statuaire proprement gréco-romain, en ce qu’il concilie un procédé grec (le portrait en pied) avec un procédé romain (le portrait dans une forme abrégée, buste ou imago clipeata – indépendamment de l’origine de ces types statuaires, possiblement grecs), pour générer un type statuaire nouveau[63], ressortissant aux deux identités grecque et romaine.

En outre, à rebours de ce que l’on évoquait précédemment, dans la perspective des échanges artistiques, on peut envisager une autre interprétation au phénomène du visage d’époque, perceptible dans ces portraits sur hermès. Si l’explication généralement retenue souligne le parti volontaire d’une personne privée d’accentuer sa ressemblance avec le souverain et interprète l’altération de la ressemblance comme une modification délibérée de l’image, une motivation stylistique de cette ressemblance est aussi envisageable, par analogie avec ce qu’on identifiait de l’influence des copies sur le portrait. De fait, il est loisible de croire qu’un portraitiste exécute le portrait d’une personne privée avec une technique analogue à celle qu’il a utilisée auparavant pour réaliser des effigies de l’empereur, peut-être en série. À tout le moins, on peut accepter que, dans ce qu’on identifie comme un visage d’époque, deux identités entrent en jeu : l’identité par l’image du portraituré qui veut ressembler au souverain et l’identité artistique du portraitiste dont le style est le même pour un portrait privé que pour un portrait impérial.

Conclusion

À l’heure d’un changement politique majeur, la question de l’identité des différents peuples concernés est déterminante. Si le terme de romanisation s’avère le plus commode pour circonscrire la globalité de ce changement, il n’est pas sans poser problème[64], au moins parce qu’il envisage des mutations dans un sens unique, faisant fi au passage de la subtilité avec laquelle Horace envisageait le phénomène à son époque. L’art du portrait, et plus particulièrement du portrait honorifique, constitue à cet égard un marqueur central des processus à l’œuvre au plan artistique, et de leur complexité. C’est un art étymologiquement « politique », puisqu’il a vocation à s’inscrire dans la cité. Le portrait met ainsi en jeu une triple facette de l’identité. Ainsi, parce qu’on sculpte un Grec ou un Romain, l’image contribue à la constitution d’une identité. Moins qu’un témoignage d’une identité qui serait acquise et immuable, le portrait honorifique, art encomiastique s’il en est, obéit à des choix et à des codes de représentations tant physiques que vestimentaires. De plus, parce qu’il s’agit d’une image honorée par un groupe, la statue honorifique contribue à l’identité de celui-ci, qui choisit de la valoriser ou de la dévaloriser de diverses manières. En effet, un groupe construit une identité collective autant par ce qu’il érige que par ce qu’il choisit de conserver du passé, ou d’en détruire : le vandalisme est de toute éternité un geste identitaire. Pour autant, la statue honorifique est aussi le produit d’une autre identité, celle de l’artiste. De même que l’on parle le grec ou le latin, sans être soi-même grec ou romain, on sculpte en Grec ou en Romain, avec un savoir-faire grec ou romain, et en visant une finalité grecque ou romaine. La statuaire d’époque impériale présente la confrontation de deux traditions artistiques distinctes, mais qui se sont nourries réciproquement l’une de l’autre sur différents plans : le goût, les types statuaires, les techniques de mise en œuvre. En cela, elle témoigne d’échanges artistiques variés, où hellénisation et romanisation estompent les bornes d’une sculpture « grecque » et d’une sculpture « romaine ». Ainsi l’écueil majeur pour traiter de cette période serait d’envisager la question de l’identité de manière globale, statique, voire nationaliste. Au contraire, l’identité, dans le portrait de la Grèce impériale, semble revêtir ces caractéristiques attribuées à Hadrien par un abréviateur de la fin de l’Antiquité[65] : « Vari[a], multiplex, multiformis » : bigarrée, changeante, multiforme.

Bibliographie

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OF Olympische Forschungen
RA Revue Archéologique
RAMAGE Revue d’Archéologie Moderne et d’Archéologie Générale
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REG Revue des Études Grecques
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ZANKER 1995            ZANKER P., Die Maske des Sokrates. Das Bild des Intellektuellen in der Antiken Kunst, Munich, 1995.

[1] Je tiens à remercier les organisateurs de cette journée d’étude, particulièrement Rebecca Attuil et Margaux Spruyt, pour avoir porté leur intérêt sur ce thème essentiel en archéologie qu’est l’identité, ainsi que Marie Planchot qui a assuré le bon déroulement et l’organisation de cette journée doctorale.

[2] Michalowski 1932, p. 29-31, Richter 1955, p.44 et Harrison 1953, p. 82-83 qui fait la synthèse des conceptions qui ont cours alors.

[3] Alcock 1993 en fait le titre de son ouvrage fondateur sur l’analyse de la romanisation depuis 146 av. n.-è.

[4] Horace, Épîtres, II, A Auguste, v. 156-157.

[5] Queyrel 2016 p. 152 et Biard 2017, p. 1-13. D’une manière générale, le portrait s’accompagne souvent d’inscriptions visant à identifier le référent : Bruneau 1982, p. 76-77.

[6] Rappelé par Ma 2013, p. 9, 61-62 et 303-304.

[7] Porphyre, Vie de Plotin, I, 1, commenté par Bažant 1995, p. 16.

[8] Aristote, Poétique, 1454b.

[9] Sur les origines des postulats physiognomoniques à l’œuvre dans les études du portrait antique, voir Bažant 1995, p. 21-23.

[10] Pour les problèmes d’identification de ce portrait, voir Kalstas 2002 p. 362-363.

[11] Graindor 1922, p. 45, Holtzmann 2010, p. 362.

[12] Helker 1912 p. XLVII, pl. 261, voit dans ce visage des traits de « la race sémite ». Pour un point sur la tradition des analyses raciales de la portraiture romaine, voir Bažant 1995 p. 82-87.

[13] Michalowski 1932 p. 20-21, 30-31, 34.

[14] Cette caractéristique est propre à tout portrait : Bruneau 1982 p. 80-85.

[15] Pour la distinction entre « Style » et « Parti », voir Bruneau 1987, p. 87-106 et Bruneau, Balut 1997, n°141, p. 143-144.

[16] Sur le portrait comme image d’une intentionnalité : voir Queyrel 2015 p. 60

[17] Plutarque, Alexandre, 4, 3.

[18] Grazia (de) 1973, Corinth n°11 (S 1065) et 12 (S 1080) p. 93-108 et Pollini 1987, p. 99 et 107.

[19] Ridgway 1981, p. 432.

[20] MNA 385, voir Graindor 1915, p. 320-323 et Kaltsas 2002 p. 328.

[21] Du type Panzerbüste Imperatori 32, daté de 127-128 voir Wegner 1956, p. 20-24 et pl. 22-23. 

[22] Zanker 1982, p. 311 et réserves de Fejfer 2008, p. 270-285.

[23] Par exemple, le portrait de Moiragenes sur l’Agora d’Athènes, in Harrison 1953 n°25, p. 36-38.

[24] Bol 1998, p. 126-127.

[25] Bol 1998 n° 3-6, p.121-125.

[26] Graindor 1930, p. 9-10.

[27] Baroin, Valette-Cagnac 2007, p. 519-521.

[28] Gherchanoc-Huet 2007, p. 13.

[29] Baroin, Valette-Cagnac 2007, p. 520-21 et 528-530.

[30] Dillon 2010, p. 137.

[31] Dillon 2010, p. 135-163.

[32] Bruneau 1982, et en dernier lieu Bruneau 2017 p. 56-59, notamment p. 58.

[33] Fejfer 2008, p. 335.

[34] Alexandridis 2004, p. 58-64 et Fejfer 2008, p. 340-341.

[35] Agora 2010, p.154

[36] Gros 1996, p. 424-431,

[37] Gros 2016, p. 350

[38] Longfellow 2012.

[39] Bol 1984, Annexe 4.

[40] Amanda Claridge, « Marble carving technique, workshop and artisans», p. 116 in Friedland, Sobocinsky 2015.

[41] Voir Charbonneaux 1957 à partir d’œuvres antonines et Albertson 1983 qui tente d’identifier un maître du Marc-Aurèle de Probalinthos et du Lucius Verus d’Oxford traités infra. Pour une mise au point sur cette question : Fejfer 2008 p. 308-312.

[42] Bruneau, Balut 1997, n° 129, p. 138

[43] Comme le rappelle Jean-Charles Balty dans l’analyse de la portraiture du IIIe siècle de notre ère : Balty 1983.

[44] Bruneau, Balut 1997, n° 140, p. 143

[45] Sur la notion d’échange d’art : Voir Bruneau 2001 pp. 123-132, ainsi que les études l’illustrant dans RAMAGE 13 et 14 ; sur la distinction des fins et des moyens, voir en dernier lieu Bruneau 2017, p. 119-136.

[46] Louvre, Ma 1161. Voir Kersauson (de) 1996, p. 226-227, n°99.

[47] Avec un buste d’Hérode Atticus : Louvre, Ma 1164. : voir Kersauson (de) 1996, p. 290-293, n°132.

[48] Voir Fittschen-Zanker 1985, n°65 et 66 p. 70 et 71, et planche 75 pour la datation d’après deux bustes du type correspondant au musée du Capitole : inv. 650 et 695.

[49] Dresden Staatliche Skulpturensammlung n°386, voir Wegner 1939, p. 171, pl. 19.

[50] Louvre, Ma 3068. Voir Kersauson (de) 1996, p. 308-309, n°139.

[51] Holtzmann 2010, p. 338-339.

[52] Croz 2002, p. 131-132.

[53] Kersauson (de) 1986, p. 132-133.

[54] Kersauson (de) 1986, p. 132-133.

[55] Louvre Ma 421. Voir Rolley 1999, p. 258-259, et p. 410.

[56] Praxitèle 2007, p. 188-189. (A. Pasquier)

[57] Sturgeon 1989, p. 117-119.

[58] Graindor souligne cette proximité stylistique chez certains cosmètes : Graindor 1915, p. 180

[59] Louvre Ma 1207 ; Voir Kersauson (de) 1986 p. 46-47, n°18, La Rocca 2014, et Auguste 2014, p. 44.

[60] Delphes 1991, p. 133-135.

[61] Rolley 1999 p. 144-146.

[62] Fejfer 2008 p. 229.

[63] Holtzmann 2010, p. 352-353.

[64] Voir Leroux 2004, sur la critique et le bon usage de ce concept.

[65] Epitomé de Caesaribus, 14, 6. Formule reprise par Marguerite Yourcenar pour le chapitre initial de Mémoires d’Hadrien.

A propos de quelques datations dans la maison du Faune à Pompéï (VI,12,2)

Par Jacques Suaudeau

Communication présentée le 21 janvier 2014

Article publié le 25 avril 2019

La maison du Faune (VI, 12, 2) est une des demeures les plus connues et les plus visitées dans le site archéologique de Pompéi. Cette renommée et cet attrait viennent de l’ampleur de cette demeure, de son ancienneté par rapport aux autres maisons de Pompéi, et de la richesse de ses pavements en mosaïque qui font la gloire du Musée archéologique national de Naples. Explorée entre octobre 1830 et juin 1832, cette maison a reçu diverses dénominations (maison de Goethe, maison de la grande mosaïque) avant que le nom de « maison du Faune » ne lui soit définitivement donné, en lien avec la statuette en bronze du faune dansant qui ornait l’impluvium de son atrium toscan. 

Le quartier  nord-ouest de Pompéi  se distinguait, certes, par sa richesse particulière en grandes résidences somptueusement décorées, mais la maison du Faune avec ses 3100 m² de superficie dépasse nettement en dimensions les autres demeures de ce quartier. Elle n’est en cela comparable qu’aux palais princiers des cités hellénistiques, comme le palais de Pella en Macédoine (Bâtiment I : superficie de 7500 m², stoa de 153 m de long) ou le Palais des colonnes à Ptolémaïs (36-37 m de large sur 164 m de long pour une superficie de 6000 m²).

