Chiara UTRO

Gaëtano Giulio Zumbo à la cour des derniers Médicis

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Communication présentée le 3 février 2012
Article soumis le 21 janvier 2015
Article publié le 28 juin 2016

Résumé

 L’exemple de l’embauche du sculpteur sicilien Zumbo par les derniers Médicis. Du 1691 au 1695 le modeleur reçoit un soutien matériel pour exécuter ses travaux en cire au sein de la cour florentine. L’article analyse le rôle joué par le le vif milieu culturel et scientifique, favorisé par Côme III et son fils, le prince Ferdinand, sur le développement de son art.


 Les Médicis sont justement considérés comme les mécènes les plus célèbres de l’histoire de l’art italien. Chacun à leur manière, les princes de cette famille ont développé un ambitieux projet de mécénat, nouant des relations très différentes avec les artistes. Gombrich, dans son article sur le mécénat des premiers Médicis1, a repéré et comparé plusieurs générations de mécènes au fil des siècles pendant lesquels cette famille a gouverné la ville de Florence. Selon lui, le mécénat de cette famille a connu trois périodes : magnificence discrète de Côme l’Ancien, qui commande des fondations ; goût raffiné de son fils Pierre, qui aime jouir des richesses et devient collectionneur; mythe de Laurent dit le Magnifique, arbiter elegantiae qui exprime sa vision néoplatonicienne du monde dans toutes ses commandes publiques et privées.

   Du XVe au XVIIIe siècle, les descendants de cette Maison, afin de donner corps à leur désir persistant de légitimer et afficher leur pouvoir, ont mis en place un dessein politique et culturel où la promotion des œuvres d’art dont ils étaient commanditaires a joué un rôle décisif pour l’affirmation et le renforcement de leur hégémonie sur le territoire de la Toscane.

   Les Médicis ne peuvent se prévaloir d’origines nobles : ils sont de riches banquiers et pour eux, l’art devient le moyen d’assurer une oligarchie absolue. Par la protection qu’ils accordent aux arts, ils mettent en place un véritable mécénat d’État. L’exploitation des images vise à garder le pouvoir et à masquer par le faste un réel déclin économique.

   La “politique des arts” savamment adoptée par les Médicis au pouvoir a orienté la création de la plupart des chefs-d’œuvre de l’art florentin de l’époque moderne.

   Le mécénat des Médicis a produit des résultats extraordinaires : leur capacité à accumuler une très vaste fortune donne lieu à une riche collection d’objets d’art de toute sorte, tandis que l’engagement des meilleurs architectes et sculpteurs italiens et étrangers contribue à structurer le visage urbain de Florence et de ses alentours. Au sein de leur projet de mécénat, on constate une réelle évolution intellectuelle de l’artiste, qui devient un personnage essentiel à la cour, bénéficiant de leurs trésors et d’un climat culturel très favorable. La cour représente un creuset d’idées et d’innovations, grâce à la présence des hommes les plus cultivés et illustres de tous les domaines du savoir. Tout cela favorise les échanges et enrichit les artistes qui mettent leur savoir-faire au service des princes. Par conséquent, le mécénat implique un domaine de significations assez vaste: un échange de dons direct entre l’artiste et son commanditaire, mais aussi et surtout un véritable système contrôlé, une trame de relations culturelles et politiques tissée au sein de la cour et tout autour du mécène. Une véritable osmose se vérifie entre l’artiste et les idées, les ambitions, les projets, en un mot le milieu du mécène.

   Quand on aborde la question du mécénat des Médicis, on se réfère presque toujours au soi-disant « âge d’or» de Florence, la période allant du XVe siècle jusqu’à la première moitié du XVIIe siècle. En réalité, la décadence dont seront accusés les derniers Médicis apparaît dès le XVIe siècle : on cherchait simplement à la cacher derrière la floraison des arts, mais elle s’est inexorablement manifestée sous le long règne2 de Côme III.

   Malgré le déclin du grand-duché de Toscane, la haute qualité du mécénat mise en place par les derniers représentants de la dynastie est incontestable. Le développement de l’art baroque à Florence est presque totalement dû aux choix opérés par les mêmes princes responsables de la ruine des finances de l’Etat et de la conséquente disparition de la dynastie des Médicis3. Comme l’a bien remarqué Francis Haskell, la ville de Florence à la fin du XVIIe siècle est bien différente de celle qui est décrite habituellement : ce n’est pas un milieu fermé et provincial. C’est plutôt, grâce aux Médicis et aux puissantes et riches familles qui gravitent tout autour de la cour, un centre vivant de création artistique qui absorbe la tradition passée.

   Le but de cet article est donc d’illustrer un exemple de ce mécénat : l’embauche du sculpteur sicilien Zumbo par les derniers Médicis. L’étude des différents enjeux qui lient l’artiste à la cour florentine permet d’insister sur une notion plus ample que la commande stricto sensu. S’il est vrai que Zumbo reçoit un soutien matériel pour exécuter ses travaux en cire, il faut aussi s’interroger sur l’influence exercée sur l’invenzione et sur le génie du sculpteur par le vif milieu culturel favorisé par les Médicis. Il faut estimer le rôle joué par la tradition figurative florentine et certaines pièces de la collection médicéenne sur le développement de son art.

   Quand Zumbo4 se rendit à Florence, sur l’invitation que le grand-duc Côme III lui avait fait parvenir à Naples par son agent, le coiffeur Lorenzo Borucher5, l’artiste avait déjà développé un langage esthétique fondé sur une représentation crue de la dévastation des corps humains. Toutefois il devait trouver aussi à Florence un terrain fertile pour perfectionner ses spécialités macabres.