Le sous-sol de la maison du Faune a été l’objet, en 1912, puis de 1961 à 1963, de fouilles destinées à éclairer le développement de cette demeure. A. Hoffmann et A. Faber ont publié en 2009 les résultats de ces travaux qui ont permis de mettre au jour, en particulier dans le sous-sol de l’oecus 25, entre le premier et le second péristyle, les restes d’une première demeure, de dimensions modestes, dont la construction remonterait au IIIe siècle av. J.-C. Celle-ci fut abattue et ses restes enterrés au deuxième siècle av. J.-C. (autour de 180 av. J.-C.) pour faire place à une grande demeure, occupant la partie sud de l’insula et donnant en façade sur la Via della Fortuna. Cette maison comportait deux atria, l’un toscan et l’autre tétrastyle, et un péristyle transversal. L’atrium tétrastylene communiquait pas alors avec la via della Fortuna. On y accédait seulement à partir de l’atrium toscan, qui était l’atrium principal et l’est resté par la suite. La partie nord de l’insula était probablement utilisée comme hortus. La technique de construction de cette maison du IIe siècle était soignée et rigoureuse. Elle faisait appel à des gros blocs parallélipédiques de pierre calcaire du Sarno disposés verticalement pour l’encadrement des ouvertures. Un opus incertum fait de fragments de lave dans la partie inférieure et de pierres calcaires du Sarno dans la partie supérieure remplissait l’espace entre les blocs calcaires. L’ensemble correspondait à un « appareil à cadre calcaire », typique des maisons de type hellénistique édifiées à Pompéi durant la seconde moitié du IIe siècle av. J.-C. Le tuf était utilisé pour la façade principale, au sud, sur la Via della Fortuna, et pour les colonnes et les chapiteaux du péristyle. Cette première organisation architecturale de la maison du Faune, datée de la seconde moitié du IIe siècle av. J.-C., dura peu. Elle fut modifiée par les travaux de restructuration effectués à la fin du IIe siècle av J.-C., travaux dont la réalisation la plus importante fut la création du second péristyle dans ce qui avait été l’hortus. Les colonnes de ce second péristyle furent construites en briques, recouvertes de stuc et surmontées d’un chapiteau dorique, cependant que l’ordre des colonnes du premier péristyle fut transformé de dorique en ionique.  Les pièces situées au nord du premier péristyle furent alors réaménagées et décorées en premier style. L’exèdre 37 et le triclinium 42 furent largement ouverts sur l’hortus. Le petit établissement de bains qui se situait au nord du quartier domestique (l’actuel oecus 25) fut abandonné et un nouveau complexe de bains avec hypocaustes fut créé plus au sud, dans la zone de la cuisine. C’est à cette phase de restructuration, qui a dû se prolonger jusqu’au début du premier siècle av. J.-C., que l’on doit les décorations murales du premier style et les nombreux pavements en mosaïque du type emblemata qui caractérisent la maison du Faune. Les parois élevées durant cette seconde phase se distinguent des précédentes par leur absence de cadre calcaire et par leur matériel d’opus incertum fait de pierres calcaires du Sarno. Elles n’ont plus la régularité ni le caractère soigné des parois de la première phase.

La maison du Faune s’était jusqu’alors développée sur un seul niveau, à l’exception des boutiques donnant sur la Via della Fortuna. Ce serait à la fin du premier siècle av. J.-C. qu’un étage aurait été élevé au-dessus des pièces situées au sud du second atrium et le long du Vico del Labirinto, à l’est, cependant que la décoration murale, là où elle était faite ou refaite, tournait à un second style relativement simple. La décoration en premier style de l’atrium toscan, des cubicula donnant sur cet atrium et des parois du premier péristyle fut maintenue par les propriétaires successifs, peut-être pour conserver à cette somptueuse maison son caractère originel de noble demeure d’antique aristocratie locale. Ce serait encore à ce moment-là que le mur du fond de l’hortus, devenu paroi nord du second atrium, aurait reçu une façade prévoyant une alternance de niches et d’exèdres, façade qui ne fut pas terminée.

Les dommages causés par le tremblement de terre de 62 après J.-C. furent relativement limités. On note des réparations dans certaines pièces donnant sur l’atrium tétrastyle (14-18). La destruction partielle de la colonnade du premier péristyle est peut être à mettre sur le compte de ce séisme. 

La maison du Faune fut gravement endommagée par les bombardements de l’été 1943. Les colonnes de l’atrium tétrastyle furent renversées, les murs de l’ala est de l’atrium toscan furent détruits, de même que les parois sud et nord du triclinium 34, dans l’angle nord-est de l’atrium toscan. 

La maison du Faune offre, dans son architecture comme dans son appareil décoratif, un modèle complet et unifié d’une maison samnite hellénisante du IIe siècle av. J.-C. Décoration murale en premier style et riches pavements en mosaïques avec « emblema » central ou sectilia polychromes pouvant créer par leurs dessins des effets d’illusion (fauces, tablinum) s’y associaient de façon harmonieuse pour donner une impression de luxe raffiné – la « dignitas ». 

Dans cette décoration, les mosaïques, on l’a vu, jouent un rôle important. Les emblemata de la maison du Faunefigurent parmi les meilleurs du genre : ils sont tous actuellement exposés au Musée Archéologique National de Naples (MN) :  festons avec masques, feuilles et fruits (seuil des fauces, MN n.9994), scène érotique (cubiculum 28, MN inv. 27707), faune marine dans le triclinium 35 (MN inv.9997), colombes s’affairant autour d’une boîte à bijoux (ala ouest de l’atrium toscan, 29, MN), chat capturant une poule et nature morte (ala est de l’atrium toscan, 30, MN inv.993), scène marine (triclinium35, MN n°9997), Eros déguisé en Dionysos et chevauchant une panthère (triclinium 34, MN inv.9991), scène nilotique (seuil de l’exèdre d’Alexandre, MN n°9990), emblema avec lion (oecus 32), laissé in situ et aujourd’hui désintégré .

Les opinions sur les lieux et les temps de la confection de ces mosaïques sont divisées. Certains y voient l’œuvre d’une boutique de mosaïstes locaux, nourris de culture hellénistique, commandités par le propriétaire samnite de la maison du faune qui aurait fait partie de la classe des mercatores en relation avec l’Egypte. D’autres, se fondant sur l’exceptionnelle qualité de ces œuvres et sur le fait qu’elles ont été probablement effectuées sur un support de bois avant d’être transférées dans les différentes pièces de la maison du Faune, y voient le résultat d’achats faits par un riche propriétaire samnite à l’étranger ou d’une importation en Italie de mosaïques de grande qualité trouvées dans le monde hellénistique. On indique à ce sujet Alexandrie d’Egypte à cause de la scène nilotique sur le seuil de l’exèdre d’Alexandre. De ce point de vue, le caractère relativement grossier de la mosaïque des colombes (ala 29), qui tranche avec la finesse des autres mosaïques, suggère que cette dernière mosaïque aurait bien été un produit local, fait peut-être pour remplacer une mosaïque antérieure qui se serait désagrégée avec le temps. Toutes les autres seraient venues de l’Orient ou de l’Egypte 

L’œuvre de loin la plus remarquable trouvée dans la maison du Faune est la grande mosaïque dite « d’Alexandre » (MN inv.10020), qui ornait l’exèdre (37) située entre le premier et le second péristyle. Sa découverte le 24 Octobre 1831 a impressionné le monde archéologique et émerveillé les  cercles artistiques. La maison avait été alors brièvement baptisée « Casa di Gran Mosaico ». Les deux mosaïques qui ornaient cette exèdre 37 – la mosaïque nilotique ornant le seuil et la « mosaïque d’Alexandre » –  furent par la suite détachées et transportées en 1843 – non sans difficultés – au Reale Museo Borbonico (futur musée archéologique national de Naples). 

La mosaïque d’Alexandre est ainsi appelée à cause du fameux personnage historique qui y figure, et que la mosaïque célèbre. Il s’agit d’une œuvre monumentale de 5,12 m sur 2,71 m, (5.82 sur 3.13 m avec sa bordure géométrique), réalisée en opus vermiculatum, composée de plus d’un million de minuscules tesselles de 5 mm de côté. Elle occupe le centred’une exèdre de 7,91 m de long (est-ouest) et 4,93 m de large (nord-sud). Cette exèdre donne de plain-pied au sud, sur le premier péristyle, par une large ouverture de 3,58 m, entre deux colonnes de couleur rouge de 4,70 m de haut, et s’ouvre au nord sur le second péristyle au travers d’une large baie de 6,95 m de large. Une murette de 50 cm de hauteur sépare l’exèdre de ce second péristyle. Cette mosaïque représente une bataille entre l’armée grecque située sur le côté gauche conduite par Alexandre le Grand, monté sur son cheval Bucéphale, et l’armée perse, située sur le côté droit, conduite par son adversaire, le roi perse Darius III Codoman, debout sur son char et que le cocher retire de la bataille pour le mettre à l’abris. Il pourrait s’agir soit de la bataille d’Issus en 333 av. J.-C., soit de celle de Gaugamèles en 331 av. J.-C., batailles où Alexandre et Darius furent des protagonistes directs 

L’opinion la plus commune à son sujet, défendue en particulier par Ada Cohen qui y a consacré une importante étude est que l’œuvre aurait été composée sur place, entre 120 et 100 av. J.-C. Cette datation a été proposée par différents auteurs, en particulier B. Andreae, sur la base de la chronologie attribuée à l’exèdre 37 et en raison du dessin géométrique de sa bordure avec ses quatre rosettes, une à chaque angle. Il s’agirait donc chronologiquement, comme le dit A. Cohen, d’une œuvre « romaine », s’insérant dans le contexte politique romain de la fin de la République. En employant le terme « romain » pour qualifier ce travail, ces auteurs toutefois n’entendent pas simplifier la genèse de la mosaïque, qui porte à l’évidence une marque hellénistique. De fait, ces mêmes auteurs conviennent de voir dans cette mosaïque, en dépit de sa réalisation pompéienne, une copie fidèle de ce qui aurait été une peinture grecque exécutée à la fin du IVe siècle av. J.-C., vers 330-310 av. J.-C., peut-être pour décorer un palais macédonien, par exemple celui de Pella.  Plus précisément, cette même opinion commune s’est accordée à voir dans la mosaïque d’Alexandre une copie d’une fameuse peinture dont parle Pline l’ancien, qui aurait été exécutée par le peintre grec Philoxenos d’Érétrie vers la fin du IVe siècle av. J.-C., pour le diadoque Cassandre (301-297 av. J.-C.) et qui aurait pu représenter la bataille d’Issus (1er novembre 333). Pour Paolo Moreno, la peinture originelle serait toutefois à rapporter au célèbre Apelle et représenterait non pas la bataille d’Issus mais celle de Gaugamèles (331 av. J.-C.) Alexander William Byvanck suggère quant à lui que l’auteur qui a projeté le modèle peint dont s’est inspirée la mosaïque n’a pas voulu en fait représenter une bataille déterminée, où Alexandre et Darius se seraient confrontés, car la situation représentée sur la mosaïque ne s’est présentée ni pendant la bataille d’Issos, ni pendant celle de Gaugamèles. L’auteur du tableau aurait créé une scène idéale, présentant les deux rois dans une situation spéciale où ils auraient révélé un part d’eux-mêmes. Comme la présentation d’Alexandre dans la mosaïque n’entre pas dans les représentations conventionnelles du roi, telles qu’elles ont été faites après sa mort, le tableau qu’aurait reproduit la mosaïque aurait donc été peint, selon A. W. Byvanck, entre la défaite de Darius, en 331 av. J.-C. et la mort d’Alexandre, en 323 av. J.-C.  

L’opinion voyant dans la mosaïque d’Alexandre une réalisation pompéienne, in situ, a l’avantage de faire bien cadrer mosaïque et architecture, à tel point d’ailleurs que certains auteurs comme E. Dwyer ont voulu voir dans la maison du Faune une réalisation en un temps, selon un plan unifié combinant architecture et décoration.  Elle a aussi l’avantage d’écarter l’idée d’une confection hors de Pompéi suivie d’un transport, avec toutes les difficultés et les risques que cela pouvait représenter à l’époque. 

Cependant , une telle interprétation a des faiblesses. La première tient aux caractéristiques physiques de la mosaïque d’Alexandre que tous s’accordent à reconnaitre unique en son genre, tant par ses imposantes dimensions que par l’absence totale d’une autre mosaïque comparable dans l’ensemble des sites vésuviens explorés jusqu’ici, Pompéi, Herculanum, Stabies et Oplontis. Une seule mosaïque comparable et datant de la même époque est connue. Il s’agit de la mosaïque à motif nilotique de Préneste (Palestrina) dont les dimensions dépassent celles de la mosaïque d’Alexandre, avec ses 5, 85 mètres de large et ses 4, 31 mètres de hauteur.  A cause de son sujet nilotique la mosaïque de Préneste rappelle, toutes proportions gardées, la mosaïque à sujet nilotique de l’exèdre 37 de la maison du Faune. Toutefois la mosaïque de Préneste semblerait un peu plus récente que la mosaïque d’Alexandre si celle-ci venait à être considérée comme une œuvre « romaine » (G. P. Meyboom suggère une réalisation peu avant l’arrivée au pouvoir de Sulla, vers 100 av. J.-C.). 

La seconde faiblesse de l’hypothèse d’une création in situ tientà l’arrivée relativement tardive et discrète du pavement en mosaïque dans les sites vésuviens. Tandis que les mosaïques avaient commencé à apparaitre dès le IIIe siècle av. J.-C. en Grèce et dans le monde hellénistique, sous forme de mosaïques à galets (« peeble mosaics », « ciottoli ») ce n’est que vers la fin de la période du premier style, au cours du Ier siècle av. J.-C., que les premières mosaïques ont fait leur apparition à Pompéi. Elles se caractérisaient alors par un tableau central, carré, figuratif – emblemata -, inséré dans un pavement sans décoration, en tesselles blanches. Comme le fait observer Mariette de Vos le pavement en mosaïque ne couvrait à Pompéi au moment de l’éruption de 79 après J.-C. que 2, 5% des sols, contre 7% pour le pavement en ciment, et ces mosaïques se trouvaient concentrées dans quelques maisons. Dans la Regio I de Pompéi par exemple, 75% de la surface faite en mosaïque se situe dans trois maisons. Les 40 « emblemata » connus à Pompéi sont distribués dans seulement 21 maisons. Plus troublant est le fait que dans la période pré-syllanique de Pompéi, quand la cité était encore indépendante de Rome et n’avait pas encore reçu les colons installés par le dictateur, les pavements à Pompéi étaient très simples. Beaucoup d’entre eux étaient encore en terre battue, comme il était de règle à cette époque à Pompéi, et ce jusqu’au début du IIe siècle av. J.-C.  La grande innovation durant ce second siècle a été l’introduction du pavement en cocciopestoopus signinum –dans lequel le ciment est mélangé à de petits fragments d’amphores ou de tuiles. Cet opus signinum peut être décoréde tesselles formant des motifs géométriques, losanges, méandres, svastikas, mais il ne s’agit pas de mosaïque. C’est le pavement en opus signinum décoré de tesselles blanches qui, à Pompéi, se trouve associé de façon élective à la décoration murale du premier style au cours du IIe siècle et jusqu’au début du Ier siècle av. J.-C. Compte tenu de sa décoration en premier style, la maison du Faune aurait dû présenter un ensemble de sols en opus signinum et non la prestigieuse collection de mosaïques avec emblema qui la caractérise. De plus, on s’explique mal l’excellente qualité et la finesse de la figuration des emblemata trouvés dans la maison du Faune, si ces mosaïques remontent réellement au IIe siècle av. J.-C. 