   On connaît heureusement les dates exactes du séjour florentin de Zumbo : l’Archivio di Stato de la ville de Florence garde la trace des salaires payés au sculpteur par la Depositeria generale des Médicis, correspondant à la somme de 25 écus par mois, en plus des regalia et d’autres gratifications considérables. Les versements furent effectués régulièrement du mois de février 1691 au mois d’avril 1695. Ces précieux papiers témoignent du premier lien rattachant Zumbo à la cour des Médicis : il recevait une rémunération en échange d’une prestation artistique durable. On verra que les objets d’art réalisés par le modeleur au fil des années florentines constituent à la fois le résultat direct des commandes des derniers Médicis et la réaction de l’artiste à différentes stimulations qu’il put trouver à la cour.

   Les œuvres qui témoignent de l’activité de Zumbo à Florence sont trois groupes sculptés en cire polychrome : La Syphilis, La Corruption des Corps et Le Triomphe du Temps, en plus d’une Tête anatomique en cire colorée modelée sur un crâne humain.

A ces cires, il faut ajouter la scène de La Peste, réalisée à Naples mais achetée par l’agent de Côme III, en liaison avec l’embauche de Zumbo à la cour florentine, et appartenant aussi pour cette raison aux collections médicéennes. Les œuvres citées sont actuellement exposées au musée de La Specola de Florence. On pourrait encore relier à l’activité de Zumbo chez les Médicis, une cire colorée qui représente une Ame damnée, attribuée à un anonyme, qui se trouve aujourd’hui dans les réserves du Museo de las Artes Decorativas de Madrid.

   Les bas-reliefs de Zumbo reflètent au mieux les idéaux religieux du grand-duc, ainsi que sa prédilection pour la polychromie et les miniatures et son intérêt pour des disciplines scientifiques, comme l’anatomie. Malgré son caractère sombre et despotique, malgré sa spiritualité bigote, Côme III était un collectionneur très passionné (mais son fils, le prince Ferdinand, le dépassait en finesse). Il accorda notamment sa protection à de nombreux sculpteurs, parmi lesquels Giovanni Battista Foggini.

   Le grand-duc vivait le départ d’artistes toscans pour d’autres centres comme une menace, un fléau pouvant engendrer un véritable appauvrissement de l’État. Ce protectionnisme culturel aboutit à la création de l’Accademia Medicea, active de 1673 à 1686: elle avait pour but de mettre les artistes toscans au contact direct des dernières tendances artistiques romaines, afin qu’ils se perfectionnent ; ils pouvaient ensuite rentrer en Toscane, après avoir fait leur aggiornamento artistique. Côme III accorda une dotation à Ciro Ferri et Ercole Ferrata, afin que les artistes de sa cour, par exemple Foggini, Nasini, Soldani, Bimbacci et beaucoup d’autres, puissent se rendre à Rome et y fréquenter l’Académie dirigée par les deux maîtres. Parmi ses autres initiatives, le déplacement des sculptures gréco-romaines de la Villa Médicis de Rome aux galeries florentines devait contribuer à l’étude directe de l’antique par les artistes de la cour.

   Sous l’impulsion des derniers Médicis le développement des genres mineurs a connu un véritable progrès. L’Opificio delle pietre dure produisit pendant le long règne de Côme III de nombreux objets d’art, parmi lesquels des coffrets marquetés, des écrins, et d’autres objets précieux, qui dévoilent un goût inédit pour les dimensions réduites et pour la couleur.

Bartolomeo Bimbi est un peintre qui, par sa grande virtuosité dans le genre des natures mortes, est tenu en grande considération par les derniers grands-ducs. Il est à l’aise dans le genre de la nature morte stricto sensu, mais aussi dans celui de l’animalistica, comme en témoigne une œuvre de la collection d’histoire naturelle de Côme III. Tandis que l’expérience de l’Accademia del Cimento redevable des nouvelles études de Galilée venait à peine de se conclure6, Côme III s’entourait de nombreux et illustres hommes de sciences comme par exemple Francesco Redi, zoologiste, poète et médecin personnel du grand-duc ; Lorenzo Bellini, professeur d’anatomie ; Lorenzo Magalotti, disciple de Viviani, qui a été à son tour élève de Galilei. Leur présence, ainsi que la curiosité de Côme III pour les expériences et les instruments scientifiques incitaient à l’ouverture d’un musée d’histoire naturelle. Le grand-duc cultivait une véritable passion pour la botanique : il importait beaucoup de plantes exotiques, au moins cent cinquante cépages différents visant à améliorer la production vinicole locale, et collectionnait dans sa Wunderkammer toutes sortes de raretés : des spécimens de plantes ou d’animaux affectés de difformités ou d’une morphologie bizarre. Il aimait les aberrations, l’effroyable, l’extravagant, le grotesque.

   Le goût du grand-duc pour un réalisme cru et macabre se manifeste dans sa préférence pour des artistes comme Zumbo lui-même ou Carlo Dolci, dont la peinture de sujets sacrés témoigne d’un style soigné et d’une description pointilleuse de la nature, et dans certaines commandes, par exemple les fresques des Quattro Novissimi, aujourd’hui disparues, réalisées en 1693 par Giuseppe Nasini pour une salle du Palais Pitti et qui représentaient un ensemble tourbillonnant de corps en putréfaction. Les scènes de mort macabres et hyperréalistes décrites par le modeleur sicilien sont mieux connues sous le nom de Petits Théâtres de la Mort. Ces scènes puisent leur iconographie dans l’humus culturel favorisé par le grand-duc et conjuguent le morbide de la sculpture baroque florentine, dont l’expression la plus évidente se trouve dans les œuvres d’Algardi ou de Foggini, à la piété fanatique de Côme III.

   Il ne faut pas exclure que les Vanités de Zumbo aient constitué de véritables objets de dévotion, bien que ce n’ait pas été leur seule destination. Ces sculptures en cire colorée pourraient être issues de la tradition religieuse des ex-voto, bien développée à Florence grâce aux nombreux boti de l’église de la SS. Annunziata et largement diffusée dans toute l’Italie du Sud. Zumbo interprète cette tradition d’une façon très raffinée et élève ses cires au rang de chefs-d’œuvre de l’art décoratif.

   Il représente un tas de corps putréfiés et livides, dont la vue suscite une forte sensation de dégoût et d’horreur comme l’écrit le comte de Caylus en 17557. Ces petits théâtres ont une fonction de memento mori, en correspondance intime avec le message idéologique diffusé par l’Eglise catholique après les inquiétudes nées de la Réforme, et avec la sensibilité jésuite à la mode à Florence et si caractéristique du Seicento baroque. Ce genre de littérature sacrée déploie un riche monde d’images qui doit susciter la pitié et l’émotion du lecteur. La description impitoyable du cadavre joue un rôle essentiel dans la représentation du supplice des martyrs chrétiens ou dans les figurations des peines infernales. La mort se transforme en un spectacle fastueux. Elle est la seule certitude parmi les contingences de l’existence humaine ; tout le reste n’est qu’illusion éphémère. Les Jésuites utilisent avec une insistance obsédante un répertoire d’images macabres évoquant la désagrégation du corps, pour démontrer la précarité de la vie humaine. L’apparition du cadavre à demi-décomposé, de la charogne ou de la momie montre que l’horreur n’est pas réservée à la vie post mortem, mais qu’elle touche l’homme intra vitam, dans la maladie et dans la vieillesse. Dans les sermons des prédicateurs, la corruption du corps rappelle aux hommes la vanité de leur attachement aux temporalia. Le cadavre en décomposition, le squelette et les os soulignent la puissance destructrice du temps.

   Les théâtres sculptés par Zumbo trouvent une correspondance, comme une sorte d’ekphrasis, dans les pages de L’Huomo al punto, publié en 1668 par le père jésuite Daniello Bartoli (1608-1685), très actif à Florence au fil des dernières années du XVIIe siècle, et dans les sermons d’un autre jésuite, Paolo Segneri, confesseur et conseilleur de Côme III. Du 19 décembre 1679, moment où Segneri quitte la Toscane pour se rendre à Rome, au 4 décembre 1694, à peine cinq jours avant sa mort, une correspondance épistolaire assidue est échangée entre Segneri et le grand-duc: on compte exactement trois cent trente-trois lettres. Si l’on compare certains passages des sermons du Père Segneri avec les pièces déployées par l’abbé jésuite Zumbo8, on remarque la présence du même langage symbolique et théâtral, des mêmes éléments iconographiques: les grottes, les cadavres, l’attitude hurlante des personnages, les gémissements de douleur dus aux blessures et au désespoir des âmes damnées, les ruines, les vers et les rats.

Dans le premier sermon du Quaresimale, intitulé Nel mercoledì delle ceneri, on peut lire: « E chi è, mi dite, il quale oggi mai non sappia, che tutti habbiamo a morire ? [] Su tante tombe, questo sempre ci gridano, benché muti, tanti cadaveri9». Ces mots semblent décrire les figures déchirées et secouées par les hurlements sculptées par Zumbo.

Figure 1. Gaëtano Giulio Zumbo, Âme Damnée, Madrid, Museo Nacional de Artes Decorativas, pièce n. 05463.
Figure 1. Gaëtano Giulio Zumbo, Âme Damnée, Madrid, Museo Nacional de Artes Decorativas, pièce n. 05463.


   L’Âme Damnée du Museo de las Artes Decorativas de Madrid10 (Fig. 1), datant de la fin du XVIIe siècle et dont on ne connaît pas l’auteur, se rattache au code conventionnel de la dévotion jésuite et au stupéfiant vérisme de la sculpture d’Italie du sud ou d’Espagne, remarquable dans certains portraits en cire comme le demi-buste de La Scandalosa de Naples11 ou les Âmes damnées de Giovanni Bernardino Azzolino12. Zumbo devait bien connaître ces œuvres car il avait déjà séjourné à Naples. Les cires de cet autre sculpteur sicilien étaient déjà exposées au Palais Pitti, quand Zumbo arriva à Florence. Une autre source iconographique est probablement la tête de Méduse du tableau peint par Luca Giordano en 1689, Persée contre Phinée et ses compagnons13. « Luca fa’ presto » est alors le chef de file du milieu artistique napolitain ; il est appelé à Florence début 1682 par Bartolomeo Corsini, pour décorer à fresque la coupole de la chapelle Corsini, et arrive à s’imposer comme le protagoniste absolu des années 1680 dans la ville des Médicis.

La présumée Âme Damnée de Zumbo est un portrait à demi-buste, en cire colorée et de petites dimensions14, placée dans un cadre en bois noir. Certains détails de l’image permettent de suggérer son attribution à l’artiste. Avant tout, l’impressionnante similitude de cette figure avec le personnage du groupe de La Syphilis : elle semble être une version un peu plus jeune du vieillard squelettique de La Syphilis, tendu dans un cri déchirant. La polychromie déclinée dans le coloris orange brique, celui-là même donné par Zumbo aux personnages encore vivants de ses groupes, le regard horrifié, la bouche ouverte et hurlante, les cheveux ondulés, la manière très réaliste et soignée par laquelle l’auteur reproduit les muscles du cou et des épaules, justifient la possible attribution de cette œuvre à Zumbo. Il s’agit d’une hypothèse personnelle, sous réserve d’approfondissements et d’examens scientifiques ultérieurs. Les ondulations des cheveux rappellent les serpents de la Tête de la Méduse du Caravage15, qui peut constituer une source iconographique utilisée par le modeleur sicilien. Ce bouclier peint était exposé dans la collection d’armes des Médicis quand Zumbo travaillait à la cour florentine. Le cadre aux motifs nordiques et la provenance de la cire anonyme, achetée par le musée espagnol en Allemagne, en provenance de la collection Weissberger, peuvent s’expliquer ainsi : Côme III pourrait avoir commandé la cire pour l’offrir à l’électeur de Bavière, Jean-Guillaume de Neubourg-Wittelsbach, le mari de sa fille Anna Maria Luisa, qui était atteint de syphilis. Après le mariage de la fille préférée du grand-duc avec l’électeur Palatin, beaucoup d’œuvres d’art de valeur furent envoyées à Düsseldorf afin de ratifier l’alliance entre les deux cours.