Le troisième argument qui va contre la théorie d’une réalisation in situ de la mosaïque d’Alexandre est d’ordre historique et géographique. Pourquoi trouve-t-on une telle représentation, sur un tel sujet, à Pompéi, loin dans le temps et dans l’espace des exploits militaires du roi macédonien ? Comment expliquer, écrit F. Zevi que le principal témoin figuratif d’un événement historique notable comme celui de la victoire d’Alexandre sur Darius se trouve dans la péninsule italienne, c’est-à-dire, paradoxalement, dans un territoire demeuré hors de l’orbite des conquêtes du Macédonien ? Pour expliquer le choix d’un tel sujet dans une ville qui n’avait aucune raison particulière de célébrer ou de se souvenir de cette victoire différentes hypothèses ont été avancées, au premier rang desquelles celle d’un marchand enrichi par ses contacts avec l’Egypte ptolémaïque, voire lié à la cour d’un des Ptolémées régnant à Alexandrie. Mais, si une telle familiarité avec le monde hellénistique égyptien expliquerait bien la présence du seuil en mosaïque à caractère nilotique qui est associé dans l’exèdre 37 à la mosaïque d’Alexandre, elle explique par contre bien moins la disposition en ce lieu de la mosaïque d’Alexandre elle-même, qui n’a rien de nilotique, et parait plutôt macédonienne par sa taille et son sujet historique. La présence d’un tel pavement implique que le propriétaire qui l’a fait installer dans la maison du Faune ait d’abord eu l’occasion de voir une œuvre magistrale, en peinture ou en mosaïque, représentant la bataille d’Issus (ou de Gaugamelès), et que ce modèle l’ait si vivement impressionné et inspiré qu’il en ait ordonné l’exécution d’une copie en opus vermiculatum pour en orner sa demeure. Mais où ce Pompéien aurait-il pu trouver une tel modèle ? Il n’y a guère qu’en Macédoine, et plus particulièrement à Pella, qu’une telle œuvre commémorative, à la gloire de la dynastie macédonienne, aurait pu se concevoir.

Pour répondre à cette troisième objection, Heinrich Fuhrmann a formulé une ingénieuse hypothèse qui lie la mosaïque d’Alexandre à la capitale royale macédonienne. Selon lui, le propriétaire de la maison du Faune aurait pu être un Pompéien qui, en tant que membre d’une cité alliée à Rome, aurait participé avec honneur à la guerre macédonienne conduite par L. Aemilius Paulus contre le roi macédonien Persée, couronnée par la victoire de Pydna en 168 av J.-C. Cet homme aurait pu admirer le tableau de Philoxenos représentant la bataille d’Issos dans une des salles du palais royal de Pella où elle aurait été placée une fois achevée. Il en aurait été impressionné et en aurait tiré inspiration pour la décoration de la pièce d’apparat qu’il projetait d’aménager au cœur de sa future habitation. Cette explication de Fuhrmann ne convainc toutefois qu’en partie Fabrizio Pesando Celui-ci estime en effet que « trop d’années sont passées » entre la date de la conquête de la Macédoine et la mise en œuvre de la mosaïque d’Alexandre pour justifier un « rapport de causes aussi étroit ». Elle ne convainc pas non plus Fausto Zevi qui ne voit pas comment la commémoration de la victoire d’Alexandre aurait pu servir à célébrer la bataille de Pydna, avec l’écoulement d’au moins deux générations entre les deux évènements. 

Fabrizio Pesando a repris d’une autre façon l’hypothèse de H. Fuhrmann pour mieux la faire cadrer avec la date présumée de l’achèvement de la maison du Faune, vers la fin du IIe siècle ou le début du Ier siècle av. J.-C.  Il fait justement remarquer qu’une mosaïque comme celle d’Alexandre, d’une telle dimension et avec un tel sujet, évoquait une commémoration. Selon lui, les dynasties hellénistiques ayant succédé à Alexandre auraient désiré reproduire dans leurs palais certains chefs-d’œuvre de son époque, rappelant ce passé glorieux. Ils l’auraient fait sous forme de copies en mosaïque placées comme pavement dans les salles de réception de leurs palais. De fait, les grands palais privés mis au jour à Pella présentent des pièces de représentations décorées de mosaïques en petits galets, dans lesquelles étaient reproduites certaines peintures fameuses. De telles mosaïques se seraient en particulier trouvées dans le palais d’Archelaus (« maison du rapt d’Hélène »), comme la centauromachie et le rapt d’Hélène peints par Zeuxis ou la chasse au cerf attribuée à Melanthios. Pour F. Pesando, le propriétaire de la maison du Faune aurait été inspiré par un des chefs d’œuvre de l’époque d’Alexandre ramenés de Pella à Rome dans l’immense butin de la guerre macédonienne, et ce serait cette œuvre, illustrant une des batailles entre Alexandre et Darius qu’il aurait voulu faire reproduire, en mosaïque, dans l’exèdre de sa demeure, en imitant ainsi ce qui se faisait auparavant dans les cours macédoniennes. Pour F. Pesando, ce ne serait toutefois pas l’influence de Pella mais celle d’Alexandrie qui se sentirait dans l’ensemble achevé de la construction unifiée et monumentale que représente la maison du Faune, à la fin du second siècle av. J.-C. 

Cette hypothèse a sa valeur parce qu’elle n’a pas à tenir compte de l’ancienneté de la bataille de Pydna et qu’elle peut placer l’installation de la mosaïque d’Alexandre dans son Exèdre au début du Ier siècle av. J.-C. Mais l’idée qu’un chef d’œuvre peint de l’époque d’Alexandre, représentant la bataille d’Issus, ait pu se trouver dans le butin de la guerre de Macédoine amené à Rome en 167 av. J.-C. est purement hypothétique, car on ignore en fait le contenu précis du butin ramené par Paul Émile.  De plus, il aurait fallu que le chef d’œuvre en question soit accessible pour pouvoir être copié par les mosaïstes commandités par le propriétaire de la maison du Faune. Ceci pose problème si cette œuvre faisait partie du butin public, apporté par Paul Émile au Sénat et au Peuple Romain. 

Pour toutes ces raisons, il apparait difficile d’admettre que la mosaïque d’Alexandre ait été réalisée in situ, à partir d’un modèle connu par le propriétaire de la maison du Faune. Peut-on à l’inverse supposer que la mosaïque ait été réalisée hors de Pompéi en s’inspirant d’une peinture macédonienne et qu’elle ait été transférée par la suite dans la maison du Faune ? 

Alexander William Byvanck a relevé sur la mosaïque d’Alexandre des indices qui suggèrent qu’il y a eu effectivement transport puis redimensionnement local de l’œuvre. Cet auteur estime que les graves dégâts subis par la mosaïque au cours de son histoire, qui ont eu pour conséquence la perte, sur le côté gauche de la mosaïque, d’une large partie de la représentation de l’armée macédonienne, ne sont pas imputables au seul tremblement de terre de 62 après J.-C., comme on a coutume de le dire, mais qu’ils auraient pu être en partie antérieurs, en lien avec une dégradation de la mosaïque entre le temps de sa création et le temps de son transfert à Pompéi, et aussi en lien avec le détachement, le transfert, et l’implantation de la mosaïque dans l’exèdre de la maison du Faune. Byvanck observe de plus que la mosaïque a dû être adaptée aux dimensions de l’exèdre où elle a été placée. Le prouveraient la bande de couleur foncée manifestement ajoutée au bas de la mosaïque et la bande de couleur claire que Byvanck distingue le long de la partie supérieure. Ce serait lors de l’installation de la mosaïque dans l’exèdre de la maison du Faune qu’aurait été ajouté le pourtour à dessin géométrique avec rosettes aux angles, plus récent que la mosaïque elle-même, et qui a porté certains à dater par erreur du début du Ier siècle av. J.-C. l’ensemble de la mosaïque d’Alexandre. La mosaïque aurait été raccourcie dans sa longueur pour la faire entrer dans l’exèdre. On aurait pour ce faire réduit l’extrémité droite de la mosaïque, ce dont témoigne l’amputation des sujets situés dans cette extrémité droite, un cheval de Darius perdant ainsi sa patte avant gauche, et un soldat perse, vu de dos, perdant la moitié droite de son corps. On aurait aussi rétréci la largeur de la partie centrale de la mosaïque, entre les deux groupes d’Alexandre et de Darius, ce qui explique les difficultés d’interprétation de cette partie. Il manque en effet dans cette partie la place nécessaire pour un cheval s’enfuyant vers le fond. La tête d’un Perse dont les formes restent curieusement vagues couvre partiellement la tête de ce cheval dont on ne voit pas le corps. La roue droite du char de Darius est aplatie d’une manière déconcertante. Sous la patte avant gauche du cheval monté par le Perse qui tient son glaive vertical devant le visage se trouve la jambe d’un personnage vu de l’arrière dont le corps n’apparait pas au-dessus de la patte.  Entre la tête de ce cheval, sur la gauche, et la draperie recouvrant le char de Darius, sur la droite, se voit une partie en bois d’une lance dont ni le commencement ni la fin ne sont visibles. Byvanck obtient une reconstruction plausible de l’état initial de la mosaïque en enlevant les bandes rajoutées à la mosaïque en haut et en bas et coupant par le milieu la photographie de la mosaïque d’Alexandre pour écarter les deux parties ainsi obtenues en sorte que le bois de la lance vue au centre s’aligne sur son extrémité vue à gauche, passant dans l’arbre au-dessus d’Alexandre. On obtient avec ces modifications un long tableau en forme de frise qui devait correspondre à l’état original de la mosaïque dans son premier emplacement. Comme le dit Byvanck « la composition devient plus grandiose. Le mouvement de la bataille s’accentue et le combat s’arrange mieux parce que les deux groupes principaux sont séparés par une distance plus prononcée […] Le roi (Darius) n’étend plus la main vers son adversaire », ce qui n’avait guère de sens, « mais vers le Perse qui se fait tuer » par Alexandre « pour sauver son souverain ». Un distance plus grande sépare le cheval tombé du cheval qu’un Perse descendu à terre tient à la disposition du Roi, ce qui rend la scène plus compréhensible. La thèse de Byvanck a été reprise plus récemment par Michael Donderer, qui suggère que la mosaïque aurait été importée par sections de quelque endroit du monde méditerranéen oriental, peut être d’un palais hellénistique.  

Si la mosaïque d’Alexandre n’a pas été faite sur place, mais est venue d’ailleurs, comment et pourquoi a-t-elle pu arriver à Pompéi ? G. Sauron a apporté une intéressante réponse à cette question en s’appuyant en partie sur les réflexions de F. Pesando. Ce dernier avait en effet rappelé la tradition développée dans le monde des cours macédoniennes et qui voulait que l’on réalise en mosaïque des copies des chefs d’œuvre peints de l’époque d’Alexandre. Il est donc tout à fait possible que les souverains macédoniens, descendants d’Alexandre, aient ainsi fait faire des copies de fresques qui célébraient, dans le palais de Pella, les hauts faits d’Alexandre. Ces mosaïques de grande taille auraient pu orner les pavements des grandes salles de réception de leurs palais, en particulier celui de Pella. Parmi ces copies aurait pu se situer celle du fameux tableau d’une bataille entre Alexandre et Darius III réalisé par Philoxenos d’Érétrie. Or, en 168 av. J.-C., le général romain L. Aemilius Paulus, après avoir vaincu Persée, a procédé à un pillage systématique des palais royaux, ce qui lui a rapporté un énorme butin et fait de son triomphe à Rome, qui a duré trois jours, un des plus brillants sur le plan des richesses ainsi exposées (Plutarque, Paul Émile, 32-33). Il est très possible que les mosaïques de prix qui ornaient les salles royales du palais de Pella aient fait partie du butin. Il ne reste en effet aucune trace des pavements de ce palais, et tout porte à croire qu’ils ont disparu lors d’un pillage. 

Selon G. Sauron, reprenant ici l’hypothèse de Fuhrmann, le propriétaire de la maison du Faune aurait été un notable de Pompéi qui aurait participé dans un contingent d’« alliés » (socii) à la bataille de Pydna en 168 av. J.-C. au cours de laquelle le dernier roi de Macédoine, Persée, avait été vaincu par le Romain Paul Émile.  De fait, l’armée du général romain comportait de tels contingents de Samnites, de Péligniens et de Marrucins (Tite Live XL, 5). On peut imaginer que cet homme, ayant acquis quelque mérite aux yeux de Paul Emile à cause d’un bon comportement à la bataille, aurait pu recevoir du général une récompense tirée du butin macédonien, sous forme de quelques précieuses mosaïques provenant du pillage du palais de Pella. La mosaïque d’Alexandre en aurait fait partie.  