   Il est sûr que c’est le Grand-duc qui commanda le groupe de La Syphilis dont ne subsistent aujourd’hui que neuf fragments, suite à l’inondation qui ravagea Florence le 4 novembre 1966. Côme III l’offrit très probablement à son ami Filippo Corsini, dans la famille duquel on découvrit la cire. Elle y demeura enfermée dans une armoire pendant trois siècles environ, à cause de la répulsion suscitée à sa vue. Les fragments restants représentent deux femmes, deux hommes, un enfant, un amour aux yeux bandés, une allégorie du Temps sous les traits d’un vieillard et un crâne. Leurs dimensions laissent supposer que la scène sculptée devait être un peu plus grande que les trois autres «théâtres de la Mort»16. A ces fragments, il faut probablement ajouter d’autres pièces – un enfant, un homme, une femme et deux squelettes –, découvertes par Mario Scalini en 2010 dans les dépôts de la galerie du Palais Mozzi Bardini à Florence. Ces petites statuettes et les fragments du décor qui ont été retrouvés ensemble sont très proches, par leurs dimensions, leur style et leur technique, des pièces composant La Syphilis.

   Toutes les figures présentent une extraordinaire finesse d’exécution et une attention pointilleuse aux détails anatomiques. La cire est polychrome. La couleur verdâtre définit les cadavres, et les différentes nuances dépendent du niveau de leur décomposition. La couleur orange brique distingue les personnages encore vivants, en l’occurrence la figure symbolique du Temps. Cette dernière pièce est une figure masculine ailée (dont le détail des ailes est aujourd’hui perdu), assise sur une pierre ; son visage est défiguré par une grimace de terreur, sa bouche est grande ouverte dans un hurlement plein d’angoisse. Ce personnage se rattache au type iconographique du saint Jérôme pénitent. La coupure sur la poitrine creuse est certainement issue de cette iconographie, comme la pose sur le rocher. Il s’agissait d’un stéréotype formel qui circulait amplement à cette époque : il suffit de penser au Saint Jérôme du Caravage ou aux nombreuses représentations du saint, parmi lesquelles on peut citer la dramatique sculpture en bois aujourd’hui exposée au Museo San Gregorio de Valladolid. Le père Segneri dans son Quaresimale reprend les mots de ce saint : « Vix de centum millibus hominum, quorum mala fuit semper vita, meretur a Deo habere indulgentiam unus17 ». Et quand il décrit dans les pages du quatrième sermon l’épisode de la jeune fille qui, en raison d’une « follia vana d’amore » est prise de terribles convulsions et de contorsions quand elle s’abandonne aux vices, Segneri annonce: « Sarà tale allora l’incendio c’havrai nel volto, che a par di questo ti parrà meno acceso quello dell’Inferno: e guarda ciò ch’io ti dico (anzi ciò, che per me ti dice un Girolamo) per non più sopportare obbrobrio sì grande, ti parrà ogno hora mille anni, che finalmente pronunzi Cristo la sua terribil sentenza di dannazione, e ti lasci andare a gli abissi18».

Figure 2. Gaëtano Giulio Zumbo, La Peste, Florence, musée de La Specola, détail : mère morte avec son nourrisson agonisant pendu à son sein.
Figure 2. Gaëtano Giulio Zumbo, La Peste, Florence, musée de La Specola, détail : mère morte avec son nourrisson agonisant pendu à son sein.

   Parmi les cires appartenant aux collections médicéennes se trouve La Peste, exécutée à Naples et achetée par le grand-duc. Le sujet de cette sculpture avait attiré l’attention de Côme III et l’avait conduit à engager par contrat l’artiste à la cour des Médicis.

   Ce spectacle macabre dérive directement de la tradition figurative napolitaine du XVIIe siècle et met en relief le modus operandi de l’artiste. Il fut un véritable connaisseur des nouveautés et des tendances artistiques à la mode, mais aussi des chefs-d’œuvre du passé. Il semble que Zumbo ait été un collectionneur passionné de dessins d’artistes célèbres. Il tire son inspiration de ce bagage figuratif, transposant et élaborant ces modèles dans des compositions originales et recherchées.

   La Peste présente une montagne de corps livides superposés les uns sur les autres, et colorés de tous les tons de vert, selon les phases de décomposition de la chair : du vert bouteille jusqu’au vert tendre de la pousse des feuilles, en passant par les vert-de-gris des égratignures. Cet univers en miniature déroule un scénario similaire à celui adopté par les peintres napolitains après la peste qui avait frappé leur ville en 1656. Il existe une étroite correspondance formelle entre La Peste en cire colorée et les tableaux destinés à célébrer la fin de la tragique épidémie de Naples. Parmi les sources iconographiques figurent deux esquisses du Musée de Capodimonte de Mattia Preti pour les portes de Naples. Dans l’esquisse de la Porte de Santo Spirito on distingue, reproduite dans le groupe sculpté en cire, la figure du monatto portant dans ses bras le cadavre d’un homme19, et la mère morte avec son nourrisson agonisant encore pendu à son sein. De même, dans l’esquisse de la Porte Capuana figure l’image d’un cadavre, reprise fidèlement par Zumbo. Une autre source est sûrement le tableau qui représente La place du petit marché en 1656 de Micco Spadaro. On y retrouve une vieille moribonde qui cherche à se libérer de l’amas des corps putréfiés, un autre monatto, une autre mère avec son nourrisson, des porteurs, des charrettes et des bûchers mortuaires. Citons encore le tableau de Luca Giordano, Saint Janvier qui libère Naples de la peste, peint toujours en 1656, et le dessin à l’encre sur papier de Tobie enterrant les morts, du Napolitain Andrea de Lione, où le personnage au premier plan, aux genoux fléchis, est un souvenir de Nicolas Poussin. Zumbo connaissait bien l’art de Poussin. La Peste d’Ashdod peinte en 1630 adopte un code expressif pour la représentation de cette épidémie fondée sur des topoi classiques : le topos de la mère morte avec son nourrisson agonisant pendu à son sein apparaît pour la première fois en littérature dans un épisode du livre III de l’Eneide de Virgile ; cette image passe en peinture en 1515 avec une gravure de l’école de Raphaël illustrant La Peste de Phrygie.

   A la probable demande du fils du grand-duc, Zumbo réalisa Le Triomphe du Temps et La Corruption des corps cités dans l’inventaire personnel du prince Ferdinand. Les frères Goncourt donnent une description détaillée des deux scènes.

   A propos du Triomphe du Temps, ils écrivent : « Ce sont des squelettes, dont les os ne sont plus habillés que d’un je ne sais quoi de visqueux et de brunâtre, ou des cadavres couleur chocolat, comme calcinés de purulence, et aux grands morceaux de chair exfoliés, au-dessus desquels volètent des mouches à viande, au fond desquels s’aperçoivent des vers. Et dans ce charnier, qui semble l’état de la marche de la corruption, jour par jour, heure par heure, au-dessus des femmes, dont les chairs paraissent encore un peu de la chair vivante, se dresse une femme faisandée, au ventre hideusement gonflé, que fouille un rat20 ».

   La Corruption des corps est ainsi décrite : « Un squelette couché sur le matelas des chairs tombées de son corps, un squelette de la nuance d’une poterie brune, avec les reflets bleuâtres qui se jouent sur les plats irisés de la Perse, à côté d’un autre cadavre, étendu sur un cénotaphe de marbre blanc, où l’on n’a pas eu le temps de l’enfouir, un cadavre couleur de fiel, où la peau, fendillée, s’ouvre talée et meurtrie, comme les blessures d’un fruit: horribles lézardes d’où s’égoutte de la sanie. Un troisième cadavre n’est plus que l’esquisse pourrie et déformée d’un corps, un morceau de charogne fienteux d’un être21 ».

   Les Goncourt s’attardent sur les détails les plus macabres, et mettent en valeur la répulsion et le dégoût que cause la vision de ces scènes longtemps enfermées dans une scarabattola22. Les écrivains soulignent l’emploi savant de la polychromie : ce sont les couleurs qui déterminent un pittoricismo très raffiné et soumis à cette narration en images. Roger De Piles, en 1708, définit Zumbo comme un virtuose de la cire colorée et ses sculptures comme de véritables tableaux peints23. C’est toujours la couleur qui met à nu un réalisme cru et exaspéré, grâce à la représentation détaillée, mais sans affect, de toutes les étapes de la putréfaction de la chair humaine : les détails anatomiques, les muscles contractés et les blessures purulentes constituent la réponse visuelle d’une recherche sans artifice et d’une observation sans prétention du corps humain.

   Le Triomphe du Temps déploie une foule grouillante d’insectes et de corps semi-nus ou squelettiques répartis sur plusieurs niveaux d’une scène dominée par deux figures : à droite, le cadavre d’une jeune femme renversée sur le dos, à gauche, une figure masculine ailée, qui se dresse presque à genoux, en tenant une longue faux de ses deux mains. Cette faux est inscrite des mots : « Opera / enim / illorum / sequuntur / illos » (Apocalypse 14, 13). La figure féminine est une transposition presque fidèle de la Sainte Lucie sculptée par Gregorio Tedeschi : les emprunts sont visibles dans la main gauche, encore frappée par un dernier sursaut d’énergie, dans la coiffure et dans la ceinture serrée. Mais Zumbo se souvient aussi de l’Enterrement de sainte Lucie du Caravage. Cette peinture tragique est commandée en 1608 pour l’église de Sainte-Lucie-extra-moenia de Syracuse, ville d’origine du modeleur en cire. La leçon naturaliste du Caravage est évidente dans la pose dramatique du cadavre de la femme, qui rappelle celle d’une sainte caravagesque, mais aussi dans le lieu de la scène : une grotte aux murs oppressants qui fait allusion aux latomies de Syracuse. La figure masculine ailée renvoie par contre à la statue du Temps, sculptée par Ercole Ferrata en 1680 pour la Tombe de Monseigneur Giulio del Corno dans l’église de Gesù-e-Marie-al-Corso de Rome. Des historiens ont supposé un séjour romain de Zumbo pour expliquer une telle citation. Il n’y a pas de preuves de ce voyage, mais les contacts entre Rome et Florence étaient très fréquents à cette époque : il suffit de penser que Côme III subventionnait l’Académie, gérée justement par Ciro Ferri et Ercole Ferrata. Certaines des solutions iconographiques de ces maîtres devaient être largement diffusées et connues des artistes de la cour florentine.

   Le Temps de Zumbo est le seul personnage dont le teint présente un coloris orange brique, qui contraste nettement avec les tons verts, gris et bruns des autres corps. Cette différence chromatique souligne la nature vivante du seul personnage allégorique, qui domine ce nombre considérable de cadavres. Cette figure, comme celle du vieillard de La Syphilis, fait allusion à l’iconographie de saint Jérôme. La comparaison avec d’autres œuvres de même sujet certainement bien connues de Zumbo est éloquente. Parmi celles-ci, on peut citer le bas-relief en cire colorée sculpté par le sicilien Matteo Durante en 1663 pour le baron Francica-Nava di Bondifé ou le Saint Jérôme pénitent de Pietro Torrigiano, artiste florentin protégé des Médicis au XVIe siècle et éclipsé par Michel-Ange. Le Triomphe du Temps semble illustrer les mots de saint Jérôme cités dans le Quaresimale de Segneri dédié au grand-duc: « Vix de centum millibus hominum, quorum mala fuit semper vita, meretur a Deo habere indulgentiam unus24 ». On peut imaginer que Zumbo ait tenu compte de la vision apocalyptique du saint, décrite par ce père jésuite très proche de la cour des Médicis.