Cette proposition de G. Sauron est éclairante, mais se heurte à trois difficultés. La première objection concerne le transport de la mosaïque. Quand on sait les difficultés rencontrées par les ouvriers en 1843 pour détacher du sol le bloc portant la mosaïque d’Alexandre et le transférer à Naples, on imagine qu’en 168 av. J.-C., le détachement de la mosaïque et son transport devaient être encore plus problématiques. Mais les marins et ingénieurs de l’antiquité romaine étaient habitués à transporter de lourdes charges sur de long parcours, comme en témoigne le transport à Rome des obélisques égyptiens. Le transfert en Italie des spoliations réalisées par les Romains dans les différents territoires qu’ils venaient à conquérir puis gouvernaient avait dû aussi habituer leurs transporteurs, sur terre et sur mer, à faire face à des charges lourdes et volumineuses. C’est pourquoi le transfert en Italie d’une mosaïque, même de grande taille, ne devait pas constituer pour eux une entreprise excessive.  

La seconde objection tient à la date à laquelle se serait effectué ce transfert de Macédoine à Pompéi. Si le propriétaire de la maison du Faune avait combattu à Pydna et, de ce fait, obtenu d’avoir sa part du butin, le transfert de ce matériel à Pompéi aurait dû avoir lieu peu après 168 av. J.-C., soit près de la date présumée par les archéologues (180 av. J.-C.) pour le début de la construction de la maison du Faune, au IIe siècle av. J.-C. Le propriétaire de la maison du Faune, s’il était en possession d’un lot de mosaïques prises à Pella, aurait dû toutefois attendre quelques années avant de pouvoir les installer dans sa demeure. Celle-ci ne fut en effet complétée qu’à la fin du second siècle av. J.-C., si l’on en croit l’architecture et la décoration de la partie nord de la Domus. Or l’exèdre où a été installée la mosaïque d’Alexandre faisait partie de cette partie nord. C’est cette objection qu’élève F. Pesando à l’égard des thèses qui soutiennent un rapport entre la conquête de la Macédoine et la création de la mosaïque d’Alexandre. 

La troisième objection concerne le type de la mosaïque ainsi exportée, car il s’agit d’une œuvre en opus vermiculatum, alors que les mosaïques qui ont été trouvées dans la partie hellénistique de la cité royale de Pella sont toutes à galets L’argument n’est pas cependant rédhibitoire car les mosaïques prélevées par le propriétaire de la maison du Faune auraient pu se situer dans le palais lui-même, et être de confection récente, donc à tesselles.  Comme on situe l’« invention » de la mosaïque à tesselles au cours du IIIe siècle av. J.-C., en Sicile et au même moment en Grèce, des pavements de ce type plutôt qu’à galets auraient pu être installés dans le palais de Pella dès cette époque, avant la conquête de la Macédoine par les Romains. Mais, en l’absence de restes de pavements dans le palais royal de Pella, cette supposition ne peut être assurée. 

En résumé, la datation et le lieu de la confection de la mosaïque d’Alexandre de la maison du Faune à Pompéi ont donné lieu à des interprétations divergentes. L’hypothèse communément admise d’une création sur place par une équipe très compétente de mosaïstes chevronnés semble difficile à admettre, car, à l’époque où l’on situe la création de la mosaïque d’Alexandre on en était encore, à Pompéi et à Herculanum, aux pavements en opus signinum avec décoration par rangées de tesselles blanches. La création de la mosaïque dans un atelier de haut niveau, hors de Pompéi, puis son acquisition par le propriétaire de la maison du Faune, et son transfert à Pompéi paraissent plus probables. La réduction de largeur qu’il a fallu opérer sur la mosaïque pour l’installer dans l’exèdre de la maison du Faune plaide en faveur d’un tel transfert. Dans cette perspective, l’hypothèse présentée par G. Sauron, qui voit dans l’importation de la mosaïque d’Alexandre à Pompéi le fruit du pillage du palais macédonien de Pella par les troupes romaines, apparaît crédible. Elle semble plus crédible en tout cas que l’hypothèse de F. Pesando supposant une « inspiration » du propriétaire de la maison du Faune au vu d’une pièce du butin macédonien ramené à Rome par Paul Émile. Elle a certes contre elle d’impliquer l’existence dans le palais de Pella de salles décorées par des mosaïques à tesselles, alors que les mosaïques antérieures à la conquête romaine trouvées dans les maisons de cette cité sont composées en petits galets. Mais elle a pour elle le grand mérite d’apporter une explication plausible à la présence étonnante et presque incongrue, à Pompéi, à la fin du IIe siècle av. J.-C., d’une vaste mosaïque en opus vermiculatum, représentant une scène de bataille entre Alexandre le Grand et Darius III advenue dans l’empire perse près de 200 ans auparavant.   

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2 A titre comparatif : maison des mosaïques géométriques, VIII, 2, 14-16, 3000 m2, maison du Centenaire , IX 8, 3-6, 2000 m2, maison d’Obellius Firmus (IX 14,4) 2200 m2, maison du Ménandre (I 10,4) 1815 m2, maison du Labyrinthe (VI, 11, 10) 990 m2, maison de Pansa 700 m2, maison des Noces d’Argent (V,2,1) 450 m2.

3 FABER A, HOFFMANN A, 2009.

4 Motif carré en mosaïque aux tesselles très fines occupant le centre d’un pavement en mosaïque de teinteuniforme, blanche en général, et ne portant aucune décoration.

5 GARCÍA Y GARCÍA L, 2006.


6 VOS M. de, 1993, p.81.

7 PERNICE E., 1938, p. 34-35, 90-95, 149-151, 155, 158-159, 161-164, 167-168, 173, 180.BOSCHETTI C, EONELLI C, MACCHIAROLA M, BERTONCELLO R, SADA C, CORRADI A, 2009, pp429-437.PESANDO F, 1997, pP. 80-130. ZEVI F, 1996, pp. 37-47, tab. 1-9. DE CARO S, 2010.

8 CAPALDO L., MONTCHARMONT U., 1989, pp. 53-68.

9 QUARANTA B, 1837, pP. 1-11, tab. LXII.

10 BECCHI G, 1833, pp. 1-2, tab. LV.

11 PESANDO F., 1997, p. 103.

12 NICCOLINI A, 1832, pp.1-87, tav. XXXVI a XLV. DUNBABIN K, 1999, pp. 40-43. COHEN A 1997. MILLER F, VANDOME AF, MCBREWSTER J., 2011.

13 Ibid, p. 122, note 318.

14 MAZONELLI D, 2004, pp. 54-57.

15 COHEN A, 1997.

16 ANDRAE B, 1977.

17 PLINE L‘ANCIEN, livre XXXV, 110 .

18 PFUHL E, 1923, pP. 755-765. FUHRMANN H, 1931.

19 MORENO P, 2001.

20 BYWANCK AW, 1955, p. 28-34.

21 DWYER E, 2001, pP. 328-343.

22 MEYBOOM P, 1995, p. 83.

23 WESTGATE R, 2000, pp. 255-275.

24 VOS M. de , 1991, pP. 36-60.

25 VASSAL V, 2006.

26 ZEVI F, 1997, pp. 385-397.

27 FUHRMANN H, 1931.

28 PESANDO F, “tra la data della conquista macedonica e quella della messa in opera del grande mosaicopassano in realtà troppo anni per poter giustificare un cosí stretto rapporto causale”, 1997, p. 123

29 ZEVI F, 1996, p.45.

30 PESANDO F, 1997, p. 123.

31 PETSAS P, 1965, pP. 41-55.

32 BYWANCK A. W. , 1955, p. 28-34.

33 DONDERER M., 1990, p. 1931.

34 SAURON G, 2009, p. 23.

35 PESANDO F, 1997, p. 123.

36 PETSAS P, 1978.

37 DUNBABIN K, 1994, pp. 26-40. ROBERTSON M, 1965, pP. 72-89.

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Collectionner sous le Second Empire : l’exemple du « Musée Rétrospectif » de 1865

par Nora Segreto

Communication présentée le 28 janvier 2016

Article publié le 28 mars 2019

Résumé:

Les collectionneurs et les collections ont été aussi bien des acteurs que des événements sociaux dominants au XIXème siècle, grâce au fait d’avoir compris et représenté la vocation didactique, pédagogique et éducative qui a traversé les décennies de l’Empire. Rendre l’art utile et plus proche du public, le populariser et le démocratiser, permettre sa jouissance, instruire et proposer des modèles esthétiques, éduquer les masses et contribuer au développement industriel et économique du pays, tel a été le rôle des collectionneurs sous Napoléon III et au cours des années suivantes.

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Les collectionneurs et les collections ont été aussi bien des acteurs que des événements sociaux dominants au XIXème siècle, grâce au fait d’avoir compris et représenté la vocation didactique, pédagogique et éducative qui a traversé les décennies de l’Empire, dont la République a hérité et dont elle s’est appropriée.

A l’époque des expositions universelles, de la course au progrès et du processus de développement économique, commercial, industriel et social, l’Etat français avait compris qu’il fallait s’appuyer sur l’art pour se garantir le plus grand succès au niveau international.

L’exposition universelle au Crystal Palace, en proposant pour la première fois une comparaison entre l’industrie anglaise et française, aurait pu marquer un moment décisif pour l’industrie manufacturière de l’Hexagone, en la poussant dans la direction de certaines industries de l’Angleterre, c’est-à-dire, celle d’une production mécanisée de masse. Mais les commentateurs français de l’époque voyaient la France réussir avec succès plutôt en investissant dans le style et dans la qualité des produits que dans les prix rabaissés et les grands volumes productifs. Il semblait véritablement que le succès de la France en 1851 à Londres soit dû au goût remarquable de ses consommateurs qui avait comme conséquence, seulement a posteriori, le discours sur les politiques économiques de la production[1]. En fait, la plupart des consommateurs des biens manufacturiers en France au XIXème siècle appartenaient aux classes moyennes, à une bourgeoisie urbaine qui demandait des produits à la mode et de haute qualité, des produits de luxe, qu’il s’agisse d’objets d’utilisation quotidienne, de vêtements ou d’objets d’art. Les raisons pour lesquelles la France répondait à cette demande, qui insistait sur la présentation et la qualité supérieure des marchandises, se trouvent dans l’importance accordée aux élites en France par rapport à l’Angleterre. Ce sont aussi les années du boom des grands magasins et des magasins de nouveautés, fruits de cette époque et de cet esprit, qui répondent à l’attente d’une clientèle qui se donne l’illusion de s’enrichir et de hausser son niveau de vie à travers l’acquisition des produits de consommation nouveaux, de luxe.

En suivant l’exemple anglais et son esprit libéral, promouvoir le luxe devint un moyen de contribuer à l’enrichissement de l’Etat ; la France s’appropria des conclusions du débat sur le luxe qui eut lieu en Angleterre dès le XVIIIème siècle, à l’époque du libéralisme économique, social et politique, de l’idéologie du progrès et du libre-échange. Selon les théories d’Adam Smith dans l’ouvrage Recherches sur la nature et les causes de la richesse des nations de 1776[2], la richesse individuelle est la base nécessaire pour un marché dynamique et pour la stimulation de l’économie. Toutefois, le débat ne se réduit pas uniquement à la sphère économique ; il s’agit aussi d’une réflexion sur la morale. Si on tente de concilier morale et économie, il faut affirmer que le luxe peut être considéré comme un moyen de civilisation et de cohésion sociale, et non pas comme un vice, une faiblesse, une corruption. En fin de compte, le luxe et la prospérité privées se transforment et se justifient en devenant des biens publics et, par conséquent, un moteur de la prospérité économique d’un pays, car ils peuvent être redistribués en faveur du plus grand nombre (on pourrait penser, par exemple, aux donations ou bien aux échanges). En tous les cas, l’idéologie positive qui va se développer est strictement liée au fait que l’on pense toujours à l’Etat, à son enrichissement et, donc, finalement, au bien commun.

En effet, le luxe devient « démocratique » quand il appartient, idéalement ou véritablement, à un nombre de personnes plus élevé et pas uniquement aux riches. C’est l’évolution de ce concept qui explique le succès des magasins de nouveautés que l’on vient de citer.

C’est aussi l’attitude de la masse à cet égard qui évolue, c’est-à-dire la prise de conscience du fait que l’art n’était plus l’exclusivité des artistes ou des aristocrates, et qu’il existait aussi d’autres expressions artistiques à la portée de tous, appelées art industriel.

C’est dans ce contexte de la seconde moitié du XIXème siècle qui s’affiche un vrai culte pour l’objet industriel, l’objet d’art industriel, qui pouvait être compris, apprécié et possédé parce qu’il était vu et perçu « plus proche » de soi, non seulement physiquement, mais aussi métaphoriquement. Un plus grand nombre de personnes purent posséder des objets d’art, et tout le monde pouvait profiter ne serait-ce que de leurs reflets dans l’enthousiasme et l’optimisme de la population, dans la richesse et la splendeur de la ville et de l’Etat modernes.