   Ce petit théâtre possède des liens avec l’estampe de Jean Baron d’après le célèbre tableau de Poussin, La Peste d’Ashdod. On y reconnaît les détails des rats, de la statue brisée, des porteurs, tandis que le petit enfant au premier plan, devant les pieds de la figure masculine ailée, est une réminiscence du Petit Amour endormi du Caravage. Le lieu scénique, réalisé en plusieurs matériaux selon la technique populaire et artisanale de la crèche, recèle de nombreux souvenirs du patrimoine artistique et naturel sicilien, mais aussi florentin. La grotte peinte sur le fond rappelle les cavités des localités de Targia et Acradina, près de Syracuse ; le traitement des rochers reproduit les effets plastiques et chromatiques du calcaire blanc, la pierre qui compose le paysage de ces lieux, mais il peut aussi être mis en relation avec la grotte du jardin de Boboli, à Florence ; les ruines classiques rappellent le temple grec de Castor et Pollux à Syracuse et renvoient à la passion pour l’antique des Médicis, mais aussi aux moulures et colonnes des façades des palais projetés dans la ville sicilienne par l’architecte Vermexio.

Figure 3. Gaëtano Giulio Zumbo, La Corruption des corps, Florence, musée de La Specola, détail : cadavres.
Figure 3. Gaëtano Giulio Zumbo, La Corruption des corps, Florence, musée de La Specola, détail : cadavres.

      La Corruption des corps s’ouvre sur un sépulcre monumental, surmonté d’une statue blanche à l’expression pensive ou dolente. A l’intérieur du sarcophage on aperçoit les restes putréfiés d’un guerrier romain. Beaucoup d’éléments autour de ce squelette décomposé, comme l’amphore ou le décor du catafalque sur lequel est allongé un cadavre, sont des symboles de la Rome classique. Tous ces corps sont la proie de gros rats qui mordent les entrailles dont ils se nourrissent. Crânes et os sont partout disséminés. La structure de la composition s’éloigne de celles du Triomphe du Temps et de La Peste. Dans celles-ci, la scène est encadrée par des éléments qui séparent l’espace du spectateur de l’espace fictif. L’artiste conduit la représentation le long des lignes directrices de la perspective ; au fond, on aperçoit l’extérieur par un modelé très fin et nuancé qui rend la profondeur.

Figure 3. Gaëtano Giulio Zumbo, La Corruption des corps, Florence, musée de La Specola, détail : figure féminine.
Figure 4. Gaëtano Giulio Zumbo, La Corruption des corps, Florence, musée de La Specola, détail : figure féminine.

   Au contraire, La Corruption des corps montre un espace fermé : le fond est fermé et oblige le regard du spectateur à se heurter aux murs. La figure qui domine la scène est le personnage féminin assis sur l’urne du sépulcre, le visage appuyé sur la main. Il s’agit clairement d’une réminiscence de la statue de la Sculpture qui apparaît au centre du monument funéraire de Michel-Ange, à Santa-Croce de Florence. Cette fois encore, la figure principale du petit théâtre se détache des autres grâce à son coloris: mais la couleur caractéristique n’est pas ici l’orange brique des allégories du Temps ou de Saint Jérôme. Ce personnage féminin est d’un blanc délicat qui fait penser au marbre des statues. Il s’agit de la même couleur, d’une tonalité un peu plus claire, que celle utilisée pour reproduire les pièces antiques sur la scène. On peut supposer que cette femme pensive et dolente est une allégorie de la Sculpture – ou de l’Art –, qui médite et s’interroge sur la fragilitas de l’existence humaine, et qui peut-être trouve en elle-même la seule manière pour l’homme d’échapper à l’oubli et de survivre à sa nature périssable et à l’inexorabilité du temps.

   La fin du Seicento se caractérise par une constante oscillation du goût entre les excès du baroque et les formes classiques qui affleurent même les œuvres des plus célèbres maîtres baroques. Cette tension est l’âme de l’art de l’époque. Et Zumbo n’est pas dépourvu de telles préoccupations formelles. Ses cires déploient toute une série d’éléments pris dans l’art antique : les ruines éparpillées partout sur la scène annoncent le style néoclassique ; les corps des petites figures, malgré leur décomposition bien avancée, gardent l’élégance plastique des statues grecques. Les attitudes, les expressions et les torsions des membres sont à la fois sensuels et pleins de pathos. Tout cela relève d’un caractère morbide typique de la sculpture de l’époque. Il est vraisemblable que Zumbo a bien étudié le considérable patrimoine archéologique de sa ville d’origine, Syracuse ; qu’il a pu profiter de l’observation des pièces grecques et romaines présentes dans les collections médicéennes dans lesquelles beaucoup d’artistes célèbres se sont formés ; et, enfin, qu’il a été bien informé des nouvelles découvertes romaines grâce au riche ensemble d’estampes et d’incisions qui circulaient alors. Ainsi la figure du monatto qui soulève un cadavre dans la scène de La Peste et le fragment d’un buste d’homme du groupe de La Syphilis rappellent la statue du Pasquino ; le cadavre étendu sur le sarcophage de La Corruption des corps rappelle plutôt la statue dite du Gaulois mourant ; les torsions et les masses des figures renvoient au groupe du Laocoon.

   Les compositions de Zumbo répondent à une inspiration macabre habituelle chez les artistes du Seicento, mais le rendu cru et sans pudeur aucune de la décomposition des cadavres humains conduit le sculpteur à focaliser son attention sur les volumes des corps et le détail des traces, même les moins visibles, que la maladie et le temps laissent sur la peau. L’artiste met au centre de ses intérêts l’exploration du corps humain en décomposition. Ses théâtres produisent une véritable osmose entre les langages artistique, scientifique et religieux. L’artiste s’arrête sur les détails de ces corps corrodés par le temps. Il va au-delà de la simple représentation symbolique du corps humain, putréfié et exposé aux caprices de la nature et du temps qui passent ; il dépasse le domaine de l’allégorie et réalise une véritable interprétation artistique de la froide réalité scientifique du corps disséqué. Zumbo en reprend la neutralité, et regarde ces cadavres d’un œil strictement clinique. Il inscrit toujours cette représentation nette et implacable des conséquences de la mort à l’intérieur du cadre symbolique de la vanitas. Zumbo canalise sa virtuosité dans la représentation la plus fidèle possible de la réalité plastique des corps, selon une étude attentive et soignée de l’anatomie.

   Sa carrière artistique prend une tournure inédite avec la production des modèles anatomiques en cire colorée. On peut imaginer que les nombreuses expérimentations conduites par les célèbres savants du cercle des Médicis, en premier lieu Francesco Redi qui étudiait la décomposition des corps des animaux, ont eu une influence sur le sculpteur. La Tête anatomique du musée de La Specola est sûrement une des premières tentatives qui feront de l’artiste un précurseur de la céroplastie anatomique, mise au point au XVIIIe siècle par les écoles florentine et bolonaise. Ces préparations anatomiques permettaient de faire un cours d’anatomie en utilisant les modèles en cire comme aide-mémoire pour les étudiants. A l’époque de Zumbo, personne n’était capable de réaliser ces anatomies entièrement en cire. On avait recours aux préparations anatomiques naturelles, mais la forme et la couleur s’altéraient très rapidement à cause de la déshydratation, et elles prenaient une couleur marron foncé uniforme. En observant les dissections anatomiques opérées par un médecin chirurgien, le but du travail de Zumbo était de réaliser des préparations anatomiques uniquement en cire, sans aucune substance organique altérable.

   Plus tard, il se rendra en 1695 à Gênes25, où il entretiendra une collaboration avec le chirurgien Guillaume Desnoues. Puis il sera invité à Paris, où Louis XIV lui accordera deux privilèges, signés le 4 et le 27 août 1701, lui donnant monopole des reproductions anatomiques en cire sur le territoire français et possibilité de dispenser un cours d’anatomie en utilisant ses modèles comme aide-mémoire pour les étudiants.

   Au vu de ces succès, la Tête anatomique de La Specola peut être considérée comme l’un de ses premiers essais. Mise au point loin de la cour florentine, la technique de création des modèles anatomiques en cire n’utilisait pas de pièces du squelette humain. Au contraire, les radiographies ont montré que cette cire anatomique avait été modelée sur un crâne, celui d’un homme de 25 ans. Selon le témoignage de 1756 du conservateur des galeries médicéennes, Giuseppe Bianchi, Zumbo aurait modelé cette tête d’après celle d’un homme qu’il aurait vu à l’hôpital de Santa-Maria-Nuova de Florence.

   La pièce représente la tête d’un jeune homme, dont la peau du côté gauche est repliée pour montrer les muscles, les tendons, les vaisseaux sanguins et les glandes salivaires. La calotte crânienne est ouverte et l’hémisphère cérébral droit est appuyé sur le côté. Le teint de la peau est très pâle ; le cerveau est verdâtre, en décomposition très avancée ; deux gouttes de sang coagulé et brun coulent de l’angle de la bouche et d’une narine. Il s’agit d’une œuvre très significative du point de vue à la fois scientifique et artistique, qui est le point de départ du développement de la céroplastie anatomique, expérimentée pour la première fois par l’abbé sicilien.

   Il serait très difficile d’expliquer les cires colorées de Zumbo en les détachant du milieu de leur conception. Les schémas iconographiques auxquels le sculpteur a recours émanent directement des recherches qui agitaient la cour florentine à la fin du XVIIe siècle et témoignent de suggestions et d’expériences mûries au fil des ans par l’artiste, même pendant ses déplacements. Ses scènes gardent le souvenir de plusieurs sources : exemples artistiques ou littéraires, mais aussi inquiétudes religieuses de l’époque, et d’abord celles qui tourmentaient Côme III de Médicis. Chaque scène se compose comme une mosaïque de nombreuses pièces, dont on cherche à deviner les sources d’inspiration. C’est un jeu cultivé et très raffiné qui met en lumière l’érudition de son auteur, et qui oblige à enquêter sur le milieu où il s’est formé et la culture dont il est empreint, afin de procéder à une lecture pertinente de ces œuvres. On comprend alors la nécessité d’étudier les relations entre Zumbo et ses mécènes à la cour de Florence de la fin du XVIIe siècle, ainsi que leurs différents enjeux, pour mieux comprendre la réalisation de ces chefs-d’œuvre sans équivalents.

 

 


Table des illustrations

Figure 1. Gaëtano Giulio Zumbo, Âme Damnée, Madrid, Museo Nacional de Artes Decorativas, pièce n. 05463. Avec l’aimable autorisation du Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid.

Figure 2. Gaëtano Giulio Zumbo, La Peste, Florence, musée de La Specola, détail : mère morte avec son nourrisson agonisant pendu à son sein. Photographie de l’auteure.

Figure 3. Gaëtano Giulio Zumbo, La Corruption des corps, Florence, musée de La Specola, détail : cadavres. Photographie de l’auteure.

Figure 4. Gaëtano Giulio Zumbo, La Corruption des corps, Florence, musée de La Specola, détail : figure féminine. Photographie de l’auteure.

 


Sources

Archives

Florence, AN, Depositeria generale 438. 21 mai, 6 juin, 23 août, 11 novembre 1691. [Notes des salaires payés à l’artiste].

Florence, AN, Depositeria generale 436. 16 avril 1694. [Note du salaire payé à l’artiste].

Paris, AN, o1 45 f. 156 v. Le 4 août 1701. [Privilège accordé à Zumbo pour représenter au naturel en cire colorée toutes les parties du corps humain].