Adolphe Blanqui, spécialiste d’économie politique, a affirmé que « le résultat capital de l’Exposition pour les Français, c’est la reconnaissance universelle, absolue, incontestée, de leur supériorité en matière d’art et de goût… »[3]. En 1851, le Comte de Laborde, archéologue, homme politique et critique d’art français, dans son rapport sur la section de l’exposition anglaise consacrée aux applications des arts à l’industrie, avait souligné à quel point, pour les plus grands succès, y compris sur le plan économique, non seulement la valeur d’usage d’un produit était d’une importance fondamentale, mais aussi sa qualité esthétique. C’est pour cette raison qu’il fallait inclure l’art dans le dispositif industriel[4]. Quand on parle de production d’un objet d’art, ce qui est produit n’est pas seulement l’objet en soi, mais aussi son décor et sa qualité artistique. Il s’agit donc aussi d’un choix esthétique, d’un goût que l’on veut transmettre, voire imposer. Les œuvres d’art produites, reproduites et exposées deviennent des paradigmes, des modèles de ce qui est beau à l’époque actuelle. C’est en ce sens que l’œuvre s’actualise et se lie à l’industrie. En réalité, l’art était en relation avec l’évolution des temps et ses changements qui étaient permanents, dynamiques. Une exposition d’art était, par conséquent, le miroir de l’époque moderne, et une source d’instruction pour les visiteurs. Des collections qui se prêtaient à cette manifestation étaient, de leur côté, le miroir d’un goût, un modèle culturel sur lequel on voulait faire converger les tendances du public ; les œuvres d’art avaient donc une fonction sociale et éducative. Linda Aimone, dans son ouvrage Le esposizioni universali : 1851-1900 : il progresso in scena, affirme que « les expositions sont capables de nous restituer dans son ensemble la société de la seconde moitié du XIXème siècle. Emblèmes de progrès, modèle de classification, symboles des transformations en cours dans le monde de la production ou de la ville, disséquées et étudiées par secteurs, elles trouvent leur unité dans les études sur le goût, la mode, l’effet de surprise et de contamination dans le monde du précaire et de l’éphémère. »[5]. A travers les œuvres d’art, la France napoléonienne démontrait alors, d’un côté, l’état de son progrès, son pouvoir sur le marché et le succès obtenu ; de l’autre côté, elle cherchait à éduquer les masses et à canaliser leurs choix esthétiques grâce à la formation d’un goût. L’achat d’un objet de luxe produit industriellement donnait une sensation à la fois de modernité et d’élégance sobre et raffinée d’autrefois. 

Cette culture esthétique n’est pas exclusivement le reflet d’un choix personnel ou universel ; au contraire, un facteur social et politique, donc aussi, par définition, général et sensible aux mutations historiques, est apparu. Le goût des consommateurs représentait le moyen grâce auquel ils tentaient d’obtenir une légitimité sociale. Les objets d’art et le luxe symbolisaient le signe d’appartenance, directe ou indirecte, à une élite, la marque d’une identité qui promouvait un nouveau modèle de beauté artistique, caractérisée, comme on l’a déjà rappelé, par un goût raffiné, mais, en même temps, par des notions de confort et de praticité.

Quand le vice privé, le choix, la direction ou le goût de certains deviennent ceux du plus grand nombre, ou du moins, passent dans le domaine public, on assiste à l’enrichissement de l’Etat réel et idéal. Si l’Etat s’enrichit, lui aussi se rend capable d’enrichir, dans un cercle vertueux de renouvellement, de bien-être et d’exaltation communes que Laborde a appelé « la stabilité esthétique »[6], c’est-à-dire la capacité de l’Etat de s’approprier une définition d’art et de beauté individuelle dans le but de renforcer son pouvoir. Le futur de la puissance industrielle française dépendait, toujours selon Laborde, de la faculté de transformer le goût public.

C’est dans cette optique que les expositions universelles deviendront un test décisif, prouvant, avec leur caractère cosmopolite, qu’elles se prêtaient aisément à la promotion des valeurs nationales.

Les expositions universelles ont représenté des évènements qui ont changé la tendance dominante jusqu’à la seconde moitié du XIXème siècle, elles se sont chargées d’établir l’inventaire de tout ce que l’homme avait produit. Mais, étant donné que le but était pédagogique, on classait, mais on récapitulait également pour dresser un bilan, pour témoigner du chemin parcouru et pour poser des jalons afin de mesurer la progression à venir. Les expositions universelles ont un double visage : elles témoignent et elles anticipent. C’est aussi dans cet esprit, c’est-à-dire avec un objectif pédagogique bien clair, qu’en 1864, un groupe d’industriels et d’artistes industriels décide de fonder l’Union centrale des Beaux-Arts appliqués à l’industrie, qui prendra l’initiative, à partir de l’année suivante, d’organiser des expositions qui se proposaient de rendre hommage aux arts du passé pour les renouveler et les rendre vivants dans le présent, grâce aussi aux applications de la science et aux inventions de l’industrie. Pendant la course au progrès, il fallait légitimer cette idéologie du passé, ce grand retour à l’histoire et cette revendication de l’objet ancien qui devient inspiration de l’objet moderne. La mémoire du passé devient le moyen grâce auquel on peut rappeler des racines et une perception du temps communes et, à partir de ceux-ci, construire ou bien reconstruire une identité dans la contemporanéité. En fait, la vraie modernité est dans la capacité de se réinventer et non pas dans celle d’effacer ou d’oublier tout ce qui a été fait auparavant.

C’est toujours dans cet esprit qu’en 1865, un an après la formation de l’Union centrale, l’exposition d’art « Musée Rétrospectif » a été organisée. D’emblée, le terme de « rétrospective » nous rappelle l’intention de se tourner vers le passé, de résumer le travail qui a été fait pour se rendre compte de l’état de progrès auquel on est arrivé.

Le « Musée Rétrospectif », la première exposition organisée dans des salles du Palais de l’industrie de Paris par l’Union centrale ouvrit ces portes le 10 août 1865, deux ans avant la deuxième exposition universelle de Paris, celle de 1867. « Le Comité d’organisation de l’Union centrale des Beaux-Arts appliqués à l’Industrie a décidé qu’au moment où nos industriels se préparent au concours européen de 1867, une exposition d’objets d’art, d’industrie et d’ameublement des temps passés serait organisée par ses soins et à ses frais… un appel serait adressé à tous les principaux collectionneurs et propriétaires des objets les plus saillants de l’antiquité, du moyen âge, de la renaissance et des siècles derniers, de tous les pays, pour les inviter à prendre part à cette exposition, qui aura un véritable intérêt pour l’histoire de l’art et pour son application au développement de l’industrie »[7]. Il s’agit d’une exposition organisée, avant tout, pour les industriels français qui participaient au concours international de 1867. On a remarqué que la France à l’époque était convaincue de sa suprématie ou de la nécessité d’une suprématie dans le domaine de l’art et donc l’idée était que les industriels, pour pouvoir gagner des prix aux expositions universelles, auraient dû prendre inspiration des œuvres d’art, des lignes, des dessins et du décor des objets d’art pour réaliser leurs produits industriels. Mais comme le « Musée Rétrospectif » était public, le but alors n’était pas seulement celui d’instruire les industriels, mais aussi d’éduquer le plus large public à l’art, de proposer un modèle esthétique et de canaliser les choix esthétiques des visiteurs qui étaient également des consommateurs de la gamme supérieure et qui auraient pu ensuite acheter les objets produits sous base industrielle inspirés des œuvres qu’ils avaient admiré à l’exposition de l’Union centrale.

Afin que l’exposition soit la plus réussie possible, l’Union centrale lança un appel aux collectionneurs d’objets d’art décoratif en leur demandant d’y participer en prêtant les œuvres de leurs collections privées. Ce n’est pas alors seulement la pratique de la collection qui change sous le Second Empire, mais c’est aussi la figure du collectionneur qui a muté avec les temps et qui a évolué non seulement de curieux à amateur, mais aussi d’excentrique, qui garde ses richesses enfermées dans sa demeure, à mondain qui ouvre ses portes et exhibe ses biens. « Les musées de l’Etat, les grandes collections publiques renferment d’immenses richesses mises à la disposition de tous et dans lesquelles l’art et l’industrie modernes ont su puiser, dans ces derniers temps surtout, de si précieux enseignements ; mais des trésors en tous genres sont accumulés dans les galeries particulières où peu d’élus sont admis à pénétrer ; des objets d’un haut intérêt pour l’histoire de l’art sont disséminés de côté et d’autre»[8]. On ne collectionne plus pour son plaisir personnel, pour l’art de vivre aristocratique ni pour faire partie d’un groupe d’élite restreint. Ceux qui collectionnent des œuvres d’art ont un devoir, une fonction sociale : il fallait instruire toutes les classes sociales, ouvrir et montrer ses trésors et travailler dans cette direction. A travers cet esprit d’ouverture et la conscience du rôle pédagogique et didactique de ses collections, c’est notamment la bourgeoisie de la seconde moitié du XIXème siècle qui a voulu se légitimer comme nouvelle classe dirigeante et se distinguer d’une part de l’aristocratie et, de l’autre, des travailleurs dans le contexte socio-économique du libéralisme[9]. Effectivement, « la collection est un élément de prestige social à condition que son propriétaire organise autour d’elle une véritable sociabilité »[10].

Si la pratique du collectionnisme a représenté un fait dominant au XIXème siècle, c’est parce qu’elle a eu la capacité de capter les changements sociopolitiques et économiques de ces décennies et de se les approprier, en incarnant l’esprit éducatif et pédagogique de l’époque où eut lieu l’exposition rétrospective organisée par l’Union centrale en 1865.

Parmi les amateurs qui ont prêté leurs œuvres au Musée Rétrospectif, on trouve alors toute la bourgeoisie libérale qui se reconnaît dans ces idéaux. L’ensemble des catégories socio-professionnelles sont représentées : les banquiers, les hommes d’affaires, les hommes politiques et les diplomates, les industriels, les commerçants et les artistes. Selon l’idée, typiquement bourgeoise, de la réussite individuelle à travers l’esprit d’initiative, chacun pourrait s’enrichir grâce au travail, à des efforts et à la persévérance. En affirmant que tous les entrepreneurs ont la possibilité de s’enrichir et de s’élever socialement, on veut transmettre l’enthousiasme de l’application récompensée au niveau économique et social. C’est à ce moment-là que le collectionneur prend conscience du besoin de respectabilité dans le cadre du modèle bourgeois. Le collectionneur s’engage dans l’idée que sa fortune a un rôle dans la société ; il s’agit de la fonction éducative, scientifique et pédagogique que nous avons rappelée plusieurs fois. Le collectionneur reconnaît l’importance de son rôle d’utilité publique en s’insérant dans l’action politique et sociale de l’Etat ; en d’autres termes, il lui faut assurer le progrès social et maintenir la compétitivité économique à travers l’éducation à l’art. Pour sa part, l’art n’était plus à considérer comme étant strictement lié au collectionnisme, mais évalué comme un phénomène de consommation pour la collectivité[11]. En fin de compte, les objets exposés par les collectionneurs au Musée Rétrospectif ne sont que le bric-à-brac des appartements : tapis, céramiques, horloges et meubles avec une valeur esthétique au présent, mais une valeur d’usage au passé.

Les œuvres d’art étaient réparties en série, classées selon les différentes branches de l’art et de l’industrie, et identifiées grâce à un numéro d’ordre qui renvoyait à un inventaire spécial, à une description sommaire, au nom du propriétaire, et à la mention de leur valeur[12].

Les objets étaient exposés dans les salles du Palais de l’industrie en suivant un ordre chronologique et stylistique : au tout début, il était possible d’admirer les antiquités, notamment les marbres et les bronzes grecs et romains, mais aussi les terres cuites, les camées, les ivoires et les vases. Les antiquités occupaient les trois premières salles, tandis que la quatrième était dédiée à l’art chrétien, de sa naissance aux XVIIème et XIXème siècles, avec des Bibles, des manuscrits et des reliquaires ornés de pierres précieuses. L’espace d’exposition suivant était totalement réservé aux trésors de la famille Basilewsky, qui a réuni une vaste série d’objets retraçant une période historique presque complète allant de l’art chrétien des catacombes à la fin de la Renaissance. L’extraordinaire collection d’Alexandre Petrovic Basilewsky[13] méritait sans doute une place de prestige dans le cadre de l’exposition rétrospective ; il avait acheté, conseillé par Edmond Bonnaffé et Alfred Darcel, qui rédigera un catalogue en 1874[14], un nombre remarquable d’œuvres d’art décoratif qui faisaient partie des collections Debruge-Dumenil, Solitkoff et Pourtalès. Il y avait des ivoires, des verres, des diptyques, des pièces d’orfèvrerie et des émaux.

En continuant la visite du Musée Rétrospectif, on trouvait deux salles qui exposaient les richesses de la période de la Renaissance avec des chefs-d ’œuvres remarquables de Donatello, Mino da Fiesole, Luca della Robbia, Bernard Palissy, Perino del Vaga, Rosso ; les XVème et XVIème siècles, avec leurs sculptures, faïences, médailles, montres, armes, dessins, émaux et tapisseries constituent, avec l’époque moderne, la période la plus représentée. Mais avant d’entrer dans les trois salles dédiées aux siècles les plus récents, les pièces de la collection du prince et de la princesse Czartoryski étaient exposées. La « famille Czartoryiski, par exemple, a fourni à elle seule de quoi décorer magnifiquement une salle entière : damasquineries, reliures, tapisseries, cuirs repoussés, splendides étoffes, pièces d’orfèvrerie, armes, gemmes, bijoux, tout ce qui a été recueilli autrefois des meubles et joyaux ayant appartenu à la couronne de Pologne, a été exposé par cette illustre famille, avec bon nombre d’autres objets précieux qu’elle a hérités… »[15].

Ce n’est pas un hasard si les objets d’art datant du XVIIème et du XVIIIème siècle sont placés dans les dernières salles du parcours de l’exposition. Le principe de la pédagogie imposait un parcours chronologique qui présentait une histoire jusqu’à l’époque contemporaine des arts industriels, de l’art appliqué à l’industrie et de l’industrie qui produit des œuvres d’art. De plus, si l’on observe le catalogue de l’exposition, on remarque clairement cette volonté de montrer une progression dans les différentes catégories de l’art, car l’on retrouve des objets appartenant aux mêmes techniques qui avaient été identifiées pour les œuvres des époques les plus anciennes : sculptures, objets d’ameublement, orfèvreries, montres, armes, dessins, manuscrits, faïences et porcelaines.

Du côté du public, après tout ce que l’on a affirmé, il nous semble pouvoir dire que les collectionneurs ne cherchaient pas à apparaître en montrant leurs œuvres. Au contraire, en les exposant et en les offrant à la jouissance potentielle de tout le monde, ils légitimaient et justifiaient le niveau de richesse obtenue. Si l’on parle uniquement de l’exposition des œuvres et des objets d’art, il faut peut-être réfléchir au fait que la volonté de voir son propre nom écrit dans les salles du Palais de l’industrie ou dans un catalogue ne provenait pas du désir de se rendre immortel dans la mémoire des générations suivantes. On pense plutôt que le collectionneur du Musée Rétrospectif avait des exigences plus immédiates, plus proches dans le temps ; ce qui était le plus important, c’était le présent, l’image qu’il était capable de se donner dans la société contemporaine. En lisant son propre nom dans une liste ou à côté d’un objet d’art, l’amateur confirmait l’achèvement de son statut de collectionneur officiellement reconnu, et il s’insérait dans le cercle des bourgeois qui aimaient s’entourer des beaux objets de décoration, comme s’il s’agissait du résultat naturel du rôle social qu’ils représentaient. De plus, au moment où tous les efforts de la nation étaient dirigés vers le progrès et le développement de la culture, du travail, de l’industrie et de l’économie, le collectionneur se sentait protagoniste de ce « spectacle du changement »[16]  en qualité d’acteur qui joue un rôle en s’engageant à « entretenir en France la culture des arts qui poursuivent la réalisation du beau dans l’utile… aider aux efforts des hommes d’élite qui se préoccupent des progrès du travail national depuis l’école et l’apprentissage jusqu’à la maîtrise…exciter l’émulation des artistes dont les travaux, tout en vulgarisant chez nous le sentiment du beau et améliorant le goût public, tendent à conserver à nos industries d’art, dans le monde entier, leur vieille et juste prééminence »[17]. En exposant ses œuvres au public, alors, le collectionneur voit définitivement reconnu son rôle dans la société : formellement, celui d’une personnalité généreuse qui se dévoue pour le bien-être et l’enrichissement métaphorique et réel de l’Etat.

Ce qui se manifeste surtout à travers la donation de quelques pièces ou de la collection entière, c’est le désir d’entrer dans la postériorité. Mais, en 1865 et, plus en général sous le Second Empire, les donations étaient moins nombreuses que sous la Troisième République, où cette pratique connut un plus vaste développement.

Par ailleurs, il est très intéressant de souligner que, à l’exposition du Musée Rétrospectif, le public avait la possibilité de revoir des œuvres et des objets admirés dans les fameuses ventes publiques, et dont on avait perdu les traces. L’activité des collectionneurs devient alors encore plus utile car elle a pour but de retrouver et non pas de créer des œuvres d’art que l’on pensait perdues, que l’on voulait détruire ou qui n’avaient plus leur valeur d’autrefois. La majorité des collectionneurs opta en fait pour la vente, exprimant ainsi une autre philosophie. Dans son testament, Edmond de Goncourt nous offre un témoignage de cette idée : «ma volonté est que mes dessins, mes estampes, mes bibelots, enfin les choses d’art qui ont fait le bonheur de ma vie, n’aient pas la froide tombe d’un musée et le regard bête du passant indifférent. Je demande qu’elles soient toutes éparpillées sous les coups du commissaire-priseur et que la jouissance que m’a procurée l’acquisition de chacune d’elles soit redonnée, pour chacune d’elles, à un héritier de mes goûts »[18]. Nous pensons pouvoir expliquer le nombre réduit de donations jusqu’à la proclamation de la République, où les actes de philanthropie sont encouragés en premier lieu par l’Etat, grâce à l’idéologie des ventes aux enchères, à travers la volonté de faire revivre un objet, et l’image d’une redistribution des œuvres d’art qui vont nourrir et enrichir d’autres collections. Grand événement et spectacle social et mondain, la vente aux enchères permettait un échange culturel entre amateurs et, à la fois, un échange matériel d’objets, tout en mettant en exergue une communauté culturelle de bourgeois qui exprimaient leur réputation d’amateurs et trouvaient aussi dans ces occasions un moyen pour s’affirmer de nouveau publiquement et socialement. Cette idéologie de la vente correspond donc encore une fois à l’idéologie libérale, du libre-échange et de circulation des objets, ainsi qu’au goût et aux idées de l’époque.

Rendre l’art utile et plus proche du public, le populariser et le démocratiser, permettre sa jouissance, instruire et proposer des modèles esthétiques, éduquer les masses et contribuer au développement industriel et économique du pays, tel a été le rôle des collectionneurs sous Napoléon III et au cours des années suivantes. Les objets d’art, les expositions d’art, les ventes aux enchères, ainsi que les collectionneurs, les marchands et la communauté bourgeoise qui y tournait autour ont représenté l’idéologie libérale de l’époque et ont permis de créer une identité collective.


[1] WALTON, Whitney, France at the Crystal Palace: bourgeois taste and artisan manufacture in the nineteenth century, Berkeley, University of California press, 1992, p. 5.

[2] SMITH, Adam, Recherches sur la nature et les causes de la richesse des nations, Londres, W. Strahan and T. Cadell, 1776.

[3] BLANQUI, Adolphe, Lettres sur l’Exposition universelle de Londres, Paris, Capelle, 1851, p. 107.

[4] «  Les nations étrangères se rencontrèrent donc, en quittant l’Exposition, dans cette pensée commune, qu’il ne suffisait pas d’avoir des machines, du charbon de terre, des capitaux ; qu’il fallait encore avoir du goût; et […] elles résolurent de faire les plus grands sacrifices pour, à l’imitation de la France, encourager les arts, non plus seulement du point de vue des jouissances supérieures, mais sous l’influence des préoccupations les plus positives et les plus graves, dans le but de développer l’industrie, le bien-être des peuples et la puissance des Etats. » LABORDE, Léon de, De l’union des arts et de l’industrie (Rapport sur les Beaux-Arts et sur les industries qui se rattachent aux Beaux-Arts), vol 1, Paris, 1856, p. 385.

[5] AIMONE, Linda, Le esposizioni universali: 1851-1900: il progresso in scena, Turin, Allemandi e c, 1990, p. 9.

[6] WALTON, 1992, pp. 197-198.

[7] Union centrale des beaux-arts appliqués à l’industrie, Exposition de 1865. Palais de l’industrie. Musée rétrospectif, Catalogue, Paris, Librairie centrale, Julien Lemer libraire-éditeur, 1867, pp. V-VI.

[8] Union centrale des beaux-arts appliqués à l’industrie, 1867, p. VI.

[9] WALTON, 1992, p. 26.

[10] MARTIN-FUGIER, Anne, La Vie d’artiste au XIXe siècle, Paris, Audibert, 2007, p. 333.

[11] CATALDO, Luciana, PARAVENTI, Marta, Il museo oggi. Linee guida per una museologia contemporanea, Milan, Hoepli, 2007, p. 30.

[12] Union centrale des beaux-arts appliqués à l’industrie, 1867, Articles 5-6, p. X.

[13] Alexander Petrovic Basilewsky (1829- 1889), membre du corps diplomatique russe, était un grand amateur d’art qui avait réuni une remarquable collection d’œuvre qu’il a dû vendre en 1885 pour des changements au niveau de fortune économique. La collection Basilewsky fut acheté par le tzar Alexandre III et, maintenant, elle se trouve à Saint-Pétersbourg au Musée de l’Hermitage.

[14] DARCEL, Alfred, BASILEWSKY, Alexander, Collection Basilewsky, catalogue raisonné, Paris, A. Morel, 1874.

[15] BLANC, Charles, in : « L’Union centrale des beaux-arts appliqués à l’industrie », Gazette des Beaux-Arts, XIX, 1865, p. 201.

[16] PLUM, Werner, Les expositions universelles au 19ème siècle : spectacle du changement socio-culturel, Bonn, Friedrich-Ebert-Stiftung, 1977.

[17] Union centrales des beaux-arts appliqués à l’industrie, Catalogue des œuvres et des produits modernes. Exposition de 1869 de l’Union centrale des beaux-arts appliqués à l’industrie, Paris, Union centrale, 1869, p. 10.

[18] SALMON, Pierre, De la collection au musée, Neuchâtel, A la Baconnière, 1958, p. 91.

Liste officiel des collectionneurs-prêteurs au « Musée Rétrospectif » de 1865.

Collectionneurs-prêteurs au « Musée Rétrospectif » de 1865 qui ne sont pas mentionnés dans la liste officielle.

TABLE DES ILLUSTRATIONS

Fig. 1   Terres cuites, appartenant à MM. Jadis, le marquis du Lau d’Allemans

Fig. 2   Urne étrusque, collection Castellani

Fig. 3   Fers de hallebardes, collection Spitzer

Fig. 4   Pot en faïence de Beauvais, aiguière en cuivre doré et pot en argent repoussé, collection Comte d’Yvon

Fig. 5   Faïences, collections Burty, Fleury, Gasnault, Leblant, Moreau, Salin

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Le galop conquérant au service de l’empire ? La place des équidés dans l’expansion néo-assyrienne (884-627 av. J.-C.)

par Margaux Spruyt

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Communication présentée le 28 janvier 2016

Article publié le 18 janvier 2019

La question du discours idéologique véhiculé par les reliefs néo-assyriens n’est pas un sujet nouveau. De nombreux chercheurs, tels qu’Irene Winter, ont déjà tenté d’observer les bas-reliefs comme des supports de choix pour le développement d’une véritable « grammaire »[1]. C’est en appliquant les méthodes d’analyses structuralistes, développées par Roland Barthes, qu’I. Winter arrive à la conclusion que les reliefs néo-assyriens font partie d’un vaste appareil rhétorique ayant pour fonction de promouvoir l’idéologie royale et de servir le pouvoir. Mais quel est donc ce pouvoir ? Comment se définit-il ? Le personnage central de l’empire néo-assyrien est le Roi. Sa gouvernance repose sur trois aspects caractéristiques dépendant les uns des autres : un pouvoir absolu détenu par un seul homme, une violence sans mesure dans les conflits armés et une importante activité symbolique[2], véhiculée notamment par les bas-reliefs. Si l’on possède aujourd’hui encore de nombreux exemples de ces derniers, il convient de noter que tous les rois assyriens n’ont pas développé de réels programmes iconographiques sculptés. Aussi, pour cette étude, le choix a été fait de ne prendre en considération que les reliefs datant des règnes d’Assurnasirpal II (884-869 av. n. è.), Sargon II (722-705 av. n. è.) et Assurbanipal (669-627 av. n. è.), tous parfaitement représentatifs de l’art assyrien. Le roi est représenté prenant part aux diverses actions, qu’elles soient cynégétiques ou guerrières ; il y figure même en bonne place, véritable maître d’œuvre. Préférer représenter ses succès militaires, c’est vouloir asseoir sa légitimité sur le trône tout en insistant sur la politique expansionniste de l’empire. Celle-ci est rendue possible par des techniques de guerre avancées soutenues par des corps d’armée développés et organisés, tels que les fantassins, mais aussi la charrerie et la cavalerie qui rendent les prises de villes plus rapides. Ainsi, l’empire est marqué par une utilisation importante des équidés et plus particulièrement des chevaux qui constituent une part non négligeable des tributs annuels perçus par l’empire avant le départ pour de nouvelles campagnes expansionnistes[3]. Le cheval apparaît comme un élément indissociable des succès impériaux. Sa présence fréquente sur les reliefs participe à la fonction de l’image et au discours qu’elle promeut. L’étude de la figuration de ces animaux soulève de nombreuses questions parmi lesquelles celle de la manière dont les équidés sont dépeints, mais aussi celle de l’idéologie qui s’attache à cette représentation. Le cheval au galop a-t-il la même fonction que celui qui est encore au pas ou à l’arrêt ? Ces postures ont-elles une signification spécifique ? Le recours aux équidés, notamment pour les conflits armés, n’est pas nouveau : on note leur présence dès le 3e millénaire avant notre ère sur des objets tels que l’Étendard d’Ur ou encore la Stèle des Vautours. Dès lors, il convient de se demander dans quelle mesure leur présence dans les reliefs néo-assyriens devient spécifiquement un marqueur de victoire et de gloire impériale. Il s’agit pour cela d’observer dans un premier temps quelle est la fonction d’un tel programme iconographique, avant de s’intéresser plus particulièrement aux codes et conventions qui régissent la figuration équine. Enfin, il est nécessaire de mettre en lumière les détails permettant de différencier les chevaux les uns des autres dans le but de faciliter la lecture et a fortiori la compréhension des scènes représentées sur les reliefs.