Paris, AN, o1 45 f. 163 vo; 164 ro, vo ; 165 ro. Le 27 août 1701. [Privilège accordé à Zumbo pour les préparations artificielles d’anatomie].

Manuscrits

JÉSUITES DE TRÉVOUX, Mémoires pour l’histoire des sciences et des beaux-arts, Paris : Bibliothèque Nationale, octobre 1707, papier no 1830.

 

Sources imprimées

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CAYLUS, Anne-Claude-Philippe Tubières-Grimoard de Pestels de Levis de et Michel-Joseph MAJAULT, Mémoire sur la peinture à l’encaustique et sur la peinture à la cire, Paris : Pissot, 1755, [éd. consultée Gênes : Minkoff Reprints, 1972].

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SEGNERI Paolo, Quaresimale, Venise : Giovanni Francesco Valvasense, [1674] 1690.

 

Bibliographie

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AZZAROLI PUCCETTI Maria Luisa, La ceroplastica nella scienza e nell’arte, actes de colloque (Florence, 3–7 juin 1975), Florence : Olschki, 1977, 2 vol.

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CAGNETTA François et Mario PRAZ, « I Teatri della Vanità », FMR, 7, Bologne, 1982.

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GONZALEZ-PALACIOS Alvar, Il Tempio del Gusto. Le arti decorative in Italia fra classicismi e barocco. Roma e il Reno delle Due Sicilie, Milan : Longanesi, 1984.

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LANZA Benedetto, Le cere anatomiche della Specola di Firenze, Florence : Arnaud, 1979.

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PRAZ Mario, Bellezza e bizzarria, Milan : Il Saggiatore, 1960.

Catalogues d’exposition

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Gli ultimi Medici. Il tardo barocco a Firenze 1670-1743, Detroit, The Detroit Institut of Arts, 27 mars – 2 juin 1974, Florence, Palais Pitti, 28 juin – 30 septembre 1974 (Anna FORLANI TEMPESTI (dir.), Florence : Cataloghi d’arte, 1974).

FLORENCE, 2010
Mirabili Orrori. Cere inedite di Gaetano Giulio Zumbo dopo il restauro, Florence, Opifice delle pietre dure, 15 – 31 janvier 2010 (Laura SPERANZA (dir.), Florence : Polo Museale Fiorentino, 2010).

SYRACUSE, 1989
Gaetano Giulio Zumbo, Syracuse, Galeries du Palais Bellomo, 10 décembre 1988 – 15 janvier 1989 (Paolo GIANSIRACUSA (dir.), Milan : Fabbri Editori, 1988).


L’auteure 

Chiara UTRO est doctorante à l’Université Paris-Sorbonne, spécialisée en Histoire de l’art moderne (ED 124 ; UMR 8150 « Centre André Chastel »).

Elle prépare actuellement une thèse intitulée Gaëtano Giulio Zumbo (1674-1701) et l’art de la cire colorée, sous la direction de M. Alain MEROT, Professeur (Université Paris-Sorbonne).

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  1. GOMBRICH 1966 [2003], p. 46-67. []
  2. De 1670 à 1723. []
  3. DETROIT & FLORENCE, 1974. []
  4. Pour tout renseignement sur la biographie de l’artiste, on renvoie à l’article paru dans les Mémoires de Trévoux et à l’ouvrage : GIANSIRACUSA, 1991. Zumbo était sicilien, il devient abbé auprès des Jésuites, mais l’on ignore les détails de sa formation. []
  5. Le document 438 de la Depositeria Generale aux Archives de Florence. []
  6. Cette académie est fondée en 1657 sous l’impulsion du prince Léopold et du Grand-duc Ferdinand II des Médicis et ferme dix ans après, en 1667. []
  7. CAYLUS & MAJAULT, 1755 [1972], p. 57. []
  8. Zumbo s’était formé au Collège des Jésuites de Syracuse, comme il résulte d’un article tiré du Journal de Trévoux, mais les études au séminaire pour la prêtrise ne furent pas accomplies jusqu’au bout. Zumbo ne se vit conférer que le titre d’abbé, suffisant pour s’assurer une modeste pension à vie tant qu’il restait en Italie et pour découvrir un répertoire culturel qu’il traduisit dans ses choix iconographiques. []
  9. SEGNERI, 1674 [1690], p. 1. []
  10. Pièce d’inventaire nº CE05463. []
  11. L’œuvre, datée de la fin du XVIIe siècle, se trouve à la Congrega di S. Maria Succurre Miseris, à Naples. []
  12. GONZALEZ-PALACIOS, 1984, p. 226-7. []
  13. Le tableau se trouve aujourd’hui à la National Gallery de Londres. []
  14. Dimensions : 14,5 x 15,3 cm. []
  15. Florence, Galerie des Offices. []
  16. Les dimensions de La Peste, le Triomphe du Temps et de la Corruption des corps sont : 84,9 x 89,7 x 45,5 cm. []
  17. SEGNERI, 1674 [1690], p. 9. []
  18. SEGNERI, 1674 [1690], p. 46. []
  19. Ce terme, employé par Alessandro Manzoni dans son roman I Promessi Sposi à propos de la description de la peste de Milan en 1630, définit les hommes chargés dans les villes de transporter les malades ou les cadavres dans les lazarets. Il s’agissait d’habitude de quelqu’un qui était déjà immunisé contre la peste. []
  20. GONCOURT, 1894, p. 79. []
  21. GONCOURT, 1894, p. 80. []
  22. Il s’agit d’une petite vitrine qui préserve et expose des objets d’art. []
  23. PILES, 1708. []
  24. SEGNERI, 1674 [1690], p.9. []
  25. Le document no 436 de la Depositeria generale des Archives Nationales de Florence évoque un paiement de frais de voyage consenti par le grand-duc à la mère de l’artiste pour rejoindre son fils dans cette ville. []