Le pouvoir royal se définit et se légitime uniquement grâce à l’idéologie politique sur laquelle il repose, c’est-à-dire, à l’époque néo-assyrienne, celle d’un pouvoir centralisé dans les mains d’un seul homme. Afin d’assurer sa survie et sa stabilité, l’empire doit garantir la cohésion sociale autour de la personne du roi. Pour cela, les souverains assyriens se sont, entre autres, appuyés sur les reliefs qui ornaient les différents palais de Ninive, Kalhu et Dur-Sharrukin,. Toutefois, il convient de noter que contrairement aux hypothèses émises, notamment par Julian E. Reade[4] ou encore Irene Winter[5], il n’y a pas, à l’époque néo-assyrienne, de propagande au sens contemporain du terme qui implique une communication à l’aide des médias de masse[6]. Il s’agit là d’une notion anachronique dans la mesure où elle a été développée récemment, et ce dans le contexte précis du monde occidental de la deuxième moitié du XXe siècle[7].

Ainsi, s’il y a bel et bien propagande, ou du moins transmission d’un message, il faut en revoir l’acception, différente de celle admise dans les sociétés actuelles. Paul Garelli note déjà en 1981 qu’elle ne semble pas avoir d’effet convaincant sur le peuple lorsqu’il évoque « la leçon des bas-reliefs »[8]. Il explique ainsi qu’ « […] [elle] n’a jamais empêché les pays conquis de se soulever à chaque changement de règne et les rois d’Assyrie devaient être sans illusion. La propagande politique n’était vraisemblablement pas leur but premier, même si elle est perceptible ». Ici, P. Garelli perçoit, sans parvenir à trouver une réponse, la nécessité d’une autre fonction pour les images. Si celles-ci, mises en avant dans le palais, ne sont pas faites pour être vues par le plus grand nombre, on ne peut douter du fait qu’elles ont un destinataire, élément fondamental de la constitution même de l’image. Il apparaît alors que le message, qui n’est véhiculé qu’à l’intérieur du palais, lieu dont l’accès est restreint, serait principalement à destination d’un petit groupe d’individus proches du roi et possédant le pouvoir de le défaire[9]. Ainsi, ce public réduit composé d’ambassadeurs et d’émissaires venant des royaumes voisins mais surtout des plus hauts dignitaires de l’empire et du roi lui-même, jouirait du privilège de voir ces reliefs et peut-être de s’en instruire.

Le roi, par sa position de prestige et d’exception, suscite l’envie de ses sujets. Les individus les plus éloignés de la vie du palais ne peuvent briser le tabou qui existe autour du monarque dans la mesure où « […] la différence sociale qui les sépare est […] trop grande »[10]. Les classes sociales les plus populaires sont trop éloignées des classes sociales dirigeantes à cette époque pour pouvoir s’imaginer occuper leurs fonctions. Ainsi, le paysan ne peut, par exemple, se concevoir roi, position trop éloignée de la sienne pour qu’elle lui apparaisse envisageable. Dès lors, seuls ses sujets les plus proches, et plus particulièrement les hauts dignitaires, peuvent être soumis à la tentation de briser le tabou royal en se soulevant contre lui. En mettant en exergue les prérogatives dont bénéficient, à l’inverse du peuple, les dignitaires vis-à-vis de la personne royale, les bas-reliefs jouent un rôle clé dans l’amoindrissement de cette tentation. L’étude attentive du contenu des images révèle la présence de ces hauts personnages accompagnant le monarque sur un char faisant face au même ennemi. Cet élément les rapproche de la figure royale car ils partagent lors des victoires –  fréquentes si l’on en croit les reliefs – le prestige de leur souverain. Toutefois, celui-ci prend garde de se montrer supérieur en tout : à la fois en taille – le roi est représenté plus grand que ses soldats, subterfuge notamment permis par le port de la coiffe – mais aussi par la magnificence de ses montures, chevaux élancés au harnachement complexe. Une hiérarchie s’installe alors dans les reliefs autour de la figure de proue qu’est le roi. Il revêt le rôle symbolique de la figure paternelle par rapport à laquelle ses dignitaires s’identifient comme fils. Ainsi, ils sont liés au roi lui-même dans un rapport filial, et ils le sont également entre eux, passant de simples compagnons soldats à « frères d’armes »[11] soutenant le pouvoir du même souverain[12]. Ici, c’est donc le fait d’être réunis dans les reliefs qui lie les dignitaires autour de la figure du Père[13], le Roi.

L’image de l’autorité du souverain repose sur ses actions. Sa légitimité ne peut être remise en question tant que l’empire est puissant et protégé par sa présence. C’est pourquoi les reliefs mettent en avant les victoires du roi, comme autant de preuves de ses succès. Que ce soit dans des combats contre les lions, animaux emblématiques incarnant le Mal[14], ou sur le champ de bataille, le personnage royal défait ses ennemis. Il est donc reconnu comme maître car il entretient, au risque de sa vie, un rapport de force avec le monde hostile. Il combat à la fois pour satisfaire les dieux qui en retour protègent son peuple, mais aussi pour apparaître aux yeux de tous comme un être supérieur. Ces différents aspects permettent au roi de s’installer comme tel via un processus d’assimilation au pouvoir. Le dominant et le pouvoir ne forment plus qu’une seule entité, devenue puissance souveraine par l’action du combat. Mais, afin que cette perception soit constante, le roi se doit d’apparaître continuellement en personnage glorieux. Or, comment peut-il mieux le faire que par l’illustration de ses victoires militaires ? Commanditaire du programme iconographique qui orne son palais, il s’empare de son contenu et les reliefs deviennent alors le réceptacle de la mise en exergue de son pouvoir et de sa force. Cette utilisation raisonnée permet au roi d’asseoir durablement sa position en légitimant sa place à la tête d’un empire qu’il défend, protège et étend avec une puissance guerrière victorieuse. Celle-ci repose sur une armée vigoureuse et des chevaux rapides et forts, comme cela est si souvent mis en avant dans les reliefs. Les équidés sont ici associés à l’image du soutien sur lequel le roi s’appuie afin de renforcer son pouvoir.

Des images présentant le souverain sur son char tiré par des chevaux à une échelle beaucoup plus importante que celle des autres en sont un premier exemple. Elles participent activement à la mise en place et au renforcement de la hiérarchie instaurée entre le personnage royal, sa cour et ses soldats.

Il convient également de noter que la représentation du souverain est presque systématiquement associée à la figure équine, et ce dans des scènes diverses. S’il semble évident que les équidés soient mis en avant dans les scènes présentant les instants qui précèdent un départ en bataille ou encore dans des scènes de chasse et de guerre, il est plus étonnant de les voir lors des cérémonies d’honneur à la suite d’une victoire. Toujours richement parés lorsqu’ils accompagnent le roi, les chevaux semblent concourir à l’idée de prestige et de gloire associée à la figure royale. Leur présence permanente permet également de développer l’idée selon laquelle, au-delà d’être de simples montures, ils sont un élément indissociable de l’image victorieuse du roi.


Associés à la sphère militaire, les chevaux sont utilisés dans deux corps d’armées différents à l’époque néo-assyrienne : la charrerie et la cavalerie. Il n’est pas étonnant d’observer qu’ils sont presque omniprésents dans les reliefs dans la mesure où ceux-ci dépeignent largement les conflits armés. Ils y sont, de plus, figurés dès le début de l’empire lors du règne d’Assurnasirpal II (884-869 av. n. è.), premier roi à proposer un programme iconographique conséquent, jusqu’aux époques plus récentes des souverains Sargon II (722-705 av. n. è.) et Assurbanipal (669-627 av. n. è.). Les chevaux occupent une place importante au sein de l’imagerie néo-assyrienne : ils font partie intégrante du discours politique développé par les gouvernants dans les reliefs. La représentation de ces animaux ne semble toutefois pas dénuée de codes et c’est marqués par un grand nombre de conventions qu’ils apparaissent soutenant fidèlement l’empire.

Figure 1: Détail, vers 875-860 av. n. è., règne d’Assurnasirpal.
Photo :  M. Spruyt. British Museum, inv. : 124549

            Tels qu’ils sont représentés dans les reliefs, les chevaux utilisés par les Néo-Assyriens, légers et élancés, sont très rapidement identifiables en raison de l’accentuation de certaines de leurs caractéristiques physiques. Il s’agit principalement de chevaux de selle longilignes présentant une poitrine profonde, une longue encolure et des longs membres propulseurs (Fig. 1). Ce dernier aspect est d’autant plus important qu’il permet aux équidés de bénéficier d’une meilleure « étendue de contraction »[15]. En effet, plus les chevaux ont de longues jambes, plus ils sont rapides. Leur vitesse de déplacement est calculée en fonction de la longueur de leurs jambes et du rapport de proportion entre celles-ci et leur poids[16]. Dès lors, la figuration très accentuée de la taille des membres antérieurs et postérieurs des équidés traduit leur puissance. Ainsi, l’armée néo-assyrienne possède d’imposants chevaux doués d’une grande vitesse de déplacement assurée par une force de propulsion importante. Le recours à cette représentation parfaitement réfléchie des chevaux permet d’exprimer la capacité d’action de l’armée assyrienne sur un champ de bataille. Accompagné par des soldats montés sur de puissantes et rapides bêtes, le roi est à même de terrasser plus efficacement ses ennemis. En outre, la longueur excessive des jambes des chevaux n’est pas l’apanage des représentations d’un seul règne mais se constate à travers les reliefs datant aussi bien du début que de la fin de l’empire. La vitesse apparaît alors comme un atout majeur qu’il est nécessaire de mettre en
avant.

Figure 2: Détail, vers 875-860 av. n. è., règne d’Assurnasirpal.
Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124534.

Cette caractéristique est encore exacerbée lorsque les chevaux sont représentés dans la posture dite du « cabré allongé »[17] (Fig. 2). L’animal, jambes étendues, ne repose plus que sur les pinces[18] de ses sabots postérieurs et étend son corps dans un mouvement figurant à la fois le saut et le galop. Son élan est souligné par la courbe parfaite qu’adopte son corps depuis ses postérieurs jusqu’à la pointe de ses sabots antérieurs. Occupant la majorité de la surface de la scène, les chevaux ainsi dépeints sont au centre de la composition et du conflit. C’est dans leur vitesse et leur puissance que réside la force même de l’armée, au-delà des tactiques militaires. Plus rapides que les fantassins, les corps de cavalerie et de charrerie sont plus à même de pénétrer dans les camps adverses. Le message est alors parfaitement clair et efficace : l’armée néo-assyrienne possède des animaux solides et puissants, capables de répondre aux besoins de l’empire, ainsi qu’en témoignent les issues victorieuses des conflits armés.

Si la puissance et la gloire militaire sont le plus souvent les prérogatives d’individus virils et masculins, elles semblent toucher également les équidés à l’époque néo-assyrienne. Les chevaux utilisés par l’armée sont, si l’on en croit les reliefs, exclusivement des étalons. L’attribut de leur masculinité est régulièrement parfaitement visible et aucun doute n’est alors possible. Toutefois, il s’agit ici d’un choix délibéré de représentation. Il apparaît invraisemblable que les corps d’armée équins aient été composés exclusivement d’étalons[19], compte tenu de l’importance des pertes essuyées lors des batailles. À cela s’ajoute un manque de protection des chevaux au cours de la première moitié de l’empire. Ils n’ont été revêtus de caparaçons les protégeant des flèches et des lances qu’à partir du règne de Sennachérib (705-681 av. n. è.). De plus, au-delà des pertes rencontrées sur le champ de bataille, il est nécessaire de prendre en compte celles occasionnées par les déplacements de l’armée pendant les campagnes. Les chevaux, équidés fragiles[20], n’étaient pas ferrés ; or l’absence de cette protection pouvait occasionner des dégâts considérables à leurs sabots. Dès lors, le fait de ne représenter que des mâles dans les reliefs pourrait être motivé davantage par le discours véhiculé que par un souci de réalisme. Ainsi, lorsque le roi urartéen Sarduri II (753-735 av. n. è.) s’enfuit lors d’un combat contre l’empire néo-assyrien, son action est jugée d’autant plus honteuse qu’il a choisi une jument comme monture[21]. La permanence de la masculinité des chevaux semble donc intimement liée à l’idée de virilité et de force des hommes et des soldats.

Figure 3 : Détail, vers 875-860 av. n. è., règne d’Assurnasirpal.
 Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124556

À cela s’ajoute l’exacerbation de la musculature(Fig. 3). Lorsque l’on observe les animaux figurés en course, il apparaît justifié de figurer leurs muscles en mouvement. Mais comment comprendre l’image d’animaux en posture statique arborant de puissants muscles alors même que leur position ne requiert pas de contraction musculaire ? Ici encore, il s’agit d’un choix de représentation intentionnel destiné à servir le discours politique selon lequel l’armée n’est constituée que d’individus vaillants, qu’ils soient humains ou équins. La représentation anatomique elle-même est marquée par l’idéologie royale et le cheval est ainsi au cœur du discours politique véhiculé par les bas-reliefs en raison de sa présence centrale et de l’expression de sa puissance virile.

Au-delà des codes de représentations qui régissent les actions dans lesquelles s’inscrivent les animaux, il convient également de noter qu’il est parfaitement possible de les distinguer les uns des autres, grâce à une part non négligeable de réalisme dans la représentation. La distinction entre un cheval et un âne sauvage est rendue possible par une excellente appréciation de leurs caractères physiques et morphologiques, notamment au niveau des oreilles, plus courtes chez les chevaux, mais aussi de la queue, en tronçon chez l’âne et constituée de longs crins chez le cheval. Enfin, l’étude morphologique de la tête permet de différencier les individus asiniens au chanfrein[22] trapézoïdal des individus équins au chanfrein rectiligne (Fig. 4) . Le harnachement est également un élément majeur de la différenciation des équidés les uns par rapport aux autres. Il est en effet un marqueur de leur statut qui permet de distinguer les chevaux honorables, appartenant à la garde royale, des chevaux plus communs, utilisés par de simples soldats. Ainsi, les filets des chevaux représentés au centre de la scène de chasse à l’hémione[23] sont composés de plusieurs éléments d’une grande richesse ornementale (Fig. 4 et 5).

Figure 4 : Détail, vers 645-635 av. n. è., règne d’Assurbanipal.
Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124876
Figure 5: Détail, vers 645-635 av. n. è., règne d’Assurbanipal.
Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 12487
Figure 6 : Détail d’un char, vers 645-635 av. n. è., règne d’Assurbanipal.
Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124945.
 

Les chevaux portent, en guise de toupet, un frontal tressé équilibré par la présence de deux pompons situés sur les tempes. Ils arborent également une coiffe en métal surmontée d’un panache et rattachée à une têtière ornée de deux frises de motifs géométriques. Les montants de la muserolle présentent des ornements similaires, ainsi que la muserolle elle-même. Seuls les doubles montants du mors arborent un motif différent, composé de fines incisions dans le cuir. Le mors est élégamment recourbé à ses extrémités et attaché à des rênes très courtes qui reposent sur son encolure, grâce au poids de lourds pompons tombant sur la poitrine de l’animal. Les rênes sont agrémentées de nœuds facilitant la prise en main du cavalier. L’encolure de l’animal est encore décorée de deux colliers : le premier, large et de forme oblongue, est finement ouvragé de motifs floraux. Il est noué au niveau de la crinière et présente des clochettes sous la gorge du cheval. Le second collier est fin et enrichi de motifs géométriques circulaires. Une succession de pompons de petite taille est accrochée dans sa partie inférieure. Étant employés dans le corps de cavalerie, ces chevaux sont également harnachés d’une large bricole à étagement de pompons protégeant leur poitrine. Enfin, sur leur dos se trouve un tapis tressé et orné de pompons de petite taille sur les bords et dans les angles. Comparativement, les chevaux de rang élevé, employés dans un contexte de charrerie, ont le dos nu (Fig. 6 et 7); le même type de bricole leur couvre la poitrine et est lié à un joug d’encolure simplement incisé. De même, un seul collier orne la gorge de l’animal et le filet ne diffère que par l’aspect de la coiffe qui est constituée, dans une forme pyramidale très élancée, d’un assemblage de pompons.

Figure 7 : Détail d’un char, vers 645-635 av. n. è., règne d’Assurbanipal. Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124945
Figure 8 : Détail de la tête d’un âne, vers 645-640 av. n. è., règne d’Assurbanipal. Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124896.


Le nouage de la queue des chevaux apparaît encore comme une différence majeure dans la mesure où il nous renseigne sur la fonction de l’animal. Les crins de la queue du cheval de cavalerie sont laissés libres, parfois simplement tressés et enserrés par un anneau au milieu de leur longueur. Mais les crins des chevaux de charrerie sont systématiquement noués, dès la seconde moitié de l’empire, en une fine boucle à leur extrémité pour éviter tout accident lié à la présence de la roue du char juste derrière l’équidé. Ainsi, il apparaît que ces différences de harnachement renseignent l’observateur sur le rôle et la fonction de l’animal ainsi que sur son appartenance à une garde spécifique, telle que la garde royale.

Figure 9 : Détail d’une scène de tribut, vers 645-635 av. n. è., règne d’Assurbanipal. Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124937
Figure 10 : Relief dit de la Chasse aux hémiones, vers 645-635 av. n. è., règne d’Assurbanipal.
Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124882.

La comparaison avec d’autres types de harnachement, notamment celui des ânes, est encore plus probante. Qu’il s’agisse d’un harnachement de type complexe[24] mais ne portant aucun ornement (Fig. 8) ou plus simplement d’une corde passée autour du nez de l’animal puis savamment nouée au-dessus de son crâne (Fig. 9), le harnachement des ânes est bien moins précieux. Cet équidé, relégué au 1er millénaire avant notre ère du statut de monture royale à celui de simple animal de bât, arbore un filet de facture moyenne voire médiocre, révélatrice de son rang inférieur à celui des chevaux. Au sein même du groupe constitué par les ânes et les mules, il est possible d’identifier leur rôle. Lorsqu’ils appartiennent à l’empire, l’âne ou la mule peuvent être harnachés d’un filet complexe, qui reste sans ornement. Mais lorsqu’ils sont livrés à l’empire et font partie d’un tribut, le harnachement est plus simple et moins coûteux.


Ainsi, s’il apparaît que la comparaison des différentes espèces est probante pour comprendre la hiérarchie dans laquelle elles s’inscrivent, une observation fine des individus composant un même groupe apporte encore des renseignements sur le statut de l’animal, son appartenance et sa fonction. La hiérarchie, simple et coutumière pour l’époque, est parfaitement lisible et identifiable dans les reliefs. La représentation de chacun de ces équidés est marquée par l’idéologie politique et la hiérarchie qui régissent l’empire et toutes les fractions de la société[25]. Les Néo-Assyriens ont recours à la représentation afin de figurer et d’incarner cette différence notable de statut. Celle-ci s’observe également par la taille des animaux : dans la dernière scène du relief de la chasse à l’hémione du palais nord d’Assurbanipal (Fig. 10), où viennent s’échouer les hémiones fatigués et finalement capturés par la force humaine, l’espace est divisé en trois registres distincts. Les deux supérieurs sont occupés par des hommes menant des chevaux. Si le cheval du registre supérieur (Fig. 11) présente une taille vraisemblable comparativement à celle de l’homme qui le mène, celui du registre médian (Fig. 12) est d’une hauteur irréaliste.

Figures 11 et 12 : Détails du relief dit de la Chasse aux hémiones, vers 645-635 av. n. è., règne d’Assurbanipal. Photos : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124882

Ici, cette invraisemblance ne doit pas être comprise comme une erreur de la part des artisans, ni même comme une réalité, mais bien comme un discours dans le choix de la représentation. Lorsque l’on observe le harnachement de ces deux animaux, on constate que le cheval le plus grand est aussi celui qui possède le harnachement le plus riche ; il est donc d’un statut bien supérieur. Cette première distinction est encore renforcée par la confrontation avec les trois hémiones du registre inférieur (Fig. 13): deux d’entre eux sont encore libres et donc sans harnachement alors que le troisième est contraint par des cordes, enserré à la gorge. Ici, outre l’évidente opposition dans le statut et la fonction, un second niveau de lecture est envisageable. Dans ce dernier, les hémiones, encore libres et sans contraintes, peuvent être interprétés comme le reflet des populations non soumises au pouvoir du roi néo-assyrien, libres mais chassées et assaillies par la force de l’empire, devant craindre son courroux et ses velléités d’expansion territoriale. Les chevaux peuvent alors être compris comme d’anciens animaux sauvages, soumis au pouvoir centralisé de l’empire grâce auquel ils bénéficient désormais d’un important statut ainsi que d’un riche harnachement. La superposition de ces registres permet une lecture verticale de la scène qui renseigne encore sur le message politique et idéologique voulu par les rois néo-assyriens. Le cheval, devenu monture royale peu avant le 1er millénaire avant notre ère, s’oppose dans sa droiture et son statisme à la fougue et au galop libre des hémiones qui restent de courte durée car l’empire soumet ceux qui se révoltent.

Figure 13 : Détail du relief dit de la Chasse aux hémiones, vers 645-635 av. n. è., règne d’Assurbanipal.
Photo : M. Spruyt. British Museum, inv. : 124882

Conclusion :

Les reliefs néo-assyriens semblent donc être au service du pouvoir royal par la force du discours idéologique qu’ils véhiculent. Le roi renforce efficacement sa position, notamment grâce au discours symbolique important de ces images. La force même de l’empire, légitimée par une politique expansionniste, s’appuie largement sur l’armée et plus spécifiquement sur ses corps les plus rapides : la charrerie et la cavalerie. Les équidés, surtout le cheval, apparaissent alors au cœur même des stratégies de l’empire et de l’idéologie impériale autocratique. Richement harnachés dès lors qu’ils font partie de la garde royale, les chevaux participent à la gloire du souverain et, par là même, à la conservation du pouvoir et à la survivance de l’empire. Les représentations codifiées des chevaux, qui occupent le plus souvent le centre de la composition des reliefs dès le début de l’empire, insistent sur les caractères physiques des équidés : virils et musclés. Le caractère impitoyable de l’armée néo-assyrienne se trouve accentué par les reliefs qui montrent le roi victorieux et par la représentation spécifique de la posture du « cabré allongé » qui insiste sur la force de propulsion et la vitesse des équidés. Le cheval agit ici comme une sorte de prolongement de la main du roi, surplombant des ennemis de tout type, qu’ils soient animaux ou humains. Poussant les hémiones effrayés dans un galop éperdu à se jeter dans les filets néo-assyriens ou encore bondissant au-dessus de l’ennemi tombé, les chevaux sont les instruments de la puissance royale. Lorsqu’ils sautent par-dessus les corps des deux animaux puissants et redoutés de l’empire que sont le taureau, emblème de la puissance, et le lion, symbole de force et allégorie du Mal[26], ils deviennent l’incarnation physique de la victoire du roi néo-assyrien.

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1983           The Program of the Throneroom of Assurnasirpal II, in Harper P. O. and Pittman H., Essays on Near Eastern Art and Archaeology in Honor of Charles Kyrle Wilkinson, New York, The Metropolitan Museum, p. 15-32.

1997           Art inEmpire: the Royal Image and the Visual Dimension of Assyrian Ideology, in Parpola S. et Whiting R. M., Assyria 1995: Proceedings of the 10th Anniversary Symposium of the Neo-Assyrian Text Corpus Project, Helsinski, september 7-11, 1995, Helsinski, Neo-Assyrian Text Corpus, p. 359-381.


[1] WINTER I., 1983, p. 17.

[2] BACHELOT L., 1991, p. 109.

[3] Les tributs annuels s’ajoutent à un nombre important et fixe d’équidés élevés et rassemblés par les gouverneurs dans les différentes régions de l’empire et transportés au printemps vers la capitale, selon les besoins de l’armée. Cf. CURTIS, 1996, p. 28.

[4] Cf. notamment READE J. E., 1979.

[5] Cf. notamment, WINTER I, 1983 et 1997.

[6] SENCE G., 2014, p. 22.

[7] Le premier emploi du terme date de 1964, dans l’ouvrage de Strommerger E. et Hirmer M., Cinq millénaires d’art mésopotamien, de 5000 avant J.-C. à Alexandre le Grand, Paris, Flammarion, p. 37, ainsi que l’indique Guillaume Sence. (SENCE G., 2014, p. 22).

[8] GARELLI P., 1981, p. 10.

[9] Ainsi que l’on peut le constater lors de la chute de Sennachérib, assassiné avec l’aide et le soutien des hauts dignitaires de l’empire. Cf. BACHELOT L., 1991, p. 120.

[10] FREUD S., 1913, p. 93, trad. D. TASSEL.

[11] BACHELOT L., 1991, p. 116.

[12] BACHELOT L., 1991, p. 116, se fondant sur les travaux de S. FREUD, dans son ouvrage de 1913, Totem und Tabu.

[13] FREUD S., 1913, p. 93.

[14] CASSIN E., 1981.

[15] GALLIER A., 1919, p. 59

[16] NOBLE D., 1990, p. 63.

[17] REINACH S., 1925, p. 6.

[18] Extrémité antérieure du sabot du cheval.

[19] HYLAND A., 2003, p. 35.

[20] Comparativement aux ânes ou aux mules, dont les pieds, aujourd’hui encore, ne sont pas systématiquement ferrés, contrairement à ceux des chevaux.

[21] HYLAND A., 2003, p. 36.

[22] Partie de la tête des équidés située sur l’avant entre la ligne des yeux et les nasaux.

[23] Œuvre conservée au British Museum de Londres, numéro d’inventaire : 124876.

[24] Proche de celui des chevaux.

[25] Autant la justice que l’administration centrale et provinciale de l’empire, mais aussi toutes les activités humaines. Cf. POSTGATE J. N., 1974 a, p. 418 ; PARKER B. J., 2001, p. 250 ; et plus spécifiquement pour les chevaux, cf. POSGATE J. N., 1974 b, p. 7.

[26] CASSIN E., 1981.